Biografías de Musicos

2007-07-19T11:34:00.001-07:00

VANESSA RUBIN

Bajo la influencia de Carmen McRae, se encuentran muchas jóvenes y prometedoras cantantes de jazz, y sin duda, la mejor de ellas en la actualidad es Vanessa Rubin (Cleveland, Ohio) propietaria de una voz y titular de una discografía -al menos por el momento- absolutamente irreprochables.

En Cleveland inició sus estudios de periodismo que abandonó para dedicarse a la música. En 1982, muy joven, se desplazó a New York donde tomó clases de piano y composición con el pianista Barry Harris y Frank Foster. Empezó a trabajar con músicos locales y durante algún tiempo aprovecho su presencia en las orquestas de Lionel Hampton y Mercer Ellington para madurar un estilo que se intuía ya como extraordinario. Con aquella experiencia orquestal se lanza a grabar su primer disco "Soul Eyes" (Novus, 1991) un éxito extraordinario producido por Onaje Allan Gumbs, y donde ya se disfruta, no solo de la belleza de un timbre carnoso, sino la amplitud vocal y la homogeneidad en el tratamiento de las canciones

Su segundo disco: "Pastiche" (Novus, 1993), es hasta el momento su disco mas conseguido. En él inicia su colaboración con el trompetista Cecil Bridgewater y el pianista Aaron Graves, que también actúa como arreglista. La versión, nada sentimental, de "In a Sentimental Mood" es una maravilla y su repertorio posee ya una inhabitual personalidad para alguien que estaba empezando. En su tercer disco, zanja una deuda pendiente con su, homenaje vocal a Carmen McRae "Im Glad There is You" (Novus, 1994) la confirma como una extraordinaria cantante. En 1997, sale de gira por Europa y llega a España por primera vez. Actúa en el Festival de jazz de la provincia de Sevilla y allí en Valencia de la Concepción, un pueblo del Aljarafe sevillano, Vanessa Rubin realiza un concierto extraordinario del que afortunadamente apoloybaco, pudo estar presente.

Vanessa Rubín, tiene firmado en la actualidad un contrato para el exquisito sello "Telarc" y continua ofreciendo un repertorio jazzistico extraordinario, oscurecida eso si, por el boato, la fama y la publicidad de una contemporánea suya: Diane Krall.

2007-07-17T15:24:00.000-07:00

GONZALO RUBALCABA

Gonzalo Rubalcaba (La Habana, 1963), es uno de los grande músicos cubanos de jazz. Pianista versátil, instrumentista hábil y elegante, Rubalcaba es una de las grandes figuras contemporáneas emergentes representativas del jazz afro cubano.

Estudió música en el conservatorio de su ciudad natal desde 1971 a 1983 y ya en los años ochenta salió de gira por Europa y algunos países africanos dentro de la Orquesta Aragón, una de las mas importantes del país. Su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando el contrabajista, Charlie Haden, que ya lo había escuchado con anterioridad en Cuba, lo llamó para que se incorporara a su grupo. Con Haden, Gonzalo Rubalcaba, debutó en el Festival de jazz de Cuba en 1986 y posteriormente en el Festival de Jazz de Montreux en 1990. Grabada en disco aquel debut, "Discovery" supuso el espaldarazo definitivo para Rubalcaba. Su perfecto conocimiento del trío de jazz quedo de manifiesto y critica y publico vieron en el a uno de los grandes pianistas del jazz contemporáneo.

En 1987 graba su primer disco a su nombre para el sello "Messidor" titulado "Mi gran pasión" un autentico éxito de critica y publico. El disco le abre las puertas del sello "Blue Note" con quien firma un contrato que le permite grabar su primer disco en 1990 en directo desde el Festival de Montreux, donde volvió en trío junto a Paul Motian a la batería y Charlie Haden al contrabajo. Con una sólida educación musical y un gran talento, Gonzalo Rubalcaba, produce en 1999, su disco "Inner Voyage" (Blue Note), posiblemente el disco de Jazz más importante de su amplia discografía. En su repertorio encontramos estándares clásicos del jazz, como "Caravan", donde demuestra el dominio de la estética formalista y las acariciadas influencias de la música de su origen, la cubana, creando una versión llena de Jazz tradicional y el sentimiento de música Afroantillana aprovechada al máximo por sus conocimientos de la materia e instrucción académica.

El éxito de ese disco, hizo posible que Rubalcaba fuera elegido ese mismo año por la prestigiosa revista "Piano & Keyboard" entre los sesenta pianistas mas importantes del Siglo XX, compartiendo ese honor con Duke Ellington, entre otros. Actualmente Gonzalo Rubalcaba, reside en Florida y su actividad musical es además de intensa, extraordinariamente buena. Recientemente ha sacado junto a su amigo, Charlie Haden, un disco de boleros titulado "Nocturne" que al margen de purismos formales, sobre si la música es jazz o no, es una delicia escuchar.

2007-07-16T07:22:00.001-07:00

JIMMY ROWLES

Jimmy Rowles, (Spokane, 1918) estudió canto y piano por su cuenta y debutó con el saxofonista tenor Ben Webster, a principios de los años cuarenta. En ésa década también tocó con los hermanos Gaillard (Slim & Slam), con Lester Young, y con la cantante, Billie Holiday, algo que muy pocos pianista de jazz han conseguido.

En 1942 trabajó durante cinco meses con la orquesta de Benny Goodman, pasando después a la de Woody Herman, con la que estuvo hasta 1943, cuando fue movilizado por el Ejercito Americano. Licenciado en 1946, volvió con Herman y al año siguiente estuvo con Les Brown, Tommy Dorsey, Benny Goodman y Butch Stone, todos ellos excelentes directores de bigband. En los cincuenta estuvo durante cuatro años participando en programas radiofónicos y televisivos, entre ellos en el show de Bing Crosby. Pasada aquella etapa, se marcha California para trabajar con la cantante Peggy Lee, con Stan Getz, Chet Baker, Benny Carter y Zoot Sims, aunque su mayor éxito fue la de acompañante al piano de la gran cantante, Carmen McRae con quien grabó varios álbumes memorables.

A finales de los cincuenta formó su propio trío para actuar en varios clubes de jazz y también para grabar varias sesiones de grabación en estudio junto a: Barney Kessel, Bob Brookmeyer, Buddy de Franco y otros instrumentistas de categoría. Sus discos se vendían con facilidad y es muy destacable el grabado con Stan Getz al saxo tenor titulado: "The Peacocks" (Columbia, 1977) y el grabado en homenaje a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn, titulado: "Plays Ellington and Billy Strayhorn" (Columbia, 1981).

Pianista inspirado e influenciado por Art Tatum, Jimmy Rowles, es uno de los grandes pianista del jazz y su contribución a los grandes discos de Billie Holiday, de Carmen McRae o de Peggy Lee, son incuestionables y decisivas.

2007-07-16T07:21:00.004-07:00

CHARLIE ROUSE

Después de cursar estudios musicales en la Howard University debutó como saxofonista en 1944 con la orquesta de Billy Eckstine, y posteriormente colaboraría con las formaciones de Duke Ellington y Dizzy Gillespie entre otros. Cuando abandonó la orquesta de Ellington en 1950, se comprometió en tocar junto a Oscar Petifford, Clifford Brown y Fats Navarro. Tras un efímero paso por el octeto de Count Basie en 1950, grabó algunas sesiones de grabación con Clifford Brown en 1953 y en 1956, junto al trompetista francés, Julius Watkins formó el grupo: "Les Jazz Modes" y en esa misma epoca grabó con Art Farmer y Joe Gordon.

En 1959 inició su etapa jazzistica mas interesante cuando se enroló en la formación del pianista, Thelonious Monk, con quien permaneció en su cuarteto hasta prácticamente la retirada de éste del circuito jazzistico en 1970. Saxofonista predilecto de Monk, Charlie Rouse se ganó el prestigio de sus compañeros de profesión alcanzando una espléndida madurez artística. Tras la retirada de Monk del escenario actuó durante algunos años como sideman acompañante de otros grandes músicos en la zona de Chicago, Washington y Detroit. En 1975 formo el grupo Sphere (en homenaje a Monk) y con el recorrió durante los años ochenta clubes, festivales y actuaciones en medio mundo. Antes de fallecer participó con gran brillantez en el álbum que la cantante Carmen McRae, dedico al genial pianista.

2007-07-16T07:21:00.003-07:00

ANNIE ROSS

Nacida en Inglaterra pero trasladada junto con su familia a los Estados Unidos con solo tres años, la cantante, Annie Ross (Mitcham, 1930), estudió pronto música y con solo dieciocho años apareció con la gran Judy Garland, en una comedia de éxito. Después de algún tiempo a caballo entre Europa y América, Annie Ross, tuvo la oportunidad de aprender interpretación, revista, teatro y por supuesto perfeccionar su sentido natural para el canto. Acompañó a Lionel Hampton y su grupo en una gira por Europa en 1951 y al año siguiente grabó una peculiar versión de "Twisted" en la que supo copiar con su voz el famoso solo de Wardel Gray con su saxo tenor.

Tras ese éxito, saltó a la fama del jazz y pasó a la historia cuando formó junto a Dave Lambert y John Hendricks, el famoso trío vocal que aun hoy permanece como el mejor exponente del vocalese, una forma originalisima de cantar basada precisamente en la fiel reproducción de frases instrumentales con el apoyo de textos poéticos. Con el trío conocido internacionalmente como "Lambert, Hendricks y Ross", Annie Ross, participó en conciertos, festivales, eventos musicales y actuaciones por todo el mundo grabando discos tan importantes como "Sing a Song of Basie" (Impulse, 1957). Al año siguiente graba para World Pacific, lo que está considerado como su mejor trabajo con el cuarteto sin piano de Gerry Mulligan y en dos sesiones diferentes que contaban con Chet Baker y Art Farmer a la trompeta en cada una de ellas. "Annie Ross sings a song with Mulligan" que así se titulaba el disco, fue una prueba de fuego pasada extraordinariamente por una cantante que tenia una tesitura de voz extraordinariamente amplia en el agudo.

En 1959 graba "A Gasser" para el sello Capitol, pero su acompañante, en esa ocasión, el saxofonista tenor, Zoot Sims, le superó. Annie Ross, se retiro del trío formado con Lambert y Hendricks por motivos de salud en 1962 y se estableció en su país natal, Inglaterra, donde abrió un club de jazz durante un breve periodo de tiempo. Volvió al teatro y reanudó su carrera cinematográfica, pero su aguda voz ya estaba resentida para el jazz.

2007-07-16T07:21:00.001-07:00

SANTY ROQUE

El guitarrista Santy Roque se cría desde pequeño entre guitarras laúdes y timples y su padre se convierte en su primer maestro hasta que en 1963 comienza su andadura profesional con el grupo: Los Improvisados, formado por su padre y hermanos. En 1965 ingresa en el Real Conservatorio de las Palmas de Gran Canaria para completar sus estudios de música, incluyendo piano, guitarra, flauta, coral, canto y armonía clásica. Pronto empieza a cosechar sus primeros éxitos consiguiendo algunos premios importantes como el recibido en 1967 al mejor timplista joven de la Peña Majorera.

En 1973 consigue su primera guitarra eléctrica y empieza a conocer a los grandes guitarristas de la época como Joe Pass o Joao Gilberto. Influenciado por estos y otros músicos, comienza una carrera imparable tocando con muchas de las figuras del panorama Nacional e Internacional como: Héctor Costita, Lou Bennett, Wim Overgauw, Óscar Stagnaro, Chucho Valdés, Julio Barreto, Horacio Icasto, George Adams, David Sánchez, Perico Sambeat o Tito Duarte. Asimismo participa en Festivales Internacionales de Jazz, en grabaciones para programas de Jazz en TV, comparte escenarios junto a figuras de talla mundial como: Leo Sayer, Julio Iglesias o el grupo cubano Irakere. Su participación en el Festival de Jazz de Canarias es frecuente y en su haber tiene mas de 800 actuaciones, en los más prestigiosos escenarios musicales de Europa. A lo largo de estos últimos 20 años muchas de sus composiciones están aun sin ver la luz, no es menos cierto que muchas de sus composiciones están siendo tocadas en diferentes lugares del planeta.

2007-07-16T07:20:00.002-07:00

LEON ROPPOLO
CLARINETE

Nacido en una familia de músicos de origen siciliano, su padre y su primo eran clarinetistas, Leon Joseph Roppolo, aprendió pronto a tocar la guitarra y el clarinete, debutando a los quince años en algunas salas de fiestas de Lago Pontchartrain con Georg Brunis. Poco después, trabajo con el pianista, Eddie Shields en varios clubes de New Orleáns y a continuación se fue de gira con una compañía de vaudeville de la cantante y bailarina, Bea Palmer. En Davenport, terminada la gira, lo contrataron para uno de aquellos barcos de vapor que cruzaban el Mississippi con la orquesta de Carlisle Evans.

En Chicago formó la "Friars' Inn Society Orchestra", poco después conocida como "New Orleáns Rhythm Kings" en 1921. A finales de 1923 se trasladó a New York contratado por la orquesta de Al Siegal que actuaba en el "Mills Caprice" del Greenwich Village. Trasladado a Texas, entró a formar parte del grupo del pianista, Pete Kelly en 1924. Cuando se encontraba en Minnesota de nuevo con el grupo de Carlisle Evans, cayó enfermo, pero no le impidió tocar de nuevo en New Orleáns con una nueva formación de los "New Orleáns Rhythm King" dirigidos entonces (1925) por Paul Mares. Afectado por una fuerte depresión nerviosa, tuvo que abandonar la música para pasar una larga temporada en un sanatorio psiquiátrico. Aunque fue fugazmente dado de alta, recayó y tras varios intentos fallidos por volver a su profesión, murió en un manicomio de Louisiana, tres años después.

Leon Roppolo, fue uno de los mejores clarinetistas de la primera época del jazz, y tuvo la virtud de crear una de las mejores bandas de jazz de su tiempo. Fue con la New Orleáns Rhythm King, cuando se inauguraron las primeras grabaciones interraciales del jazz con la incorporación ocasional de Jelly Roll Morton. En Leon Roppolo, se inspiraron, en mayor o menor medida, casi todos los clarinetistas blancos del jazz. Desde Nick Vitalo a Fud Liwingston, de Benny Goodman a Jimmy Dorsey.

2007-07-16T07:20:00.001-07:00

WALLACE RONEY
TROMPETA

Wallace Roney (Philadelphia, 1960) saltó a los escenarios al mismo tiempo que su contemporáneo, Wynton Marsalis, y sus comienzos fueron de la mano del gran Sonny Stitt. Trabajó con los "Jazz Messengers" y su progresión fue tal que pronto fue considerado uno de los grandes trompetistas del jazz actual.

A lo largo de varios años, trabajó con el quinteto del batería, Tony Williams y participó en una sesión homenaje a Miles Davis en 1992. En su papel interpretando a Miles Davis, Wallace Roney, consiguió una gran aceptación de la critica cuando recreó el ambiente de su popular quinteto. Fue justo su participación con el trompetista de Alton, en el Festival de Jazz de Montreux, lo que hizo que saltara a la fama. El disco testigo de aquel hecho, se titula: "Miles Davis and Quincy Jones at Montreux" (Warner Bross, 1991).

En su todavía corta carrera discográfica, Wallace Roney, ha grabado mas de una docena de álbumes para los sellos: "Muse", "Warner" y últimamente con "Concord Jazz" con quien grabó en el año 2000 un excelente registro titulado: "No Room for Argument"

2007-07-16T07:19:00.002-07:00

SONNY ROLLINS
SAXOFÓN TENOR

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.

Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio.

Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.

Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).

Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.

2007-07-16T07:19:00.001-07:00

ADRIAN ROLLINI
SAXOFÓN BAJO

Adrian Rollini, (1904-1956), fue un músico de excepcional precocidad y talento, pues ya a los cuatro años actuaba en publico como pianista de obras de Chopin y a los catorce dirigía su primera orquesta. A principios de los años veinte entró a formar parte de los "California Ramblers" que necesitaban un saxo bajo, instrumento que aprendió a tocar en solo un mes y que introdujo y adoptó en el jazz.

En 1927 viajo por primera vez a Europa y en Inglaterra estuvo con la formación de Fred Elizalde hasta 1929. De vuelta a New York, se unió a la orquesta de Bert Lown donde estuvo un periodo de seis años, entre 1927 y 1933. Dejó el saxo bajo y empezó a tocar en sus actuaciones el vibráfono. En 1935, formó un trío para actuar en el Hotel President de New York, al que denomino "Adrian's Tap Room" y donde tocaba el vibráfono, el piano y la batería. Durante los años cuarenta se dedicó a actuar en pequeños grupos y en locales igualmente pequeños, y fue en 1950 cuando se trasladó a Florida contratado por el "Driffwood Lodge", un club local. En Florida incrementó su actividad musical, tocando en varios clubes de Miami o en Hoteles como el "Eden Rock Hotel".

Este fue su ultimo contrato ya que falleció el 15 de mayo de 1956 a causa de una afección hepática con complicaciones pulmonares. Adrian Rollini, tiene en el jazz un sitio de honor por haber sido, además de un instrumentista excelentemente versátil, -llegó a tocar determinados instrumentos creados por el mismo- el músico que introdujo el saxo bajo al jazz y adoptarlo como su primer instrumento.

2007-07-16T07:18:00.000-07:00

JERRY ROLL MORTON
PIANO

En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe.

Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.

En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.

Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

2007-07-16T07:17:00.000-07:00

SHORTY ROGERS TROMPETA

Después de estudiar música, el trompetista y arreglista, Shorty Rogers (1924-1994), se especializó en composición y arreglos en el Conservatorio de Los Ángeles y debuto en 1942 en la orquesta de Will Bradley. Antes de ser llamado a filas en el ejercito americano, tocó durante todo un año en el grupo de Red Norvo. Entre 1945 y 1951 colaboró como arreglista e instrumentista, en la orquesta de Woody Herman y después de grabar algunos temas compuestos por él, se trasladó a California tocando sucesivamente con Butch Stone y Charlie Barnet.

En 1950, con una bien ganada reputación entre los músicos de la Costa Oeste americana, entró a formar parte de la orquesta de Stan Kenton, donde estuvo durante un año y medio como músico de sección y también como arreglista. Sus trabajaos para la orquesta de Stan Kenton , le dio tal prestigio, que fue el arreglista mas solicitado en el mundo del jazz en aquella zona. A lo largo de su carrera colaboró con con casi todos los músicos de jazz de California y es mas brillante en la composición y en los arreglos que como instrumentista. Su carrera discográfica para los sellos, RCA, y Atlantic, principalmente, está jalonada de grandes éxitos, siendo sus álbumes todos parejos en calidad.

De entre sus discos clásicos destaca el titulado: "Cool and Crazy" (RCA, 1953) al estilo del sonido apuntado por Maynard Ferguson. Shorty Rogers, murió en el invierno de 1994.

2007-07-13T10:37:00.002-07:00

TOMMY RODRÍGUEZ

El saxofonista tenor Tommy Rodríguez aprendió clarinete a los 13 años de edad y se inició tocándolo con las grupos musicales locales de marimba. Asimismo, descubrió la música norteamericana y cubana, escuchando las estaciones de radio locales de Tampico, que retransmitían la música de las Grandes Bandas y los shows de radio de La Habana. Un año después recibió una beca de las comunidades locales (ciudades de Poza Rica y Papantla en Veracruz) para estudiar en la Escuela Libre de Música en la Ciudad de México. Se convierte en profesional a la edad de 15 años, tocando saxofón alto con orquestas en Xochimilco, donde conoce a Cuco Valtierra quien lo influenció para cambiar al saxofón tenor. Tres años después ya estaba tocando en el Cabaret Bremen en la Ciudad de México.

En 1951, después de un breve retorno a Veracruz, donde tocó principalmente con la Orquesta de Armando López, Rodríguez regresa a la Ciudad de México y fue contratado por la Orquesta de Ismael Díaz. En la banda conoce al trompetista César Molina, de quienes se convirtió en amigo inseparable. Durante el mismo período, Rodríguez ya es ejecutante y solista con las grandes Orquestas de Pablo Beltrán Ruíz y Everett Hogland. Un par de años después, trabajando en clubes nocturnos en Ciudad Juárez y en El Paso, Texas, tuvo la oportunidad de conocer a Dizzy Gillespie, Ray Brown, Charlie Parker, Lester Young e Illinois Jacquet, quienes junto a Chuck Berry y Ben Webster, se convirtieron en una enorme influencia en su vida y en su música. De regreso en la Ciudad de México en 1955, Tommy Rodríguez se unió a la Gran Orquesta de Luis Arcaraz, y la banda fue nominada por la revista norteamericana "Down Beat" como una de las cuatro mejores del mundo. Entre los músicos de esta orquesta estaban Tino Contreras, Héctor Hallal, Mario Patrón y el bajista Víctor Ruíz Passos.

Un significativo paso en la carrera de Tommy fue la grabación, en 1954, de los álbumes: "Jazz en México". Los tres volúmenes son parte de los mejores álbumes de jazz grabados en México en todos los tiempos. El jazz estaba en su cúspide en México, cuando Tommy y fundaron el 16 de diciembre de 1956, el famoso Jazz Bar, que rápidamente se convirtió en el lugar favorito para escritores, políticos, músicos y fanáticos del jazz. Louis Armstrong visitó México en varias ocasiones al final de los años cincuenta y acostumbraba presentarse en el Club Social Ritz en el centro de la Ciudad de México. José "Pepe" León, el dueño del lugar , le presentó a Tommy Rodríguez, Mario Patrón y Víctor Ruíz Passos. Tommy desarrolló una buena amistad con Armstrong, visitando juntos varios lugares y participando en jam sessions, pero lamentablemente ninguna de estas sesiones fue nunca grabada.

A principios de 1957, el compositor y arreglista cubano Arturo "Chico" O'Farrill, se afincó en México y estableció una estrecha amistad con Tommy, hasta el punto de que éste le ayudó a seleccionar músicos para formar una big band. En ella, Tommy fue durante muchos años su primer saxofonista y participó en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en los conciertos celebrados en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica mexicana. Tommy Rodríguez es también conocido por su trabajo en los estudios de grabación como solista; entre los años cincuenta, sesenta y setenta, estrellas internacionales como Benny Moré, Libertad Lamarque, The Carpenters, Tom Jones, Diana Ross, Barry White, Ray Conniff, Sammy Davis Jr. o The Jackson Five, siempre buscaron a Tommy cuando hacían giras en México.

En 1977, Tommy Rodríguez fundó el "Sax Sexteto de Cámara" un original proyecto integrado por dos tenores, dos altos, un barítono y un barítono bajo; la banda ejecutaba composiciones de música clásica y estándares del jazz como "Lover Man" ó "A Night in Tunisia". La orquesta se disolvió en 1983 sin haber efectuado grabaciones. En los años ochenta, Tommy Rodríguez participó en dos importantes grabaciones como arreglista y solista: "Jazz Mariachi" y "La Sinfonía del Quinto Sol", ambos álbumes con Tino Contreras. El primero era una tentativa de fusionar una sección rítmica de jazz con un mariachi completo, mientras que el segundo, una idea de la pintora Estrella Newman, era un tributo a las tradiciones de los aztecas. Durante más de 25 años, Tommy grabó música para varias películas en colaboración con varios compositores, como Sergio Guerrero, Rubén Fuentes, Manuel Esperón y Raúl Lavista, entre otros.

Además de sus contribuciones a la Historia del Jazz en México, y de su aporte al desarrollo de las grandes Orquestas durante su época dorada en su país, Tommy Rodríguez deja un legado sonoro permanente en su amplísima discografía, en su participación en el cine, en el teatro y en la televisión mexicana. Su creatividad sigue intacta como lo demuestra que a sus 74 años, actué todos los fines de semana al frente de su súper banda, un cuarteto, en el Restaurante Bar New Orleáns de la capital mexicana.

2007-07-13T10:37:00.001-07:00

TITO RODRÍGUEZ

El reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, Tito Rodríguez, ya tocaba maracas con 16 años, y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johny quien se había mudado allí en 1935. El primer trabajo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista se alistó en el Ejército de los Estados Unidos.

En 1946 el pianista y compositor cubano Curbelo reclutó a Rodríguez y a Tito Puente para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido del mambo en Nueva York. En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdes. Después dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, llamado los "Mambo Devils" en 1948. En 1949 firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada. En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello: "Live at the Palladium" fue un éxito magnífico.

En 1963 él lanzó el disco de jazz latino: "Live at Birdland" que incluyó a los músicos de jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohn y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un éxito extraordinario con su álbum : "From Tito Rodríguez with Love" en el cuál, Israel "Cachao" López, como acompañante dio una lección maestra al contrabajo. Malos contratos de negocios y el constante choque con sus músicos lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Sintiéndose rechazado por su propia gente, Tito Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. Rodríguez demostró los primeros signos de su enfermedad en 1967 al hacer uno de su últimos programas de televisión. La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Garden de New York el 2 de febrero de 1973. Poco despues la leucemia le quitó la vida.

2007-07-13T10:36:00.002-07:00

RED RODNEY

El trompetista, Red Rodney, pasó a la historia del jazz cuando se unió en 1949 al quinteto de Charlie Parker. Estudió música en Mastbaum, y a los quince años empezó a tocar profesionalmente pasando por varias orquestas como las de Jimmy Dorsey, Tony Pastor, Les Brown, Claude Thornill y Gene Krupa. En 1948, entró en la formación de Woody Herman con quien grabó "The Crickets" y More Mon".

En 1949, Charlie Parker, lo llamó para que sustituyera en su quinteto a Kenny Dorham y durante mas de un año, Red Rodney, vivió junto a Parker la eclosión del bebop actuando en infinidad de locales y clubes. Con Parker, inauguró el "Birdland" y también realizó giras por el Sur de los Estados Unidos y Europa. Sus problemas con las drogas le apartaron de la actividad musical y fue ingresado en un Hospital de Lexington. Reaparece con fuerza y se une a los grupos de Charlie Ventura, de Oscar Pettiford, y mas tarde con el de Stan Kenton. Durante algunos años estuvo en pequeños grupos locales y en algún que otro programa televisivo como el dirigido por Sammy Davis, Jr.

En los sesenta, y tras alguna veleidad con la música pop, se enroló en la orquesta de Count Basie (1964-1965) y tras otro paréntesis forzado por su salud, organizó en la compañia de George Wein, un espectáculo musical titulado: "Musical Life of Charlie Parker" que recorrió el viejo continente entre 1974 y 1975. Su participación, tanto como músico como actor en la película homenaje a Charlie Parker, dirigida por Clint Eastwood (Bird, 1988) fue uno de sus ultimas apariciones.

2007-07-13T10:36:00.001-07:00

BETTY ROCHE

Criada en Atlanta City y trasladada a New York en 1939, la cantante Betty Roche, perteneció entre 1941 y 1942 al grupo los "Savoy Sultans". En una de sus actuaciones la oyó cantar Duke Ellington, y Betty Roche se convirtió en 1943 en la primera mujer cantante que interpretó la parte del Blues en la suite Black, Brown and Beige, durante un concierto en el Carnegie Hall en 1944. Ocupó en la banda de Ellington el lugar dejado por otra magnifica cantante ellingtoniana: Ivie Anderson.

Su excelente interpretación en la banda de Ellington y su repercusión publica posterior al concierto, le permitió granjearse la estima de la critica especializada que siempre la consideró como una de las mejores cantantes que tuvo la gran orquesta de Ellington. Tras su paso por la banda del "Duke", Betty Roche empezó a trabajar en solitario, y al año siguiente grabó una versión del tema "Trouble Trouble" para la serie "V-Disc" la marca discográfica que la compañía RCA-Victor sacó especialmente para divertimento de la tropa americana desplazada en Europa con motivo de la II Guerra Mundial. Una vez terminada la contienda y pasada la depresión económica, Betty Roche colaboró a lo largo de la década de los cincuenta con la orquesta del pianista, Earl Hines, con quien llego a grabar algunos álbumes de gran interés, entre ellos: "I Love My Lovin' Lover".

Tras un breve paso por la orquesta de Earl Hines, volvió a colaborar con Ellington en 1952 durante todo el año y a partir de mediados de los años cincuenta desapareció de la escena musical. Ya solo reaparecía fugazmente para acompañar a Mel Tormé en alguna ocasión. En esa nueva etapa, grabó con Ellington el disco: Ellington Uptown para Columbia en 1953. Su lugar en la orquesta de Ellington, fue ocupado por la cantante Joya Sherrill. Sólo grabó a su nombre cuatro álbumes, siendo el ultimo de ellos, el realizado en 1961 un disco con el contrabajista, Wendel Marschall para el sello Prestige, siendo ésta su ultima visita a los estudios de grabación.

2007-07-13T10:35:00.001-07:00

JON ROBLES

El saxofonista vitoriano, Jon Robles recibió en su formación clases de los maestros: Adolfo Ventas, Lluis Vidal, Sean Leavitt, Perico Sambeat, Bennie Wallace, Ralph Lalama, Lluis Verges, Ed Thigpen y George Garzone entre otros. En el año 2000 obtiene el Premio de Honor en grado medio de su instrumento. Ése mismo año finaliza el grado superior con la calificación de Matricula de Honor.

A lo largo de su carrera ha obtenido los siguientes Premios y becas:

1991 Premio de la Prensa y Gobierno Balear. Festival de Jazz de Ibiza. Este mismo año se traslada a Barcelona.

1992 Beca para estudiar con David Liebman en Siena (Italia). Premio al Mejor Grupo, en la 1ª Mostra de Jazz per joves de Catalunya (Joan Monne Quartet ).

1994 Premio al Mejor Solista con el grupo David Mengual Quartet. Dicho grupo es vencedor de la 3ª Mostra de Jazz.
Premio Revelación, otorgado por la Asociación de músicos de Jazz de Catalunya.

1995 Premio al Mejor Solista del año.
Con el David Mengual Quartet, es seleccionado como único grupo español, para participar en el Festival Internacional de Getxo.

1997 Graba el Disco “Monkiana” con David Mengual que es seleccionado como Mejor Disco del Jazz Español.

1999 Premio al Mejor Solista del año.
Graba el Disco "D’es de aquí" con David Mengual que es seleccionado como Mejor Disco del Jazz Español.

2000 Graba los Discos "Mosaic Trío" y "Mosaic Nonet" con David Mengual que son seleccionados como Mejor Disco del Jazz Español.

2001 Becado por el A.I.E.,con la beca "Tete Montoliu".
y posteriormente vuelve a se becado de nuevo por dicho organismo con la beca de Alta Especialización. Becado asimismo por la Berklee School of Music de Boston.

A lo largo de su dilatada carrera y como experiencia profesional ha grabado y tocado con numerosos artistas y músicos, no sólo de los ámbitos del jazz, entre los que hay que destacar su actuación en 1994 en el festival de jazz de Vitoria junto a Manhattan Transfers y la Orquesta de la RTVE; con Ben Sidran en la sala Jamboree de Barcelona; una gira con la Bigband de Miguel Ríos y otra con la cantante cubana Lucrecia y con el saxofonista Paquito D'Rivera. Fuera del jazz actuó con Alejandro Sanz en su gira mundial del 2000 y posteriormente en la de 2004; acompañó también a Juan Manuel Serrat, Ketama, Olga Guillot, y Dyango entre otros artistas.

En la TV actúa en diversos programas, como el dirigido por Javier Gurrutxaga titulado: "La noche por delante"; "La Noche abierta" y Séptimo de Caballería" en TV2; o en el programa "Paral-lel" en la TV3. Su presencia en los festivales de jazz mas importantes de Europa es habitual de forma que ha participado en los de: Ibiza, Pamplona (con el Iñaki Salvador Quartet), Zaragoza, Barcelona, Baiona (con Deborah Brown), Leverkusen (Alemania), Luxemburgo, Getxo, Girona, Lleida, San Sebastián, Vitoria, Bruselas. Actualmente es saxo alto de la "Pirineos Jazz Orchestra"; toca con el trío de Lluis Vidal, y es Jefe de Área del "Taller de Músics" de Barcelona donde imparte clases de dicho instrumento y es responsable de combos.

Su participación en la Orquesta de Cambra del Teatro Lliure, bajo la dirección del maestro Josep Pons, es muy importante y también su presencia como músico en el Teatro de La Zarzuela de Madrid junto a la compañía del Ballet Nacional de España, dentro del espectáculo "La Leyenda". En el 2002 impartió clases en el Seminario Internacional de Zarautz (Guipúzcoa), al lado del maestro Benny Golson. y actualmente imparte clases de post-grado (personalizadas) de música moderna y jazz para profesores y maestros especializados en música clásica. Su amplísima discografía, iniciada en 1993 con la Iruña Bigband, tanto como líder de su formación como jazzman es de una gran calidad, destacando los discos ya citados grabados con David Mengual en trío, cuarteto o noneto y con Iñaki Askunse en 1999.

Jon Robles está a punto de sacar al mercado un nuevo trabajo con Randy Brecker y un trabajo con la cantante Norah Jones.

2007-07-13T10:34:00.000-07:00

SPIKE ROBINSON

La peculiar carrera jazzistica de Henry Berthold Robinson, (Kenosha, 1930), verdadero nombre de Spike Robinson, tuvo un inicio tardío. Miembro esporádico del famoso combo originario de la Costa Oeste americana y que se denominó "Four Brothers", consolidó junto a los también saxofonistas tenores, Al Cohn, Stan Getz y Zoot Sims, una forma originalisima de tocar el saxo.

En 1951, mientras hacia el Servicio Militar en Inglaterra, consiguió una apreciable popularidad que le permitió grabar varios discos. Una vez licenciado, regresó a los Estados Unidos y en Colorado consiguió un contrato de trabajo para tocar en varios clubes locales. Sus ultimas grabaciones conocidas acompañando como sideman a otros instrumentistas, datan de finales de los años cincuenta, y desde entonces abandonó la actividad musical hasta cerca de treinta años después, cuando en 1981, reaparece en un disco grabado a su nombre para el sello Hep y titulado: "Plays Harry Warren" dedicado a la música de un célebre compositor y arreglista norteamericano ensombrecido por el prestigio de Cole Porter, George Gershwin y otros.

Entre 1981 y 1997 desarrolla toda su carrera discográfica al amparo de varios sellos secundarios: "Capri", "Hep" o "Discovery" y es especialmente interesante el grabado en directo en 1989 titulado "Three for the Road" junto al guitarrista, Louis Stewart, el bajista, Pete Morgan, el baterista, Mark Taylor y el trompetista, Janusz Carmello. Saxofonista tenor brillante, Spike Robinson, falleció en los albores del siglo XXI.

2007-07-13T10:33:00.002-07:00

MARCUS ROBERTS

El pianista, Marcus Roberts, (Jacksonville, 1963), es uno de los jóvenes talentos del jazz mas involucrados en el panorama jazzistico actual. Marcus Roberts, se dio a conocer como pianista del grupo del saxofonista, Wynton Marsalis.

Nacido en Florida en 1963, y ciego desde niño, su carrera ha corrido paralela en cierto modo a la del saxofonista Marsalis. Dirigió la Lincoln Center Orchestra, y su trabajo compositivo para grandes formaciones y orquestas es extraordinariamente bueno. Excelente pianista en cualquier estilo, se le identifica sobre todo con sus personales recreaciones de composiciones de , entre otros, de Scott Joplin, Thelonious Monk y Gershwin.

En 1988, firmó contrato con la discográfica , Novus, y su primer disco titulado: "The Truht is Spoken Here" tuvo un muy buen grado de aceptación por parte del publico y la critica. Es obvio que el apoyo en la batería del gran, Elvin Jones y de Charlie Rouse, al saxo tenor, hacen del disco de su debut, un extraordinario registro. Sus grabaciones para Novus, continuaron y a un ritmo de disco por año, Marcus Roberts, llega a 1993, año en que graba su mejor - y momentáneamente su ultimo disco - para el sello Novus, titulado: "If I Could Be With You", en el que se sienta al piano en solitario para grabar un gran registro. Una vez terminada su relación contractual con Novus, Marcus Roberts, firma un contrato con Columbia que también da excelentes resultados.

Alternando las grabaciones para Columbia- con quien graba en 1999 un extraordinario álbum en homenaje a Duke Ellington (In Honor of Duke) - y Novus, Marcus Roberts, llega hasta nuestros días convertido en un excelente pianista en el que los resbalones, que los hay, son ensombrecido por sus logros.

2007-07-13T10:33:00.001-07:00

LUCKEY ROBERTS

Luckey Roberts fue un pianista que apareció muy pronto en los escenarios. Nacido en Philadelphia el 7 de agosto de 1893, entre sus recuerdos tiene muy presente cuando fue su primera actuación en su primer show musical. Y así recuerda que su primera actuación la hizo como participante de un tipo de revista de la época llamados "Smart Set" cuando él tenía cuatro años de edad. Al año siguiente, esto es con cinco años, Luckey ya vivía profesionalmente del mundillo de la música, bien cantando, bailando... en un vaudevil que hacia un circuito por todo Estados Unidos. Así ya con esa edad se hizo un experto en los instrumentos de percusión, todo ello unido a ser un niño de una personalidad muy inquieta, pues, nada más y nada menos, con esa edad y esa "experiencia" va con la compañía a trabajar a Europa.

A esa edad escucha ya con atención a los pianistas que le acompañaban y toma su primer contacto con tal instrumento, familiarizándose rápidamente con él. Tal es así que en poco tiempo y a la edad de seis años ya es un pianista conocido en fiestas y carnavales. Eso si, Luckey Roberts por su edad solo podía tocar el piano en una nota la "B natural" (los pies no le llegaban a los pedales), y así recuerda que se aprendió todo el show tocando en tal tono lo que obligaba a los y las cantantes a que acomodasen su voz al mismo. Músico de gran inquietud como tal y como artista, trabajó muy duro para conocer el instrumento, y para ello aparte de las prácticas que hacia escuchaba a multitud de pianistas de la época como Jess Pickett, One Leg Willie, Sam Gordon, Jack The Bear, Lonnie Hicks, etc. De esta forma Luckey al poco dominada el instrumento y rápidamente aprendió a tocarlo en todas las notas posibles. Al mismo tiempo se hizo un espabiladísimo jugador de billar, y participaba en tal juego sacándose su dinero, entre actuación y actuación.

Igualmente comenzó a escribir música especialmente rags, y en 1913 son grabados dos que serán un éxito completo y de los mejores jamás escritos nunca: "Junk man rag" y "Pork and beans" . Posteriormente hizo la grabación de su rag "Ripples of the Nile" , este no solo le dio más fama sino una buena cantidad de dinero, y ello porque en 1942 es grabado por Glenn Miller pero con otro nombre ("Moonlight Cocktail"), pero los derechos de autor los cobró Luckey, como tenía que ser. Igualmente escribió música para diversos shows que se representaron en Broadway, y por más de tres décadas encabezó una de las más afamadas orquestas de sociedad de la Costa Este de Norteamérica. Luckey tuvo su propio club, el "Rendezvous" en Harlem entre 1942 y 1954. El club tenía una particularidad: mientras Luckey tocaba, todo el mundo que tenía algún trabajo en el club, especialmente los camareros y la gente que trabajaba en la cocina, cantaban al mismo tiempo con él. Un visitante asiduo del club en los cincuenta fue Red Garland. Luckey recuerda que Red muchas veces no quería irse a su casa y le preguntaba constantemente cosas sobre el piano y nuevas formas de tocarlo. El club fue cerrado por razones de salud de Luckey. En muy poco tiempo sufrió dos accidentes de tráfico, y para su desgracia en uno de ellos sus manos se vieron seriamente dañadas.

Aún así, a las pocas semanas de este accidente, Luckey se fue para acabar unas grabaciones que tenía pendientes. Realmente Luckey era de un carácter indomable. Jamás bebió o fumó, fue una persona siempre de buen humor y optimista por naturaleza, ayudaba siempre que podía y a quien lo necesitase. Para mucha gente esta considerado como uno de los escasísimos hombres claros, transparentes y honestos que conocieron. Sin embargo, luego y pese a ser el primer músico que vendió música "honky tonk" con éxito comercial, fue olvidado y en 1946 grabó su último disco en 78 r.p.m. para el sello "Circle". Ante tanta injusticia, el productor Lester Koenig sabiendo lo que fue y quien era Luckey, para él un mito viviente, hizo con él y con Willie The Lion Smith en 1958, una serie de grabaciones a piano solo los famosos "Harlem piano solos", quizás una de sus mejores grabaciones de todos los tiempos."

2007-07-13T10:31:00.000-07:00

MAX ROACH

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro isntrmneto solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.

2007-07-13T10:09:00.001-07:00

SAM RIVERS

Hijo de un cantante y de una pianista, el saxofonista, Sam Rivers (El Reno, Oklahoma,1930) nació durante una gira musical de sus padres. Afincado en Chicago, estudio música y técnica instrumental en una escuela católica. En su vecindario tocaba en bandas juveniles y tenía tiempo y recursos para enseñar música en la "Berklee School" de Boston, donde también tocaba la batería, Tony Williams.

Meses mas tarde, colaboró con dos grandes cantantes de blues, los guitarristas, T-Bone Walker y B.B. King, trasladándose, animado por estos, a New York. En 1964 realizó un gira con Miles Davis, al que recomendó su amigo de escuela, Tony Williams, participando en el disco que el trompetista grabó en Tokyo. Entre 1967 y 1971 estuvo con Cecil Taylor y luego con el pianista, McCoy Tyner. Fue un músico, a pesar de sus aptitudes, infravalorado y se le negaba el reconocimiento que otros conseguían con mas facilidad y no siempre con idéntica calidad.

En 1973 su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando participó en el Festival de Jazz de Montreux al que se presentó formando trío con el contrabajista, Cecil McBee y el baterista, Norman Connors, con quienes obtuvo un éxito clamoroso. A partir de ese momento las invitaciones para participar en festivales, giras, conciertos y todo tipo de eventos, se suceden vertiginosamente. Al mismo tiempo se multiplican sus grabaciones en estudio y empiezan a llegar con asiduidad al mercado una serie de discos importantes, destacando los grabado en 1976 con el contrabajista, Dave Holland, para el sello: Improvising.

Artista no atado a ningún sello discográfico, sus grabaciones se han ido sucediendo a lo largo de estos últimos años con los sellos: Blue Note, ECM, RCA, Black Saint, Timeless etc, y su actividad como saxofonista o compositor siempre ha tenido el don de la creatividad.

2007-07-13T10:08:00.002-07:00

LEE RITENOUR

El guitarrista, Lee Ritenour, estudió el instrumento con varios profesores cualificados, entre ellos el maestro de la guitarra de jazz, Joe Pass. Desde los doce años trabajaba como músico profesional en grupos como los "Esquires", el "Afro Blue Quintet", el trío de Craig Hundley y en el famoso grupo de Sergio Mendes: "Brasil 77". A los 16 años hizo su primera sesión junto al grupo: "The Mama's and the Papa's". y dos años después colaboró en las actuaciones de Tony Bennett y Lena Horne en el Dorothy Chandler de Los Ángeles. En 1973 formó un grupo con John Pisano, antiguo guitarrista de Herb Alpert, y al año siguiente con Dave Grusin, antiguo pianista del ya citado grupo "Brasil 77". Con Grusin, veterano pianista, compositor, productor y cofundador del sello GRP inició una magnifica relación profesional compartiendo con él la autoría de algunos discos como Harlequin.

Influenciado en sus años jóvenes por los estilos relajantes de Wes Montgomery, Joe Pass y Barney Kessel, ha conseguido poseer un estilo propio y fluido. Su debut discográfico como líder fue en 1976 para el sello Epic con el álbum: "First Course". Lee Ritenour ha desarrollado a lo largo de su carrera otros estilos musicales distintos al jazz; sus coqueteos con la fusión del jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños. De hecho, muchos de los músicos que comparten discografía con él, son originarios de Brasil. En 1979 graba para GRP, el álbum "Río", el disco mas importante de esa época donde el jazz y la bossa se daban la mano.

Guitarrista polifacético, durante su carrera, Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro, y abundantes números uno en concursos de guitarra. Sus discos, cerca de una veintena, están grabados mayoritariamente para GRP, y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum: "Larry & Lee", a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton.

2007-07-13T10:08:00.001-07:00

DANNIE RICHMOND

El baterista Dannie Richmond (1935-1988), empezó de niño a tocar el saxofón tenor y a los veintiún años decidió pasarse a la batería, un hecho que pudo favorecerle en su carrera ya que adaptó ese instrumento sin ideas preconcebida sobre el papel de ese instrumento.

En 1956, conoció al contrabajista, Charles Mingus con el que colaboró en su grupo "Workshop" casi un año. Estuvo después con Chet Baker algunos meses, pero volvió nuevamente con Charles Mingus de quien ya no se separaria hasta practicamente la muerte del bajista en 1979. Estar mas de veinte años siendo el batería de un genio del jazz como Charles Mingus, significa escribir paginas indelebles en la historia del jazz moderno y cubrir una carrera profesional excepcional. Al margen de su carrera profesional con Charles Mingus, aceptó algún que otro esporádico trabajo con músicos de otros estilos como, Elton John, Joe Cocker o Mark-Almond.

Todas las experiencias de Charles Mingus, en el mundo del jazz, del bebop al freejazz, han sido vividas en primera persona por Dannie Richmond, que con su técnica refinada, su precisión y su versatilidad en las baquetas, se convirtió en un pilar insustituible de todas las formaciones mingusianas. Los discos de Mingus, son de alguna forma también los discos de Dannie Richmond y en las arcas de Columbia; Impulse!; Atlantic y otros mas, están algunas de las obras maestras del jazz moderno. Después de la muerte de Mingus, Dannie Richmond, formó el grupo de "Mingus Dynasty" un cuarteto formado también por exmúsicos del gran contrabajista.

2007-07-13T10:07:00.000-07:00

BUDDY RICH

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano, el baterista, Buddy Rich (1917-1987), a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway. En 1928 dirigió su primera orquesta y diez años mas tarde debutó como baterista en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter.

En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta. En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contratado por la banda de Harry James. Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los Jazz at the Philharmonic. En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum - con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces"- Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas.

Una grave crisis cardiaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la actividad formando, primero un pequeño combo y poco después un "All Stars" en una gira de conciertos por Extremo Oriente. En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros.

Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musicalmente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos baterías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro"

2007-07-11T10:26:00.002-07:00

ROGELIO REYTER

Nacido en ciudad de Panamá, este multipercusionista es hijo de uno de los más grandes melómanos de jazz, del cual aprendió a escuchar desde muy temprano a Wes Montgomery, Jona Jones, Lou Donaldson, Jimmie Smith, Bola Sete, Dave Brubeck, Dexter Gordon, y muchos más. Sus primeras nociones de teoría musical las recibió de su abuelo, el gran percusionista sinfónico, Benito Vogel. A la edad de 17 años incursiona en su primer grupo musical, quasi-profesional, en la Universidad de Panamá. Hecho este que le permite mostrar sus cualidades innatas de percusionista conspicuo, lo cual le abre las puertas para enrumbarse en grupos de tipo experimental y contestatarios, como es el Trópico de Káncer.

Ya para la edad de 20 años estaba tocando con diversos grupos a la vez, como el del maestro del Tres cubano, radicado en Panamá, René Santos, con el cual se dedica a tocar casi seis años exclusivamente Son Montuno, sin dejar de participar en otros grupos musicales y de diversos estilos musicales. Por muchísimos años fue miembro del Conjunto Ashante Percussion Ensamble, el cual reunía en su momento a los mejores percusionistas de Panamá, entre los que se destacan Rafael Mckarty, Luis Torres, Virgilio Ortega, Yambaó y otros. Ya para 1990 funda junto con el violonchelista y percusionista de estudio Virgilio Ortega y con Oreste Macía, notable tamborero, el Conjunto de Experimentación Sonora, proponiendo ritmos atrevidos y polémicos, que crean reacción entre los percusionistas panameños, sin embargo en su momento se le reconoce su atrevimiento musical.

Más tarde viaja a Cuba, donde trabaja con Sara González por tres meses. En el pueblo habanero de Marianao, conoce a Ricardo Abreu, conocido como Papin, del Grupo de Tambor Los Papines de Cuba, el cual le aporta grandes datos sobre las congas, exigente instrumento de percusión. Posteriormente viaja a la ciudad de Nueva York en 1995 donde es invitado como cuarto solista de Djembé en el Festival Panafricano de Brooklyn, Prosper Park. Ahí intercambia con casi 45 tamboreros sonando a la misma vez. En 1991, se desliga parcialmente de la música popular y es invitado por Víctor Boa, el más grande jazzista panameño para que forme parte de su exclusivo y exigente grupo de jazz. En este grupo Yambaó, como es conocido artísticamente, Rogelio Reyter le propone al gran maestro incorporar en algunos temas los tambores Batá, a lo cual Víctor Boa accede muy complacido, y así el maestro Boa integra a su sonido otro elemento enriquecedor. Víctor Boa a quien se le atribuye la autoría de haber creado el "Tambo Jazz" que es un estilo de jazz a lo panameño, el cual ha sido internacionalizado por el gran jazzista panameño e internacional, Danilo Pérez.

Rogelio Reyter, trabaja con Víctor Boa hasta que la muerte le reclama la vida. Pero casi inmediatamente es solicitado por el mejor grupo de jazz en Panamá actualmente, el Blue Note jazz Quartet, formado por los hermanos Maturell. Con este grupo ha compartido tarima con el maestro baterista Billy Cobham; Chick Corea, Charles Mingus, el panameño Carlos Garnett; y con el contrabajista afamado en Nueva York, Santi D'Briano, entre otros. Desde el año 2001 ha participado por tres años consecutivos como Ministrante en el prestigioso Festival de Invierno de la UFPR, en Curitiba, Brasil. Dictando el Taller sobre Las Influencias de los Ritmos Afrocaribeños en la Música Popular Contemporánea, dejando grandes impresiones y causando suceso sobre percusionistas brasileños como Claudinho de Brasil y Alexandre Rogoski, ambos, bateristas de estudio.

Rogelio Reyter también es flautista con tres años de estudios en el Conservatorio Nacional de Panamá, bajo la batuta del maestro Roberto Pitre. Su conocimiento en la ejecución de la flauta lo ha encaminado a hacer música de experimentación sonora, combinando instrumentos netamentes acústicos. Este excepcional y polémico percusionista de jazz, cuenta con varias entrevistas televisadas y didácticas, sobre la forma y ejecución de la percusión en diferentes estilos, también ha participado en la grabación de muchos discos compactos.

2007-07-11T10:26:00.001-07:00

JACKIE REVLON

Patricia Pérez-Yarza comienza su carrera musical hacia 1996 en Bilbao, su localidad de nacimiento. Hija de un reconocido pianista de los años sesenta de Bilbao, monta su primera banda "The Blue Lovers" con los que realiza sus primeras actuaciones y graba una demo que contiene temas clásicos de jazz con un toque de R&B muy bien acogida por parte de la prensa. En 1999 se traslada a Madrid donde organiza jam sessions de jazz colabora con el trío de Joshua Edelman y forma el dúo "Mal & Pat" con el polifacético Malcom Scarpa, actúan en diversos locales interpretando versiones y temas del propio Scarpa.

A comienzos de siglo nace el proyecto Jackie Revlon Nº5, donde al jazz se le unen temas de repertorio brasileño. Ya viviendo en Barcelona estudia con el
compositor Carlinhos Pitera el fraseo y los ritmos de la música brasileña. Participa en conciertos de "Banda Guimaraes" y graba "Murmurio" con el guitarrista Danielo Pinheiro, en el que participa también el maestro Pitera. A partir de aquí se multiplican sus actuaciones en conciertos y festivales de Cataluña con músicos como Rai Ferrer, Pere Lowe o Jaume Vilasecas.

En 2005 entra a formar parte de la "Gori´s Jazz Band", compuesta por el "Ibiza Jazz Trio" de Joachim Kühn, obteniendo gran éxito entre el público de todas la nacionalidades en los escenarios de Ibiza. También son de destacar las invitaciones a subir al escenario por parte de Miko, antiguo guitarrista de Prince, durante sus conciertos en Ibiza donde reside habitualmente. Reputados locales y eventos de Ibiza solicitan su participación durante estos dos últimos años de manera regular, sirvan de ejemplo sus actuaciones semanales en el agroturismo de lujo "Atzaro" y en sus eventos VIP, Villa Mercedes, el exclusivo local de jazz Recover y la inauguración del nuevo escenario al aire libre de la localidad ibicenca de San Antonio.

Actualmente ha ampliado su repertorio y apoyada por músicos residentes en Bilbao nos presenta, ya bajo su alterego profesional Jackie Revlon, un espectáculo de música jazz y brasileña de gran calidad y clase.

2007-07-11T10:24:00.000-07:00

DJANGO REINHARDT

Django Reinhardt, (1910-1943), nació en Bélgica en el seno de una familia gitana y fue el primer músico de jazz europeo de aceptación universal, y también el más grande hasta ahora. Analfabeto, autodidacta, incapaz de escribir una sola nota o de leer una partitura, era también un hombre con poca disciplina para el estudio, jugador empedernido y juerguista a mas no poder. Django Reinhardt, no obstante fue un músico extraordinario, lleno de inventiva y creatividad y supo adaptar la música que venía de América a sus habilidades con la guitarra, a pesar de que en una de ellas, le faltaban dos dedos, percance este ocurrido cuando durmiendo se declaró un pequeño incendio que lo tuvo hospitalizado mas de un año y que facilitó su acercamiento al jazz. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades físicas mermadas. Django Reinhardt, Fue una referencia indiscutible e indispensable no solo para su generación sino para todos los guitarristas de jazz posteriores.

Discutido siempre, y discutida su música, lo que es indudable, es que la guitarra de este "gitano de los dedos de oro" como se le conocía, tenia un swing irresistible y sus acordes eran de una lógica asombrosa y de una inventiva extraordinaria. Su música siempre terminaba en si misma y de una manera casi mágica, siempre coincidían el principio y el final de la exposición con las partes equivalentes de la audición creando así una especie de complicidad con quien la escuchaba. Django Reinhardt, además de un gran músico, tuvo la virtud - poco común en la historia del jazz- de liderar con destreza un grupo de músicos que dieron muchos días de gloria a esta música. En 1934, en compañía de su hermano, Joseph, fundó con ocasión de un concierto en Paris, el grupo que se encargaría de difundir el jazz por centroeuropa en los años previos a la II Guerra Mundial: el "Quintette Du Hot Club de France", un combo formado por dos guitarras rítmicas, además de la solista, contrabajo y violín solista. El violinista era, Stéphane Grappelli, (1908-1997) un parisino que rápidamente se convirtió en la otra estrella del pequeño grupo basado en la excelente afinidad y compenetración con Django. En 1936, apenas dos años después de la formación del quinteto, el grupo estaba perfectamente consolidado y en 1937 realizó sus primeras giras internacionales. En muchas de ellas participaron grandes instrumentistas americanos que se encargaron de dar lustre y categoría al quinteto francés: Benny Carter, al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor, fueron los solistas mas destacados que tocaron junto al gran Django Reinhardt.

La II Guerra Mundial les sorprendió en Londres donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, Django Reinhardt, tuvo la suerte de ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su música. Paradójicamente, Django Reinhardt y su música fue, durante la ocupación nazi de Paris, uno de los símbolos culturales de la Resistencia.

La fama de Django - que el en un exceso de fanfarronería alardeaba y engrandecía - llegó a oídos del mismísimo, Duke Ellington, y hasta los Estados Unidos viajó el guitarrista belga convencido de que su fama era mayor de lo que en realidad era. Django Reinhardt, dejó tras de sí una amplísima estela de seguidores incondicionales que lo consideran sin ninguna duda, el padre de todos los guitarristas de jazz europeos. Desde Jaco Pastorius o John Mclaughlin, en el jazz moderno a Jimmy Raney o Wes Montgomery, en el tradicional, todos coinciden en que este gitano belga dio un vuelco espectacular a la música en Europa.

Django Reinhardt, falleció el 16 d mayo de 1953 en la localidad francesa de Fontainebleau cuando apenas tenía 43 años. Pero a Django lo mantienen vivo sus cerca de 300 grabaciones y una legión de seguidores de su estilo, tanto gitanos: Bireli Lagrene, Elios Ferré, o Christian Escoudé, como “payos “, entre los que se encuentran, René Thomas, Philip Catherine, Larry Coryell, o Jim Hall. Recientemente Woody Allen le ha dedicado una de sus últimas películas,”Acordes y Desacuerdos” (1999). Su hueco en la guitarra de jazz europea todavía está sin ocupar

2007-07-10T16:29:00.002-07:00

EMILY REMLER

La guitarrista, Emily Remler (1957-1990), creció en Englewoods en el Estado americano de New Jersey. Eligió la guitarra como instrumento a los diez años inspirada y alucinada por la forma de tocar de Jimmy Hendricks y sus músicos. Atraída por el jazz en la adolescencia, Emily Remler, estudió en el "Berklee College" donde quedó fascinada por la forma de tocar de Wes Montgomery, Charlie Christian y George Benson.

Terminó sus estudios con dieciocho años y se marchó a New Orleáns, donde trabajó profesionalmente en números ambientes musicales, incluido el Rhythm and Blues. Su reputación como guitarrista se extendió rápidamente y en 1979, regresó a New York donde su facilidad melódica y el sentido natural del swing que desprendía su instrumento, impresionaron a todos las que la oían tocar. Alentada por Herb Ellis y Charlie Byrd, en 1980 firmó un contrato con el sello Concord Jazz, y un año mas tarde, en abril de 1981, grabó su primer álbum titulado "Firefly" con Hank Jones al piano, Jake Hanna a a la batería, y Bob Maize al bajo. Tuvo un notable éxito con el disco y ello le permitió ser invitada a los festivales de jazz de Colonia, Berlín y el Concord Jazz festival.

Los años ochenta fueron para Emily Rimler, la década de su consagración; dirigió su propio grupo, un cuarteto con la presencia de James Williams en 1982 y realizó numerosas giras, actuaciones y conciertos en todo el mundo y en su música siempre estaban presentes los grandes maestros de la guitarra de jazz que le habían inspirado: Wes Montgomery, Kenny Burrell y Charlie Christian. Entre 1981 y 1988 grabó cinco discos para Concord, siendo el último de ellos un homenaje explicito al gran Wes Montgomery,"East to Wes" (Concord Jazz), 1988). Como muchos otros músicos, su carrera se malogró por la entrada en su vida de las drogas. Un mal día de 1990, el 4 de mayo, fue encontrada muerta en un hotel de Sidney en Australia por una sobredosis. Con ella se fue una gran instrumentista femenina de jazz, uno de los pocos caso en que la mujer se acerca al jazz para hacer algo que no sea cantar.

2007-07-10T16:29:00.001-07:00

PABLO REGNANDO

A los 10 años de edad comienza sus estudios elementales de música y guitarra con el profesor de guitarra clásica C. B. Castán. Desde el inicio de su formación musical dejó claro sus objetivos con respecto a la composición, su profesor permite a manera de estímulo que en los exámenes de cada curso presente una pieza propia equivalente al grado de dificultad del curso realizado. Prepara a los 17 años con la pianista y compositora C. Leguizamón el ingreso a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata donde cursaría la Licenciatura en Música, composición y Armonía. Se inició en el Jazz como intérprete y compositor a los 19 años, tras años de estudio y práctica musical e instrumental con la influencia de los músicos y compañeros de Facultad.
A los 22 años se traslada al sur de Argentina, lejos del epicentro cultural del país, hasta el año 1988. Allí ejerció como profesor de música en diversos colegios e institutos, así como de profesor particular de guitarra, armonía moderna e improvisación y en los talleres de música moderna del Conservatorio Municipal de Puerto Madryn. Se establece nuevamente en Buenos Aires hasta finales de 1989, donde trabaja y estudia con músicos afines a su sensibilidad, es allí donde se produce un cambio notable en su evolución como instrumentista y compositor.

En el Año 1993 gana el primer premio como solista de Jazz en la “Bienal de Arte Joven” celebrada en San Carlos de Bariloche, Río Negro, Argentina. En 1995 recibe una “mención especial” del INCAA. (Instituto Nacional de Ciencias y Artes Audiovisuales) por la realización del vídeo clip y la música de “Hora de vivir”, con la colaboración musical de Héctor Mac Donald. En 1996 solicita una beca a la Provincia de Chubut para realizar un viaje de perfeccionamiento a Madrid, España, que posteriormente se le es otorgada.

Decide fijar indefinidamente su residencia en Madrid y forma su primer cuarteto con Ignacio "Bhuo" Vidaetchéa (saxos y flauta), Juan San Martín (bajo eléctrico), José San Martín (batería), Sergio Graña (batería) y Héctor Oliveira (bajo), entre otros alternativos miembros durante los años 1996 y 1997. Posteriormente en el año 1998 y ya residiendo en Oviedo, funda y dirige dos agrupaciones que tienen una proyección sobresaliente en el campo del Latin Jazz, Fusión Jazz y del World Jazz: El dúo de guitarras "Confluen-Jazz” con el guitarrista Alfredo Morán, que se ampliaría a trío tras sumar al bajista neoyorquino Joshua Kühl; y el "Pablo Regnando Quartet” con Jacobo de Miguel (piano y teclados); Fernando Arias (batería y percusión) y Daniel Casielles (bajo eléctrico y contrabajo)

2007-07-10T16:28:00.000-07:00

DIANNE REEVES

Descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al colegio, la cantante Dianne Reeves, comenzó a cantar en la banda de su escuela, y con ella recibió un premio durante la Citywide Big Band, una competición escolar celebrada en Denver. Aquél premio le sirvió para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. Inició su carrera en Los Ángeles en 1976. En California, Diane Reeves descubre el trabajo en estudio, y se empapa de cultura musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson, y The Latin Ensemble.

Entre 1978 y 1980, conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez años; con Childs, Dianne aborda el período de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas, dándose a conocer en todo el sur de California En 1981 trabaja con Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore. Ya en aquella época recibe los primeros elogios de la critica y las primeras muestras de reconocimiento del publico. Al años siguiente, Dianne y Billy producen su primer álbum para el sello "Palo Alto" titulado: "Welcome To My Love"
En 1986 Reeves, se instala en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, en el que se aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte: "Fore Every Heart" (Palo Alto) regresa a la costa Oeste donde ambos deciden formar un trío con el que realizan una amplia gira por todos los Estados Unidos.

En 1987, Dianne Reeves interviene en el concierto "Echoes of Ellington" en Los Ángeles, en homenaje al gran compositor y pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note Records, está entre el publico y tras escucharla la invita a entrar en su discográfica, una decisión que reforzará definitivamente su carrera. Su primer álbum para el sello de la etiqueta azul, "Dianne Reeves" (Blue Note-1987) incluye un arreglo del tema de Ellington: "Better Days" que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de ésa primera grabación, Dianne inicia una gira por los Estados Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se suceden año tras año y su voz es muy apreciada por los entendidos y el publico de jazz.

En 1991 graba: "I Remember" para Blue Note y el disco permanece durante mas de tres meses en la lista de jazz vocal mas vendidos de los Estados Unidos. A ése enorme disco le siguen: "Art and Survival" para el sello EMI en 1994, trabajando junto al productor Eddie del Barrio, amigo y cómplice de aventuras musicales. Un nuevo álbum al año siguiente para Blue Note: "Quiet After The Storm" fue nominado para el Grammy por la Best Jazz Vocal Performance. Ya subida en la cresta de la ola, graban un disco con los grandes del jazz entre los que se encuentran: Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron. El disco se titula: "The Grand Encounter" y constituyó un enorme éxito.

Dianne Reeves, sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces mas cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.

2007-07-06T12:54:00.001-07:00

DIZZY REECE

El trompetista jamaicano, Dizzy Reece, fue introducido a la música por su padre, pianista especializado en darle sonido al cine mudo. A los once años empezó a estudiar saxo barítono para después dedicarse desde 1945, a la trompeta. En 1948 realizó su primer viaje a Europa como músico profesional y en el viejo continente tuvo ocasión de acompañar a la mayoría de los músicos americanos afincados allí; así entre 1949 y 1950, tocó en Paris con el saxo tenor Don Byas y también con Jay Cameron; posteriormente en Holanda y en Alemania acompañó a Wallace Bishop, Sandy Mosse y de nuevo a Don Byas. En 1954 se trasladó a Londres durante un par de años, actuando en varios locales con la orquesta de Tony Crombié.

Entre 1956 y 1958, cruzó en sentido inverso el Canal de la Mancha para trabajar en Paris y Portugal. A finales de 1959 regresó a los Estados Unidos donde en 1963 formó un grupo propio con el que llegó a actuar en el "Village Vanguard" neoyorquino. Grabó con Victor Feldman para el sello Contemporary, la antología "London Jazz" para el sello Impulse y a su propio nombre para los sellos Savoy, Blue Note y New Jazz. Para éste último sello discográfico, grabó en 1962 el que quizás sea su álbum mas aclamado: "Asia Minor".

2007-07-06T12:53:00.004-07:00

JOSHUA REDMAN

Hijo del magnifico saxofonista tenor, Dewey Redman, y miembro del grupo de Ornette Coleman, Joshua Redman, (Berkeley, 1969), recibió una educación musical muy completa y eligió el saxofón como instrumento graduándose con nota muy alta en la Universidad de Harvard y rechazando una oportunidad de estudiar abogacía en la Universidad de Yale.

Poco después de cumplir los veinte años, Redman comenzó a tocar con diferentes bandas y en 1991, ganó el concurso competitivo de la "Thelonious Monk Compettition", un premio de gran prestigio entre la comunidad jazzistica de los Estados Unidos con el que se pretende motivar a los jóvenes instrumentistas con talento. Ese premio le permitió firmar al año siguiente un contrato con la discográfica, Warner Bross, con quien debutó como director de su banda al año siguiente grabando un álbum a su nombre y al que llamó genéricamente "Joshua Redman". Su segundo disco junto al guitarrista, Pat Metheny, el contrabajista, Charlie Haden y el baterista, Billy Higgins, titulado "Wish", (Warner Bross, 1993) reveló a un interprete que respetaba la tradición jazzistica como la que empleaba su padre, y a un técnico de gran inteligencia en la improvisación y con inusualmente tono cálido.

Sus discos de finales del siglo XX, vinieron a demostrar una firme consolidación y una mayor inspiración. Es muy destacable en este contexto, su doble CD grabado en 1995 en cuarteto y en directo en el Village Vanguard de New York, y titulado "Spirit of Ther Momenty Live at The Village Vanguard", (Warner Bross, 1995) donde demuestra la personalidad de un músico con una permanente y gratificante corriente de ideas aplicadas a la improvisación. Ese mismo espíritu, se manifiesta en su trabajo para Warner Bross al año siguiente y titulado "Freedom in the Groove", en el que intenta, no siempre satisfactoriamente, incorporar otros géneros musicales a su repertorio instrumental.

Seguidor indisimulado del gran tenor, Sonny Rollins, Joshua Redman, exhibe sus recursos creativos para cumplir sus objetivo: una música libre y moderna en absoluto reñida con la más pura tradición jazzistica de sus antecesores en el saxofón tenor.

2007-07-06T12:53:00.003-07:00

DON REDMAN

El arreglista, Don Redman, (1900-1964), tocaba además el saxo contralto y soprano, el clarinete y el piano. Pero su aportación histórica al jazz vino al ser una figura clave del desarrollo del estilo y el sonido clásico de la bigband en los años veinte y treinta. Procedía de una familia con un amplio bagaje musical: su padre era profesor de música y su hermano, Lewis dirigía una orquesta en Maryland. Él mismo ya tocaba la trompeta a los seis años y a los doce tocaba ya discretamente todos los instrumentos de viento, incluido el oboe.

Estudió intensivamente en los institutos "Storer's College" y "Harper's Ferrys" y en los Conservatorios de Chicago y Boston y al terminar los estudios, se unió en 1922 a los "Broadways Syncopators" dirigidos por Billy Paige con los que tuvo oportunidad de tocar en New York en 1923. Allí conoció a Fletcher Henderson, con quien tuvo ocasión de grabar a finales de ese año. Al año siguiente formaba parte de manera estable de la orquesta de Henderson, donde además de tocar, escribía los arreglos, aportando a la orquesta una base potentisima de swing que aprovechó sobre todo, Louis Armstrong, que por aquella época era el primer cornetista de la banda. Don Redman, estuvo con Fletcher Henderson, hasta 1927 que decidió trasladarse a Detroit para incorporarse como director musical de otra gran orquesta de jazz: "The McKinney's Cotton Pickers".

En los cuatro años que estuvo con los McKinney's Cotton Pickers, Don Redman, revolucionó su forma de tocar, impuso una acertada disciplina en sus secciones y estimuló su natural carácter solista. Aquella orquesta fue la primera banda en grabar el tema de Redman titulado: "Gee Baby, Aint' i Good To You". En 1931, Don Redman, formó su propia orquesta manteniéndola unida y activa durante nueve años tocando en varias salas de bailes, entre ellas la famosas: "Savoy Ballroom" y la "Connie's Inn". En ese extenso periodo de tiempo grabó muchísima música y por su orquesta pasaron los mejores solistas de la época, destacando: Bill Coleman, Quentin Jackson, Sidney de Paris o Henry Red Allen. Tampoco descuidó su faceta de arreglista y por encargo trabajó para Paul Whiteman, Bing Crosby o Ben Pollack.

En 1940, Don Redman, disuelve la orquesta y entró como arreglista en la banda de Bobby Byrne y un poco mas tarde en la de Jimmy Dorsey, en la que creó el celebre tema "Deep Purple". En 1943, aceptó un contrato de trabajo en el club "Zanzíbar" y escribió arreglos para la gran orquesta de Count Basie. En 1946, la bigband de Don Redman, fue la primera orquesta en viajar a Europa tras la finalización de la II Guerra Mundial. En 1949 fue director musical de una serie de programas musicales de la CBS y desde 1951 trabajo como director musical de la cantante, Pearl Bailey. sus ultimas apariciones, aparecen distanciadas en el tiempo entre 1951 y 1964 , fecha en la que fallece.

Don Redman está en la historia del jazz, como el primer gran arreglista de la era del swing y el valedor de la música que Louis Armstrong, creó, para gloria del jazz.

2007-07-06T12:53:00.001-07:00

SONNY RED

El saxofonista alto de inspiración bop, Sonny Red, estudió música primero en la Northern High School y después en la Community Music School en su ciudad natal de Detroit. Tocó en primer lugar en el C-Melody Saxy y en 1949 decidió pasarse al saxo contralto acompañando profesionalmente al maestro del piano, Barry Harris en cuya formación permaneció hasta 1952. En 1954 tocó el saxo tenor en el grupo de Frank Rosolino, pero a finales de año lo dejó pasando otra vez a tocar el saxo contralto con el grupo del baterista, Art Blakey.

En 1957 se trasladó a New York para tocar con Curtis Fuller con el que grabó un extraordinario álbum titulado: "New Trombone" para el sello Prestige. Trabajó en aquella epoca también con Paúl Quinichette con quien también tuvo la posibilidad d grabar el disco: "On the Sunny Side" y ya a principios de los años sesenta se unió al grupo de Donald Byrd con el que grabaría "Slop Drag" un álbum en la línea del freejazz y que contó con una composición del propio Sonny Red, el tema: "Jelly Roll". En 1966 se unió al grupo del trompetista, Kenny Dorham y durante sus últimos años grabó varios discos especialmente para los sellos Savoy y Blue Note. Desapareció de la escena a mediados de los setenta y falleció en 1982.

2007-07-06T12:52:00.002-07:00

FREDDIE REDD

El pianista y compositor, Freddie Redd estudió en la "Greenwich House" de New York y después de cumplir el servicio militar, entre 1946 y 1949, debutó profesionalmente con la banda del baterista, Johnny Mills. En los primeros años de la década de los cincuenta tuvo lugar su eclosión como músico profesional y en esa época tocó con los grupos de Cottie Williams, Oscar Petifford, Jivi Bombers, Joe Roland y los Jazz Messengers de Art Blakey.

En el verano de 1956 marchó de gira por Europa y en Suecia tuvo un enorme éxito con el grupo de Rolf Ericson, un músico local muy reputado. De vuelta a los Estados Unidos formó su propio grupo, un cuarteto, y también tuvo oportunidad de trabajar como compositor para la Ópera "The Connection", un acto en el que los propios músicos formaban parte de la acción. Estuvo en los años sesenta actuando de sideman con otros músicos en el área de San Francisco. Discípulo del maestro Bud Powell, Freddie Redd tenía una indudable calidad al piano, y dominaba a la perfección el instrumento. Sus grabaciones como líder fueron escasas y apenas llegó a la docena de títulos. Debutó en los estudios de Prestige con un magnifico álbum titulado: "Piano East West", (1952) pero quizás el disco mas representativo de éste discípulo de Powell, fuera el álbum "The Connection" grabado para la para Blue Note en 1960.

2007-07-06T12:52:00.001-07:00

HENRY RED ALLEN

Nacido y criado en New Orleáns, Henry "Red" Allen, aprendió a tocar la trompeta ayudado por su padre, que fue durante varias décadas líder de una orquesta de jazz. En 1927, se marchó de su ciudad natal para unirse en St. Louis, a los famosos "Dixie Syncopators" del celebre, King Oliver. En uno de sus viajes con la orquesta, llegó a New York para participar en su primera grabación con la orquesta del pianista, Clarence Williams.

Cuando regresa a New Orleáns, con una bien ganada fama de trompetista, el director de orquesta, Fate Marable, lo contrata para que toque en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. Su vida le cambió a partir de entonces. Conoce a Louis Armstrong, un músico que influiría decisivamente en su carrera musical; graba cuatro discos para el sello: "Víctor", con la orquesta de Luis Russell. A partir de entonces, Allen, se convirtió en uno de los trompetistas mas solicitados del momento y dirigió o tocó con numerosos grupos y músicos. Por aquel entonces, era incluso mas valorado que otros contemporáneos suyos.

A mediados de los años cincuenta, y ya en pleno apogeo del bebop, actuaba de manera regular en un local de New York llamado "Metropol" al lado de Coleman Hawkins y otros músicos importantes del jazz. Uno de los momentos memorables de su carrera, se produce en 1958, cuando él y su grupo de "All Stars" aparece en el programa televisivo de la BBC americana titulado "Sounds of Jazz". Allí comparte actuación con Billie Holiday, Lester Young, Count Basie y Coleman Hawkins entre otros grandes músicos.

A finales de 1966, Allen empezó a notar señales inequívocas de su larga enfermedad que acabaría con su vida la primavera del año siguiente. Su estilo, original y maduro, y su fraseo, rotundo y lleno de swing, fue recuperado a su muerte por otros músicos que aprendieron de Allen a tocar swing sin fisuras.

2007-07-06T12:51:00.002-07:00

SUSANA RAYA

La cantante y guitarrista, Susana Raya, nace en Córdoba en 1976. Obtiene grado medio de guitarra clásica y se perfecciona con Leo Brouwer, Robert Ransley y Kiko Aguado. Ha estudiado canto moderno en la Escuela de Música Creativa de Madrid con Quez y ha realizado master class con la cantante portuguesa Maria Joao. Se inició en la música como cantautora, con unas composiciones que le han llevado a ser finalista de la prestigiosa Muestra Nacional de Canción de Autor "Cantigas de Mayo" en la edición 2003. Lideró un grupo pop con el que llegó a editar un disco, Romper el hielo bajo el sello Onia Música. Colabora en "Dominio Público" del cantautor Miguel Herrador y "Sensazione" de Flow, del grupo: Acuarela.
En el terreno jazzístico, forma parte del proyecto cordobés, "Qu Jazz" con el que llegó a conseguir importantes premios en conciertos y festivales, entre ellos, el ser declarado mejor grupo español de jazz en la II Concurso Internacional de Interpretes de Jazz celebrado en Granada en 2003. Durante bastante tiempo mantiene un dúo a piano y voz junto a Angel Andrés con el que han participado en la Muestra Internacional de Jazz de Ibiza 2002 y diversos clubs como Altxerri en San Sebastián, Café España en Valladolid y "El Quiñón" donde estuvieron acompañados por Javier Colina y Guillermo Mcgill. Ha colaborado recientemente con la Orquesta de Córdoba en la obra La Dolce Vita del compositor Nino Rota en la que interpretaba el papel de guitarra eléctrica.

Sus trabajos le llevan de una a otra parte de Andalucía, y así es fácil verla actuar asiduamente en el club sevillano de Jazz: Jazz Corner junto al grupo liderado por el multiinstrumentista, José Antonio Maqueda.

2007-07-06T12:51:00.001-07:00

LOU RAWLS

Los inicios musicales del cantante Lou Rawls, fueron, como muchos otros cantantes en el coro de la iglesia negra y debutó profesionalmente con una gira con Sam Cooke, su amigo y mentor y figura destacadísima del soul. En sus inicios pasó por el gospel, el blues, y el jazz y mas adelante entró a formar parte de un grupo de gospel llamado "Pilgrim Travellers". Tras pasar dos años como paracaidista del Ejercito, en 1958 se trasladó a Hollywood donde ofreció varios conciertos en algunos clubes y también participó regularmente en el show de Dick Clark.

A principios de los años sesenta grabó para Blue Note el primer disco a su nombre, y uno de los pocos que tiene interés para el aficionado al jazz: "Stormy Monday" 1962, donde contó con la colaboración de Les McCann, y revelándose como un excelente interprete de blues. Lou Rawls, también participó como actor en algunas películas. Su giro hacia el R&B y el Soul en los sesenta; por el pop negro en los años setenta y ya en los años ochenta, por de la formula disco e incluso algunas incursiones por el rap, hicieron que los aficionados dejaran de prestarle atencion desde un punto de vista jazzistico.

2007-07-06T12:50:00.002-07:00

ENRICO RAVA

Enrico Rava, (Trieste, 1939), empezó a estudiar piano apoyado por su madre y en 1953, empezó a practicar por su cuenta con el trombón en Turín, donde entró muy pronto a formar parte de un grupo de jazz tradicional. En 1956, después de asistir a un concierto en directo de Miles Davis, decidió abandonar el trombón y pasar a la trompeta y solo un año después empezó a tocar jazz moderno y participar en distintas jam sessions, especialmente con el grupo del pianista, Maurizio Lama. Es en cuarteto cuando graba su primer disco para la serie "Jazz in Italy", del sello Cetra.

En 1962conocio a Gato Barbieri, el saxofonista argentino recién llegado Italia y con quien colaboró en varias ocasiones. Se trasladó a Roma para perfeccionar el estudio de la trompeta con Nino Culasso y en 1964 actuó en el club "Purgatorio" con el quinteto de Barbieri. Con la misma formación participó al año siguiente en la banda sonora de la película, "Una Bella Grinta" con música dirigida por Piero Umillani. En el Festival de Jazz de Bolonia de ese año, conoció a Don Cherry, quien le invita a grabar con él "Complete Comunnion" y también a Steve Lacy y Mal Waldron, con quienes grabó el álbum: "The Forest and theZoo". Realizo una gira por toda Italia y el saxofonista, Steve Lacy, le dio la oportunidad de entrar en su cuarteto, con quien estuvo hasta 1967, fecha en que se traslada a New York. Solo estuvo un año en la ciudad de los rascacielos y a su vuelta a Italia, ya con una formación mas acabada, intervendrá en el Primer "Laboratorio de música improvisada" celebrado en Europa en la localidad alemana de Bremen.

En 1971 decide saltar otra vez el charco y su estancia en los Estados Unidos, es mas provechosa que la vez anterior. Colaboró con la "Jazz Composers Orchestra Association" de Carla Bley y Miker Mantler, colaborando en el disco: "Escalator Over the Hilly". A partir de 1972, empezó por fin a trabajar con formaciones propias contando con John Abercrombie, Bruce Ditmas, y Jack DeJohnette, entre otros grandes músicos. Tocó con esas formaciones en el "Village Vanguard" y el "Village Gate" de New York; recorrió toda Norteamérica y también visitó y tocó en Argentina y Colombia (1976) y la revista Down Beat, le concedió un par de entrevistas. De vuelta a Europa a finales de 1976, Enrico Rava, salio de gira por Europa donde participa en numerosos seminarios, conciertos y festivales. En 1981, colaboró con la "Globe Unity Orchestra" de Alex von Schilippenbach, con la que llegó a visitar el Extremo Oriente en 1980.

En sus mas de treinta años de carrera, Enrico Rava, ha participado en más de setenta grabaciones, de las que más de una veintena están a su nombre. Músico riguroso e instrumentista refinado, este poeta de la trompeta es, además, un compositor sensible extraordinariamente melódico, adscrito a la estética del jazz pero capaz de sonar en los mas diversos contextos y de hacer entroncar con su personalísimo estilo las influencias musicales más diversas, desde la tradición belcantista italiana, al tango argentino, el rock o el funk. La mayor parte de sus discos han sido editados por ECM, entre ellos el maravilloso: "The Pilgrim and the Stars". Fue galardonado recientemente con el más importante premio de Jazz que se concede en Europa, el JazzPar Prize en su edición de 2002, otorgado por un jurado internacional de especialistas en reconocimiento a toda su carrera artística.

2007-07-06T12:50:00.001-07:00

JIMMY RANEY

Jimmy Raney empezó a estudiar guitarra con su madre, comenzando por la guitarra clásica en los primeros años escolares. Su paso a la guitarra de jazz se produjo a los trece años cuando un amigo músico le hizo conocer la música de Charlie Christian. En 1944 entró a formar parte de la orquesta de Jerry Wald en New York. Durante los tres meses que estuvo en esa orquesta pudo oír a los creadores del bebop desarrollar su estilo y ése nuevo sonido, fue decisivo para el impulso de su carrera.

Se trasladó a finales de 1944 a Chicago trabajando entre otros grupos con Max Miller y Lou Levy. En 1948, recomendado por Tiny Khan, entró a formar parte de la orquesta de Woody Herman donde permaneció hasta el año siguiente y dejando detrás una gran amistad con otros miembros de la banda, como Stan Getz y Serge Chaloff. En la Costa Oeste compartía casa con el también guitarrista, Tal Farlow y Teddy Charles y sus colaboraciones con el trío del pianista, Al Haig, o con el sexteto del clarinetista Buddy de Franco, le permitieron obtener una excelente reputación entre los músicos de jazz. Entre 1949 y 1950, tocó con los "Gramercy Five" del clarinetista blanco, Artie Shaw. Entre 1951 y 1953 estuvo en el quinteto de su viejo amigo Stan Getz y al finalizar 1953, entró en el trío del vibrafonista, Red Norvo con quien tuvo la oportunidad de realizar una larga gira por Europa entre enero y febrero de 1954. En ésa gira europea, tuvo la fortuna de coincidir en una grabación con la cantante Billie Holiday.

En 1953 grabó el primer disco a su nombre para el sello Prestige: "Jimmy Raney Plays" y en 1955, reapareció en la escena jazzistica de New York tocando en el club "Blue Angel" con el trío de Jimmy Lyons. En 1954 y 1955, la revista Down Beat en la votación de los críticos de jazz, le proclamó el mejor guitarrista de jazz del mundo. Tras un percance en un vuelo se llevó seis años recluido en la Gran Manzana al negarse a subir de nuevo al avión. Sus grabaciones discográficas se sucedieron al lado de los mejores músicos de la época, como Stan Getz, Bob Brookmeyer y el también guitarrista, Jim Hall. En 1959 se puso a estudiar en serio el violoncello y composición clásica con Hall Overton, y dedicó gran parte de su tiempo profesional al acompañamiento de cantantes como: Tony Bennett, Andy Williams o Anita O'Day. En 1964 se recluyó en su casa abandonando su carrera profesional hasta 1972 cuando de nuevo reapareció en New York. En esa nueva etapa, y tras la aparición en el escenario de su hijo Doug, compartió grabaciones con él y realizó alguna gira donde ambos, padre e hijo, eran los protagonistas.

Su vuelta a los estudios de grabación se produjo en el sello "Steeple Chase" junto a su hijo en dos discos grabados en 1979. De ahí hasta su muerte, ocurrida en 1995, extendió su maestría por los escenarios participando en numerosos festivales de jazz, conciertos y actuaciones en clubes y visitando asiduamente los estudios de grabación. Jimmy Raney fue uno de los grandes maestros de la guitarra de jazz, y su improvisación, llena de swing, era de una inventiva extraordinaria. Su modo de tratar la melodía, y el lirismo de su estilo fueron su mejor tarjeta de presentación durante toda su carrera.

2007-07-06T12:49:00.000-07:00

BOYD RAEBURN

El saxofonista bajo y director de orquesta, Boyd Raeburn, pasó su infancia en Platte, donde estudio música y aprendió teoría y saxofón. Mas tarde asistió a la Universidad de Chicago donde llegó a dirigir una banda del campus universitario a comienzos de los años treinta.

La música que tocaba en sus inicios no era jazz y a todo lo mas, su sonido se asemejaba a un swing muy comercial. En 1944 decidió cambiar drásticamente su anodina carrera y contrata al arreglista, Ed Finckel y entre ambos se encargaron de modificar y reelaborar los arreglos y por su nueva orquesta pasaron instrumentistas tan destacados como, Dizzy Gillespie, Sonny Berman y Al Cohn. Los sonidos que comenzó a producir la nueva banda de Raeburn eran de pronto los mas modernos de la época, superando incluso a los de la orquesta de Stan Kenton y Billy Eckstine. Esa posición dominante se fortaleció cuando Boyd Raeburn contrató al arreglista y compositor, George Handy, lo que le dio al grupo una imagen muy vanguardista para la época que se tradujo en temas como: "Boyd Meets Stravinsky", "Dalvator Sally" y "March of the Boyds".

En 1945, Boyd Raeburn, llevó su banda a California donde se le unieron otros excelentes músicos jóvenes, entre ellos, Dodo Marmarosa y Johnny Mandel, pero para equilibrar el sonido del grupo con el gusto del publico, decidió contratar a la cantante, Ginny Powell, con quien contraería posteriormente matrimonio. A partir de ese momento, la banda empezó a perder fuerza y Boyd Raeburn, volvió a los terrenos de la música comercial y solo un par de años después desapareció de la escena musical.

El merito histórico de Boyd Raeburn, estriba en su posición de catalizador y punto de referencia para descubrir nuevos talentos para la música. Jamás volvió a tocar ni a dirigir ningún grupo, ni siquiera cuando su esposa falleció en 1959. El lo haría en 1966.

2007-07-06T12:44:00.000-07:00

GERTRUDE "MA" RAINEY

La reconocida "Madre del Blues", Gertrude "Ma" Rainey, no pudo entrar en los estudios de grabación hasta 1923, pero ya a los catorce años actuaba en público. En 1904 se casó con el actor y bailarín, Will Pa Rainey, montando juntos un espectáculo de danza y canto bajo la denominación de "Rainey & Rainey: The Assassinators of the Blues". Con su marido trabajó incesantemente en espectáculos itinerantes con diversas denominaciones: "Rabbit Foot Minstrel" o el "Tolliver's Circus Ma Rainey" conquistando por donde actuaba un enorme prestigio como cantante de blues entre la población. En una de esas actuaciones, conoció a la gran Bessie Smith, que era diez años menor que ella.

A partir de 1909, un empresario blanco, Anselmo Barrasso, había organizado el circuito TOBA (Theater Owners Booking Association), una extensa red por todo el país de teatros, salas de fiestas, carpas de circo y lugares diversos destinadas a la diversión del publico de color dado que la segregación racial en América prohibía a los negros asistir a cualquier tipo de espectáculos juntos a la raza blanca. Precisamente la dureza de ese circuito para los artistas y las humillantes condiciones de trabajo y salario en la que se desenvolvían, hizo que el pueblo alterase sabiamente el significado de esas siglas racistas. Y así para el músico de color, TOBA, significaba (Tough On Black Asses) que traducido al castellano significaba "Duro con los culos negros".

Ya próxima a la cuarentena, y probablemente cuando ya no se encontraba en si mejor momento, Ma Rainey tuvo su primera oportunidad de entrar en un estudio de grabación en 1923, donde la cantante pudo durante cinco años (1923-1928) grabar mas de noventa blues, la mayoría propios, utilizando todo tipo de acompañamientos, generalmente bajo el nombre de "Georgia Jazz Band". En la sesión inaugural de 1923, grabada sin procedimientos eléctricos dada la actitud de la casa Paramount, que no los utilizo hasta bien entrado 1927, cantó con la pianista, Lovie Austin y sus Blues Serenaders, y con el cornetista, Tommy Ladnier, particularmente inspirado en "Southern Blues", típico del doble sentido sexual de muchas de sus composiciones. En 1924, graba el celebérrimo, "See See Rider" y "Jelly Bean Blues" dos de sus blues mas conseguidos con el pianista Fletcher Henderson y su orquesta, entre los que se encontraba, un joven cornetista, llamado Louis Armstrong.

Su ciclo de grabaciones conocidas, se cerraba a finales de 1928 con sus duetos con Papa Charlie Jackson y aunque siguió trabajando y cantando hasta 1935 en algunos pequeños clubes, teatros y salas de espectáculos en Georgia, falleció en 1939. Gertrudi Ma Rainey, era menos variada, tanto en expresión como en repertorio, que Bessie Smith, y en su canto está reflejado por la tonalidad pesada y trágica de su voz, la unidad entre el sonido, las palabras y su significado, el blues primitivo en toda su autenticidad y belleza.

2007-07-05T09:05:00.002-07:00

ABE RÁBADE

Pianista y compositor nacido en Santiago de Compostela el 8 de septiembre de 1977, Abe Rábade, se ha formado en el Conservatorio de Santiago de Compostela (1982-1986), Estudió en la Escola de Música (1986-1995) y en el prestigioso, Berklee College of Music (1995-1999) donde obtuvo una Licenciatura doble cum laude en Jazz Composition y Piano Performance. Ha estudiado con músicos como Suso Atanes, Dave Frank, Joanne Brackeen, Ray Santisi, Barry Harris, Paul Schmeling, Hal Crook, Greg Hopkins, Ken Pullig, Jamey Haddad.

Desde 1996 desarrolla el proyecto "Abe Rábade Trío" junto a Paco Charlín (contrabajo) y Ramón Ángel (batería con el que actúa en España, EE.UU., Cuba o Portugal. Desde el año 2000 lidera el grupo "GHU! Project" compuesto por su trío y Jesús Santandreu (saxos) y Chris Kase (trompeta).

2007-07-05T09:05:00.001-07:00

IKE QUEBEC

El saxofonista tenor, Ike Quebec (1918-1963), decidió dedicarse al mundo del espectáculo cuando siendo aún un adolescente, trabajó como bailarín. En el Harlem de los años treinta era fácil contactar con los músicos de jazz y decidido a ser músico estudio piano. En 1940 se unió a la banda "Barons opf Rhythm" con la que estuvo un par de años y fue en el seno de esa orquesta donde se decidió por adoptar el saxo tenor para siempre.

Tocó en el Minton's Playhouse, con los grandes del bebop hasta que comenzó a atrabajar de manera profesional con Frankie Newton, Ella Fitzgerald y Roy Eldridge. Con un sonido inspirado en el maestro del tenor, Leon "Chu" Berry, y discípulo confeso del gran Coleman Hawkins, Ike Quebec, se adaptó magníficamente a esa escuela. En 1944, actuó y grabó con Sammy Price y Hot Lips Page, antes de unirse a la orquesta de Cab Calloway, con quien de una u otra forma, estuvo hasta los cincuenta años. 1944 fue también el año en que entró por vez primera en el estudio de grabación de la Blue Note, pero no fue hasta 1959 cuando graba a su nombre el primer disco. El álbum se tituló: "From Hackensack to Englewood Cliffs" y fue el primero de los nueve que grabó con el sello de la etiqueta azul entre 1959 y 1998.

Su relación con la Blue Note, se amplió hasta convertirse en una especie de cazatalentos y a su labor en ese terreno le debemos que llevara a Dexter Gordon a grabar con ellos. Ike Quebec, era un músico directo y vigoroso y contrariamente a casi todos los seguidores de Coleman Hawkins, no era suave, sino mas bien cortante pero con una claridad de contornos muy agradable. Su potencia, su swing y especialmente su tratamiento en los blues, le conferían un sonido particularisimo que se truncó cuando en 1963 un cáncer de pulmón terminó con su vida.

2007-07-05T09:04:00.004-07:00

DON PULLEN

Nacido en una familia de músicos, el pianista, Don Pullen, empezó en 1954 a estudiar piano clásico. A principios de los años sesenta conoció al compositor, pianista y arreglista, Muhal Richard Abrams trabajando junto a él durante un buen tiempo. influenciado por Abrams, decidió trasladarse a New York para iniciar su carrera profesional entre los músicos mas importantes de la vanguardia jazzistica neoyorquina. En 1965 debutó discográficamente con un disco liderado por el flautista y saxofonista, Giuseppi Logan. Acompañó a la cantante Nina Simone entre 1970 y 1971, y en 1974 formó efímeramente parte de los Jazz Messengers del baterista, Art Blakey. Su carrera dio el espaldarazo definitivo cuando el genial contrabajista, Charles Mingus, lo incluyó en su grupo. En la formación de Mingus, Don Pullen tuvo la oportunidad de participar en la grabación de dos discos: " Moves at Carnegie Hall" y el espectacular " Changes One, Changes Two" para el sello Atlantic.

En 1975, tras abandonar la formación de Mingus, Pullen grabó tres álbumes en colaboración con Sam Rivers. Formó posteriormente su propio grupo, junto al saxofonista de Mingus, George Adams, del que salió el álbum mas importantes de su discografía como líder, el extraordinario: Breakthrough (1986 Blue Note). En los años ochenta dirigió junto a Beaver Harris, el grupo de jazz experimental "360 Degrees Music Experience"

2007-07-05T09:04:00.003-07:00

TITO PUENTE

Nacido en 1923 en Harlem, (New York, USA), Tito Puente, estudia el piano, el órgano, el vibráfono, la batería, los timbales y la conga y desde los trece años trabaja como un profesional en diversos grupos locales.
Después de haber pasado por la orquesta de Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial, lo lleva a la marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la "Julliar School" de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la cual se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York.

Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, "Ran Kan Kan", "Oye como va" y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y practicamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Cosby y en 1992, protagoniza el film, "El rey del Mambo". Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: "Oye cómo va" y "Para los rumberos" han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes "El número 100", "El Rey del Timbal", "Cuban Carnaval", "Puente in Percusión", "Dance Manía" y "Top Percusión", conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latín jazz.

Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 4 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, el "Tito Puente Scholarship Fundation", encargado de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó "50 Years of Swing", una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Rey Charles y Anita O’Day.

Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el "Rey del Timbal" un músico que con la sonrisa siempre en los labios se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada "Calle 54". Apenas unos meses después su sonrisa se truncó para siempre.

2007-07-05T09:04:00.001-07:00

LOUIS PRIMA

Hermano menor del también trompetista, Leon Prima, Louis empezó a tocar la trompeta muy joven y de forma autodidacta, en Texas cuando la orquesta de Pet Kelly estaba en aquella localidad y su hermano formaba parte de ella. En 1922 formó su primer grupo en el que también estaba Irving Fazola. Tras unos tres años de actividad, a finales de los años veinte reformó su grupo y logró actuar en el "Saenger Theatre" y en otros locales de New Orleáns. En 1934 se traslada a New York para actuar en la famosa Calle 52 y mas en concreto, en el club "Famous Door" uno de los siete clubes de jazz que en aquella epoca existían en la "Swing Street", como era conocida en los ambientes musicales de Harlem.

Por su grupo fueron pasando grandes solistas , entre los que cabe destacar, George Brunis, Sidney Arodin, Claude Thornill, George Van Eps, Pee Wee Russell, o Eddie Miller. Su éxito, debido no tanto a sus cualidades como trompetista, dado que en la mayoría de las ocasiones se limitaba a imitar los sonidos de la trompeta de Louis Armstrong, se fraguó por su capacidad de showman dentro de un escenario. Su característica voz ronca, y sus dotes de interpretación, agradaban al publico que noche tras noche, pasaban por los clubes en busca de diversión , por encima de la calidad de la música. Sus discos mas representativos, desde el punto de vista jazzistico, son los primeros de su carrera, grabados en su mayoría para el sello Capitol, y en especial el grabado en 1957 y titulado: "The Wildest". Dos años mas tarde grabaría en directo desde el club Tahoe, uno de sus discos en directo importantes, titulado: "The Wildest show at Tahoe"

A partir de mediados de los años cincuenta, formó pareja profesional con su mujer, Keely Smith, actuando en los mas elegantes night clubes de New York, Los Ángeles, Hollywood y Las Vegas. Louis Prima tuvo también la habilidad de ser el autor de algunos temas celebres, como "Robin Hood", "Angelina" y sobre todo el maravilloso "Sing, Sing, Sing", uno de los temas del swing mas electrizantes de la historia y que popularizó el clarinetista Benny Goodman en el celebre concierto de Enero de 1938 en el Carnegie Hall. Años después, "Sing, Sing, Sing" sería utilizado con profusión en numerosas películas del cineasta Woody Allen, como por ejemplo la espectacular "Asesinato en Manhattan".

2007-07-05T09:03:00.004-07:00

VÍCTOR PRIETO

Víctor Prieto nació en Orense en 1975. A la edad de 9 años influenciado por su madre Víctor empezó a tocar el acordeón. Continuo sus estudios en Acordeón Clásico en el Conservatorio de Orense, al mismo tiempo que empezaba con sus primeros estudios de jazz en la Escola Estudio en Santiago de Compostela. Dos años mas tarde la prestigiosa y reconocida escuela de Jazz: Berklee College of Music le otorga una beca para cursar estudios en Jazz Performance bajo la supervisión de la afamada pianista Joanne Brackeen. Víctor es el único acordeonista en especializarse en Jazz Performance en el Berklee College of Music. Durante su estancia en Berklee, Víctor se hace amigo de uno de sus mentores, Oscar Stagnaro, quien le presenta a músicos con los que tocaría en el futuro, entre ellos están: Paquito D’Rivera, Diego Urcola, Mark Walker, Dave Samuels, Raúl Jaurena, y Lionel Louke, entre otros.

Víctor se gradúa de Berklee y se traslada a New York donde se convierte en el Profesor de acordeón jazz en el prestigioso Brooklyn Conservatory; a renglón seguido Víctor imparte Master Clases en USA, España, Italia, y Portugal. Él tiene en su poder mas de veinte premios destacando el 1er Premio Citta de Castelfidardo (Italia), Artista Creativo dado por la Asociación Española de Interpretes y Ejecutantes, 1er premio en composición otorgado por la Revista argentina CMZK’s, 1er premio en el concurso de jazz acordeón de Ciudad Real (España), por nombrar algunos de ellos.

Acordeonista y compositor, Víctor Prieto está revolucionando la manera de tocar el acordeón, creando nuevos sonidos y técnicas para este instrumento. Su música abarca diferentes tendencias, que vienen del Jazz, Tango, Música clásica y raíces celtas enriquecidos con nuevos ritmos y colores. Él es el creador de una nueva técnica para el acordeón llamada "aproximación de acorde en ambas manos" la cual crea armonías no interpretadas anteriormente.

Víctor Prieto ha actuado en prestigiosos clubes, Festivales y Teatros tales como: Blue Note de New York; Berklee Perfromance Arts Center de Boston; Jazz at Lincoln Center de New York; New Jersey Performing Arts Center de New Jersey; Three Rivers Musical Festival de Columbia; en el Williamsburg Jazz Festival de New York; o en el prestigioso Mary D’Angelo Performing Arts Center de Erie (PA). Actualmente Víctor Prieto ha grabado su primer trabajo discográfico, un álbum titulado "Persistencia" editado por el sello "Foxhaven Records" y vive en New York liderando un trío a su nombre entre otras formaciones.

2007-07-05T09:03:00.003-07:00

CHANO POZO

Ejemplo de creador para las nuevas generaciones de percusionistas cubanos, Chano Pozo nació en La Habana el siete de enero de 1915, y desde pequeño vivió en carne propia el rigor de la discriminación racial en la Cuba anterior a la de Fidel Castro. Limpió zapatos y vendió periódicos, tocó música en muchos lugares y hasta bailó en la conocida comparsa habanera de "Los Dandy". Fue calificado por el etnólogo e investigador de la cultura afrocubana Don Fernando Ortiz como un revolucionario musical por su influjo directo, inmediato y eléctrico. Su pertenencia a la Sociedad Secreta Abakuá, explica el dominio perfecto que tuvo de los tambores propios del rito. En el libro ¡Caliente! del investigador belga, Luc Delannoy se señala que cuando Chano vivía en La Habana, tenía costumbre de tocar ritmos sagrados en sus congas, así como de cantar temas abakuás y yorubás.

Chano Pozo era hermano del famoso trompetista Félix Chapotín, admirador de Rita Montaner, e imán de las transmisiones públicas de la estación de Radio Cadena Azul. En la década de los cuarenta, Chano Pozo, cubano inyectó al jazz norteamericano de una nueva y vigorosa energía, gracias a la visión del músico Mario Bauzá. Trabajó junto a figuras de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, siendo con Dizzy cuando popularizó el conocido tema de "Manteca". La fulgurante carrera de Chano Pozo, en Estados Unidos comenzó en 1942, cuando abandonó la Orquesta de Machito, para unirse en Chicago al conjunto de los "Jack Cole Dancers". "Manteca" se dio a conocer en el mundo del jazz en 1947, durante la presentación de una bigband a nombre de Pozo y Gillespie. En aquel concierto intervinieron otras dos glorias del Jazz mundial, el pianista John Lewis, quien fundaría luego el Modern Jazz Quartet, y el baterista Kenny Clarke, uno de los padres del Bebop. En "Caliente", otra de las grandes composiciones de Chano Pozo, Delannoy recuerda que el estilo de Chano llevó gradualmente a Gillespie a correr cada vez más riesgos musicales, lo cual desembocó en una fusión perfecta: la de un genio de la armonía del Jazz con un genio de los ritmos afrocubanos.

En el mismo año de su llegada a New York, Chano Pozo, abrió un club latino en el Palladium que se llamó como una canción suya, "Blen Blem", tema que ha sido usado en varios textos literarios y musicales de Guillermo Cabrera Infante. Fue la opinión y la influencia de Mario Bauzá, la que inclinó a Dizzy Gillespie a contratar a Chano Pozo, con lo que se logró uno de los momentos estelares en la historia del jazz latino. Miguelito Valdés, en Nueva York, y Rita Montaner, en La Habana, le dieron impulso para que continuara en EE.UU. su carrera de compositor, tamborero, cantante y bailarín de rumba, pero repentinamente y en medio de un gran misterio se da a conocer el fallecimiento del percusionista.

Hay varias versiones de como ocurrió, pero lo seguro es que Chano Pozo no pudo actuar la noche del 3 de diciembre de 1948 junto a Mario Bauzá y Miguelito Valdés. Leonardo Padura llamó a Bauzá para comunicarle el asesinato de Chano Pozo en Lenox, entre las calles 111 y la 112. Sea como ocurriese, lo cierto es que Chano Pozo, a pesar de su juventud, está en la historia del jazz latino por meritos propios y de su estilo como percusionista, han bebido varias generaciones de músicos cubanos como, Angá, Tata Güines, o Patato Valdés.

2007-07-05T09:03:00.001-07:00

BUD POWELL

Del mismo modo que Thelonious Monk, acertó a iluminar la escena del jazz moderno a través de composiciones no sujetas a modelo concreto alguno, Bud Powell (1924-1966), dictó las claves fundamentales del nuevo lenguaje pianístico sin necesidad de asirse a referencias palpables. Todavía hoy en día, constituye la cumbre técnica insuperada del piano "bebop" y se le recuerda como el músico mas influyente de este movimiento, después de Charlie Parker, pero por delante de todos los demás, Dizzy Gillespie, incluido.

Su infancia estuvo saturada de música, su hermano mayor tocaba profesionalmente la trompeta y el violín y su abuelo, Zachary, fue el mejor guitarrista flamenco de Estados Unidos. Su padre, pianista adscrito al estilo "stride" apoyó su temprana vocación y le dio las primeras clases. Su progreso fue espectacular y en aquellas fechas, era frecuente verle interpretar junto a su amigo, Elmo Hope, composiciones de Bach y otros clásicos. No fue hasta 1939, cuando Powell, consiguió su primer contrato importante con los "Sunset Royals" de la cantante, Valaida Snnow, y en 1939 grabó su primer disco titulado "Reverse The Changers" para el sello "Duke" y bajo el liderazgo del saxofonista, Frank Sokolov.

No fue hasta 1944, cuando animado por Thelonious Monk, ingresó en la orquesta de Cootie Williams y grabó un solo muy breve sobre "Blue Garden Blues", primera muestra real de su colosal talento. Ese mismo año sufrió su primera detención por escándalo publico y al años siguiente recibió una brutal paliza de la policía de Philadelphia que presumiblemente lo dejó tocado para siempre. Sus trastornos psíquicos se reprodujeron y fue enviado a un Hospital Psiquiátrico de Long Island. En 1946, recuperado, se incorporó al pequeño combo del contrabajista, John Kirby y la casualidad hizo que esa pequeña formación fuera contratada en el Minton's Playhouse de Harlem, el "templo" del bebop donde Powell entró en contacto con la plana mayor de aquel movimiento, lo que le permitió participar entre 1946 y 1947 en un buen numero de jam sessions con Dexter Gordon, Jay Jay Johnson, Sonny Stitt, Kenny Clarke y Sarah Vaughan, entre otros.

Su debut como líder se produjo el 10 de enero de 1947 para el pequeño sello "Three Deuces", y en mayo de ese año, grabó el único registro en estudio para la Savoy con Charlie Parker. Un largo paréntesis de dos años, consumidos en su mayor parte internado en el "Creedmore Sanatorium", donde llegó incluso a recibir tratamiento de electrochoque, dio paso, paradójicamente, a su periodo mas fértil y artístico. A partir del 8 de agosto de 1949, bajo la supervisión de Alfred Lion y Francis Wolf, Bud Powell, dejó en las arcas del sello Blue Note, otra visión del pianismo moderno perfectamente compatible con la que apenas dos años antes había aportado, Thelonious Monk. Nuevamente ingresado durante diecisiete meses en en otro Hospital Psiquiátrico, cuando en febrero de 1953, recibió el alta, formo un trío estable con el contrabajista, George Duvidier y el batería, Art Taylor.

El 15 de mayo de 1953, se produce un hecho histórico en la vida profesional de Bud Powell. Junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y Max Roach, participó en un multitudinario concierto celebrado en el Massey Hall de Toronto en Canadá, considerado el canto del cisne del bebop y quizás el mejor concierto de jazz de todos los tiempos. A partir de entonces, Powell, comenzó a entrar en una fase de profundo deterioro mental casi irreversible, pero en 1956 realizó un gira por Europa junto a Miles Davis, Lester Young y el Modern Jazz Quartet de Milt Jackson. Repitió visita al viejo continente en 1959, pero esta vez se quedó cinco años. Le acompañó Altevia Edwards, mas conocida como "Buttercup" y eligió Paris como lugar de residencia.

Recibido con los honores de un grande del jazz, formó un trío regular conocido como los "Three Bosses" con el contrabajista, Pierre Michelot y el baterista, Kenny Clarke, que fueron la principal atracción del club parisino, "Blue Note". Fue un periodo de su vida importante gracias al cuidado que le proporcionó, Francis Paudras, un extraordinario aficionado al jazz y posterior autor de la biografía de Powell "The Dance Of The Infidels". Pero aquejado de tuberculosis aguda, incapaz de dejar la bebida, y nostálgico de New York, Bud Powell, regresó a los Estados Unidos. Su reaparición en el mítico "Birdland" provocaron uno de los momentos dulces de su carrera. Siete minutos de ininterrumpido aplauso demostraron que sus incondicionales no le habían olvidado, pero aquélla reaparición fue un cruel espejismo. Sus dos últimos años los pasó en un apartamento de Brooklyn acompañado por su hija Celia.

Ya casia al final de su vida, participó en 1965 en sendos conciertos celebrados en el Town Hall y en el Carnegie Hall, este ultimo en homenaje al décimo aniversario del fallecimiento de Charlie Parker, pero el 31 de julio de 1966 falleció en el "Kings County Hospital" de Brooklyn. Más de cinco mil personas se echaron a la calle espontáneamente para homenajearle y en su entierro, Barry Harris y Lee Morgan, tocaron en su honor. Como decía Francis Paudras: ".... Bud Powell tenía dos personalidades. Una le impulsaba a luchar y superar sus problemas, para tocar y crear música. La otra le arrastraba a la autodestrucción, a la falta absoluta de respeto hacia si mismo y esta ultima ganaría la partida".

En 1986, el Director de cine francés, Bertrand Tavernier, produjo una extraordinaria película que recoge con absoluta pulcritud y fidelidad la etapa parisina de Bud Powell. Su película: "Round Midnight", interpretada en su papel estelar por el saxofonista, Dexter Gordon, es una de las grandes películas relacionada con el jazz.

2007-07-05T09:02:00.003-07:00

JEAN-LUC PONTY

Hijo de profesores de música, el violinista, Jean-Luc Ponty, empezó a estudiar seriamente violín, piano y armonía a los cinco años, y a los diecisiete entró en el conservatorio Superior de música de Paris, del que salió en 1960 con su primer premio de violín. Empezó entonces a tocar en las orquestas sinfónicas como la de la "Conciertos Lamourex" entre 1960 y 1962. Su interés por el jazz le vino como consecuencia de su amistad con el violinista, Stephane Grapelli y en diciembre de 1961 entró formar parte del primer grupo de jazz cuando ingresó en la orquesta de Jef Gilson, con la que estuvo regularmente hasta 1964. Ese mismo año consiguió un importante éxito en el festival de Jazz de Antibes, lo que de alguna forma marcó su futuro profesional en los ámbitos del jazz.

En 1966 la revista Down Beat lo situó a la cabeza de los solistas con instrumentos poco habituales en el jazz. Toco en el Blue Note de Paris, en el club Camaleón con el organista Eddy Louiss y el baterista, Daniel Humair. Tras una breve estancia en los Estados Unidos, tocó con George Duke, y con el famoso grupo del guitarrista Frank Zappa: "Mothers of Invention", y mas adelante con la Mahavishnu Orchestra liderada por el guitarrista, John McLaughin. Pese a su afición por la música pop, Ponty fue siempre fiel al jazz, encontrando en la música de John Coltrane su particular influencia. Aparte de su extensa carrera en solitario, también ha colaborado con gente como John McLaughlin o Chick Corea.

Desde 1975, Jean-Luc Ponty, está al frente de su propio grupo, y posee un virtuosismo que le permite colocar semicorcheas sobre tempos muy elevados, un fraseo rebosante de golpes de arcos enormemente ágiles y una capacidad de inventiva y de renovación melódica que le identifican rápidamente. Al violín eléctrico, se revela como un experto en la mezcla de sonoridades que utiliza la tecnología con parsimonia y ha descubierto sonoridades con su instrumento que resisten bien la prueba del tiempo. Este violinista, teclista y compositor francés, se alejó bastante pronto de la gran tradición violinista del jazz francés para confirmarse, en Estados Unidos, como uno de los guías del movimiento jazz-rock.

2007-07-05T09:02:00.001-07:00

VALERY PONOMAREV

Aparecido musicalmente en el mundo occidental a mediados de los años setenta, el trompetista, Valery Ponomarev, se ha convertido con el paso del tiempo en el mejor instrumentista de jazz ruso de todos los tiempos. Su aprendizaje autodidacta en su ciudad natal, Kiev, le sirvió para en la primera ocasión que tuvo, trasladarse a Europa y visitar Italia en donde tocó durante un par de meses con los trompetistas, Romano Mussolini y Flavio Ambrosetti.

Con la experiencia europea a sus espaldas y con la confianza precisa en sus posibilidades, Ponomarev da el salto y viaja a New York donde entre lo singular del caso, (un ciudadano de la Unión Soviética tocando jazz) y por supuesto por sus cualidades artísticas, encuentra fácilmente trabajo en el grupo de Art Blakey, "The Jazz Messengers". La presencia de Ponomarev en los Messengers duró cuatro excelentes años y participó en ése tiempo en varias giras que el celebre grupo ofreció en varios países europeos. Sus grabaciones han sido registradas en varios sellos de segunda fila, entre ellos "Timeless", "Vedette" y también en alguno mas conocido como Philips, Reservoir Record y Roulette.

En 1988 graba el álbum: Trip To Moscow para Reservoir con Ralph Moore, y Larry Willis al piano; Dennis Irwin al bajo; y Victor Jones en la batería. Mas adelante en diciembre de 1991 participa en el Clifford Brown Memorial Concert, en la localidad de Wilmington, Delaware, actuando junto a músicos legendarios del jazz como el quinteto de Max Roach y Clifford Brown que contaba en sus filas con el saxo tenor, Harold Land; el bajista George Morrow y el pianista Sam Dockery. También en 1991, y en pleno periodo de madurez, graba Profile para Reservoir Record con Victor Jones a la batería; Essiet Essiet al bajo; Kenny Barron en el piano y Joe Henderson en el saxo tenor. En 1993 graba en directo desde el famoso club, Sweet Basil's de New York, el álbum Live At Sweet Basil's. En 1995 formó su propio grupo al que llamó "Universal Languaje" actuando en multitud de conciertos, festivales y eventos en todo el mundo. Destacan su participación en el club de Jazz Vartan de Denver del que salió el álbum: Live At Vartan Jazz grabado en febrero de 1995 con un quinteto formado por Valery Ponomarev a la trompeta; Francesco Bearsetti al saxo tenor; Sid Simmons, al piano; Kenny Walker, en el bajo y Ben Riley, a la batería.

2007-07-05T09:01:00.002-07:00

PONY POINDEXTER

El saxofonista Pony Poindexter, estudió clarinete en la escuela primaria de su ciudad natal, perfeccionándolo después en un Conservatorio de California. En 1940 obtuvo su primer contrato profesional con Sidney Desvignes. Entre 1946 y1947 realizóo una gira con la orquesta de Billy Eckstine a la que mas tarde, en los años cincuenta, volvería a enrolarse. En 1950 se trasladó a San Francisco para firmar un contrato con el cuarteto de Vernon Alley, pero al año siguiente tuvo la oportunidad de firmar con la orquesta de Lionel Hampton con quien tuvo la oportunidad de grabar varios discos. Tras dejar a Hampton regresó a San Francisco donde en 1953 formó su propio grupo actuando en el club "Bop City" donde por aquella epoca también tocaba Charlie Parker.

Permaneció en la Costa Oeste de los Estados Unidos hasta 1959 alternando sesiones de grabaciones con actuaciones en clubes y festivales. Es destacable su trabajo en el "Jazz Cellar" de San Francisco donde consiguió reunir de forma estable un cuarteto con el que tocó hasta bien entrado los años sesenta. En 1961 fue llamado para tocar con el grupo vocal de Lambert-Hendricks y Annie Ross y con ellos estuvo dos años en plena forma. En 1964 cruzó por primera vez el Atlántico y realizó una gira por Europa donde participó en numerosos eventos y festivales en 1964, destacando los de Berlín y Bolonia. La acogida que tuvo en el viejo continente le ganó para siempre y prácticamente la recorrió entera, incluida España. En 1970 echó raíces en Alemania donde tuvo la oportunidad d grabar varios discos para el sello MPS.

Aunque su discografía no es muy extensa, es destacable el primer disco que grabó a su nombre para el sello Epic en 1962 titulado: "Pony's Express"; o el grabado en directo en Barcelona en junio de 1972. Ya antes había grabado un extraordinario disco en directo en 1967 en el marco del Festival Saba de Berlín con la cantante Annie Ross. Pony Poindexter fue un músico muy preparado, de gran formación y dominaba los saxos a la perfección.

2007-07-05T09:01:00.001-07:00

KING PLEASURE

La vida y trayectoria de Clarence Beeks,(1922-1982), verdadero nombre de King Pleasure , esta repleta de periodos oscuros. Pleasure, abrió un camino nuevo en el canto jazzistico cuando en febrero de 1952, interpretó, cantó y grabó el tema "Moody's Mood For Love", una canción popularizada un poco antes por Eddie Jefferson, un ex-bailarin de claqué que tuvo la brillante idea de poner letra a la bella improvisación que el saxofonista, James Moody, había realizado de la balada "I'm In The Mood For Love" en 1949. Nació así una nueva modalidad del jazz cantado: el "Vocalese".

A ese éxito inicial de King Pleasure, le siguieron otros para Prestige, también en 1952 con la cantante, Betty Carter y al año siguiente, con la colaboración vocal de Dave Lambert, cantó y grabó "Sometimes I'm Happy" y "This Is Always", basadas respectivamente en las versiones instrumentales de Lester Young y Charlie Parker. Inmediatamente después vino, "Parker's Mood" una versión cantada del extraordinario tema de "Bird", cuya letra irritaba sobremanera al saxofonista de Kansas City. En la cima de la popularidad, King Pleasure, se retira misteriosamente durante dos años sin que nadie sepa nada de el. Reaparece de la misma inesperada forma en el otoño de 1956 grabando varios discos sencillos para las casas Aladdin y Jubilee.

Después de grabar otros tres discos mas en un periodo de diez años (1952-1962), desaparece de la escena definitivamente, entregado por completo a su pasión fuera de la música: La astronomía. Jamás actuó en ningún club de jazz, nunca supo capitalizar el éxito de sus discos y se retiró a su residencia de California, donde siempre rechazó cualquier contacto con la critica, la prensa y la publicidad. King Pleasure, dejó su influencia en cantantes postreros que siguieron el camino que el inició. De manera directa o indirecta, Jon Hendricks, Annie Ross, Bob Dorough, Mark Murphy, AL Jarreau, Lou Lanza o el grupo The Manhattan Transfer, han bebido de sus fuentes musicales.

2007-06-28T10:13:00.004-07:00

LONNIE PLAXICO

Lonnie Plaxico nace y crece en el seno de una familia musical y pronto demostró su talento innato para la música. Influenciado por el enorme empuje que tenía en Chicago la tradición jazzistica, Lonnie pronto comenzó a frecuentar locales de música en su ciudad natal y se empapaba de todas las corrientes que convivían en Chicago en los años setenta y ochenta. A los 14 años decide profesionalizarse como músico de jazz adoptando el bajo eléctrico como el instrumento que quería tocar. Comienza entonces un duro aprendizaje escuchando incesantemente a los viejos maestros del contrabajo jazzistico como: Paul Chambers, Ray Brown o Charles Mingus. En 1980 y ya con una sólida formación musical, se traslada a New York donde conecta con los círculos de Wynton Marsalis y Art Blakey.

Es este último quien le ofrece la posibilidad de integrarse en sus celebres "Jazz Messengers" donde permanece entre 1983 y 1986 participando en la grabación de una docena de discos con la formación de Blakey, quien siempre tuvo en alta estima el trabajo de Plaxico. Fundó junto con otros músicos de vanguardia la asociación M-Basie y ello le da la oportunidad de colaborar con otros grandes instrumentistas de aquella epoca como: Branford Marsalis, John Hicks, Woody Shaw, Clark Terry, Don Byron, Slide Hampton, Hank Jones e Cecil Brooks III. En 1987 su carrera da un salto cualitativo muy importante cuando conoce a la cantante Cassandra Wilson y llega a un acuerdo para ser su director musical, comenzando una estrechísima colaboración que serviría para engrandecer mas la carrera profesional de ambos. En 1996 consiguen ambos un Grammy con el disco: "New Moon Daughter".

Otros músicos acuden a a él para que colaboren en sus discos y arreglos; así conoció a Abbey Lincoln, Steve Coleman, Rachelle Farrell e Diana Reeves. Su carrera como líder en solitario comenzó en 1989 cuando firma con el sello Muse un contrato discográfico y cuyo resultado son cuatro álbumes grabados de manera consecutiva entre 1989 y 1993. En el 2000 graba un directo: "Emergence" para el sello "Savant" y al año siguiente graba su primer disco para el sello Blue Note al que tituló: Mélange y en el que toca solo composiciones propias y repasa variadas influencias y estilos, desde el gospel a la música latina. Lonnie Plaxico tiene por delante un futuro extraordinario como músico de jazz aunque su ultimo disco: "Live jazz Standars" no ha tenido demasiado aprecio en la critica.

2007-06-28T10:13:00.003-07:00

JOHN PIZZARELLI

Nacido en 1960, el cantante y guitarrista, John Pizzarelli siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt. Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims. En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzço a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook. Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano. Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall. Pizzarelli ha grabado un ciclo de torch ballads "After Hours", swing standards: "Our Love is Here to Stay", y un álbum navideño titulado: "Let's Share Christmas". Como director ha grabado para los sellos discográficos Chesky, Stash y Novus y en 1997 apareció en la producción de Broadway con canciones de Johnny Mercer titulada "Dream". Uno de sus proyectos para RCA fue "John Pizzarelli Meets the Beatles" (1999), en el que versiona de manera digna algunas de las mejores canciones del mítico cuarteto de Liverpool.

La voz de John Pizzarelli se ha desarrollado paulatinamente en una muestra de encanto y humor. Su grupo habitual es capaz de tocar temas de swing en tempo bastante rápido. Pizzarelli resurgió en el 2000 con dos álbumes "Kisses in the Rain" y "Let There Be Love". Desde entonces toca esporádicamente en dúo con su padre.

2007-06-28T10:13:00.001-07:00

BUCKY PIZZARELLI

El guitarrista, Bucky Pizzarelli, empezó a estudiar guitarra con dos tíos suyos, ambos guitarristas profesionales, al tiempo que acudía la escuela local de Paterson, la ciudad donde nació. En 1941 obtuvo su primer contrato profesional en una orquesta de baile y a los diecisiete años entró en la formación de Vaughan Monroe, con la que realizó una gira por tres meses. Tras el paréntesis forzado por su incorporación a filas, en 1946, ya licenciado, volvió al lado de Monroe con quien estuvo otros cinco años.

En 1952 regresó a New Jersey y tocó en un trío liderado por Joe Mooney, y a continuación, tras disolverse el mismo por falta de éxito, aceptó un trabajo fijo en un espectáculo televisivo de la NBC, para poder subsistir. Alternó no obstante su trabajo en la Televisión con alguno esporádicos trabajos en clubes de la ciudad y formando parte de algunas orquestas de medio calado, entre ellas, la mas importante fue la de Les Elgart. De 1955 a 1957, tocó con con "The Three Sins", realizando varias giras y teniendo ocasión de coincidir con muchos jazzmen, como el guitarrista, George Barnes, con el que lograría una relación musical y personal magnifica consiguiendo ambos una gran compenetración. En 1967, y tras un periodo muy disperso desde el punto de vista de sus actuaciones, tuvo ocasión de escuchar en un club de New York, a George Van Eps, ocupado con la guitarra de siete cuerdas y, sorprendido por las mayores posibilidades expresivas del instrumento, decidió dedicarse a partir de entonces al mismo.

En 1970, Bucky entró formar parte de la orquesta de Benny Goodman, con el que permanecería cuatro años recorriendo incesantemente Estados Unidos y Europa. Con Goodman llegó a grabar dos álbumes en Estocolmo en una de esas giras. Bucky Pizzarelli, logró en los años setenta su mayor esplendor profesional cuando volvió a formar parte del legendario dúo con George Barnes, y trabajando también con Zoots Sims, Stephane Grappelli y otros maestros del jazz. Al final de su carrera grabó ocasionalmente con su hijo John, otro guitarrista de la saga Pizzarelli. Bucky Pizzarelli, siempre fue un guitarrista de enorme valor técnico y expresivo.

2007-06-28T10:12:00.003-07:00

COURTNEY PINE

El saxofonista (tenor, soprano y barítono), Courtney Piney (Londres, 1964), fue una de las revelaciones musicales del final de la década de los ochenta. En el panorama británica del accid jazz, la figura de Courtney Pine, apareció como uno de los jóvenes músicos, que a imagen y semejanza de otros ya algo mas consolidados -Branford Marsalis, por ejemplo-, demostraba no solo un exhaustivo conocimiento de la trascendencia y la historia de su instrumento, sino también una enorme facilidad para moverse arriba y abajo por todos los estilos del jazz, desde el reggae al frejazz.

Al frente en los años ochenta, junto a John Stevens, de la orquesta británica de los "Jazz Warriors" o del cuarteto de saxofones, "World's First Saxophone Posse" y también como líder de sus propias formaciones -debutó discográficamente como líder en 1986, con el álbum: "Journey of the Urge Within" grabado para el sello "Mango"-, Courtney Pine, ha desarrollado ya, y pese a su juventud, una notable sonoridad y una personalísima discografía en la que se encuentran los ecos de las múltiples influencias de las que se nutre el, y sus músicos acompañantes, entre ellos, el propio Brandford Marsalis, Kenny Kirdland, o Ginger Baker. Su último disco a su nombre, "Another Story" fue grabado para el sello "Talkin' Louud" en 1998

2007-06-28T10:12:00.001-07:00

DAVE PIKE

El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.

Su discografía como líder, no es demasiada extensa y comienza en 1961 cuando graba para el sello "Portrait" el disco "Pike's Peak", aunque su disco mas celebrado, es el grabado en 1986 para "Criss Cross" titulado "Pike's Groove"