LONNIE PLAXICO


Lonnie Plaxico nace y crece en el seno de una familia musical y pronto demostró su talento innato para la música. Influenciado por el enorme empuje que tenía en Chicago la tradición jazzistica, Lonnie pronto comenzó a frecuentar locales de música en su ciudad natal y se empapaba de todas las corrientes que convivían en Chicago en los años setenta y ochenta. A los 14 años decide profesionalizarse como músico de jazz adoptando el bajo eléctrico como el instrumento que quería tocar. Comienza entonces un duro aprendizaje escuchando incesantemente a los viejos maestros del contrabajo jazzistico como: Paul Chambers, Ray Brown o Charles Mingus. En 1980 y ya con una sólida formación musical, se traslada a New York donde conecta con los círculos de Wynton Marsalis y Art Blakey.

Es este último quien le ofrece la posibilidad de integrarse en sus celebres "Jazz Messengers" donde permanece entre 1983 y 1986 participando en la grabación de una docena de discos con la formación de Blakey, quien siempre tuvo en alta estima el trabajo de Plaxico. Fundó junto con otros músicos de vanguardia la asociación M-Basie y ello le da la oportunidad de colaborar con otros grandes instrumentistas de aquella epoca como: Branford Marsalis, John Hicks, Woody Shaw, Clark Terry, Don Byron, Slide Hampton, Hank Jones e Cecil Brooks III. En 1987 su carrera da un salto cualitativo muy importante cuando conoce a la cantante Cassandra Wilson y llega a un acuerdo para ser su director musical, comenzando una estrechísima colaboración que serviría para engrandecer mas la carrera profesional de ambos. En 1996 consiguen ambos un Grammy con el disco: "New Moon Daughter".

Otros músicos acuden a a él para que colaboren en sus discos y arreglos; así conoció a Abbey Lincoln, Steve Coleman, Rachelle Farrell e Diana Reeves. Su carrera como líder en solitario comenzó en 1989 cuando firma con el sello Muse un contrato discográfico y cuyo resultado son cuatro álbumes grabados de manera consecutiva entre 1989 y 1993. En el 2000 graba un directo: "Emergence" para el sello "Savant" y al año siguiente graba su primer disco para el sello Blue Note al que tituló: Mélange y en el que toca solo composiciones propias y repasa variadas influencias y estilos, desde el gospel a la música latina. Lonnie Plaxico tiene por delante un futuro extraordinario como músico de jazz aunque su ultimo disco: "Live jazz Standars" no ha tenido demasiado aprecio en la critica.

JOHN PIZZARELLI


Nacido en 1960, el cantante y guitarrista, John Pizzarelli siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt. Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims. En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzço a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook. Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano. Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall. Pizzarelli ha grabado un ciclo de torch ballads "After Hours", swing standards: "Our Love is Here to Stay", y un álbum navideño titulado: "Let's Share Christmas". Como director ha grabado para los sellos discográficos Chesky, Stash y Novus y en 1997 apareció en la producción de Broadway con canciones de Johnny Mercer titulada "Dream". Uno de sus proyectos para RCA fue "John Pizzarelli Meets the Beatles" (1999), en el que versiona de manera digna algunas de las mejores canciones del mítico cuarteto de Liverpool.

La voz de John Pizzarelli se ha desarrollado paulatinamente en una muestra de encanto y humor. Su grupo habitual es capaz de tocar temas de swing en tempo bastante rápido. Pizzarelli resurgió en el 2000 con dos álbumes "Kisses in the Rain" y "Let There Be Love". Desde entonces toca esporádicamente en dúo con su padre.

BUCKY PIZZARELLI


El guitarrista, Bucky Pizzarelli, empezó a estudiar guitarra con dos tíos suyos, ambos guitarristas profesionales, al tiempo que acudía la escuela local de Paterson, la ciudad donde nació. En 1941 obtuvo su primer contrato profesional en una orquesta de baile y a los diecisiete años entró en la formación de Vaughan Monroe, con la que realizó una gira por tres meses. Tras el paréntesis forzado por su incorporación a filas, en 1946, ya licenciado, volvió al lado de Monroe con quien estuvo otros cinco años.

En 1952 regresó a New Jersey y tocó en un trío liderado por Joe Mooney, y a continuación, tras disolverse el mismo por falta de éxito, aceptó un trabajo fijo en un espectáculo televisivo de la NBC, para poder subsistir. Alternó no obstante su trabajo en la Televisión con alguno esporádicos trabajos en clubes de la ciudad y formando parte de algunas orquestas de medio calado, entre ellas, la mas importante fue la de Les Elgart. De 1955 a 1957, tocó con con "The Three Sins", realizando varias giras y teniendo ocasión de coincidir con muchos jazzmen, como el guitarrista, George Barnes, con el que lograría una relación musical y personal magnifica consiguiendo ambos una gran compenetración. En 1967, y tras un periodo muy disperso desde el punto de vista de sus actuaciones, tuvo ocasión de escuchar en un club de New York, a George Van Eps, ocupado con la guitarra de siete cuerdas y, sorprendido por las mayores posibilidades expresivas del instrumento, decidió dedicarse a partir de entonces al mismo.

En 1970, Bucky entró formar parte de la orquesta de Benny Goodman, con el que permanecería cuatro años recorriendo incesantemente Estados Unidos y Europa. Con Goodman llegó a grabar dos álbumes en Estocolmo en una de esas giras. Bucky Pizzarelli, logró en los años setenta su mayor esplendor profesional cuando volvió a formar parte del legendario dúo con George Barnes, y trabajando también con Zoots Sims, Stephane Grappelli y otros maestros del jazz. Al final de su carrera grabó ocasionalmente con su hijo John, otro guitarrista de la saga Pizzarelli. Bucky Pizzarelli, siempre fue un guitarrista de enorme valor técnico y expresivo.

COURTNEY PINE

El saxofonista (tenor, soprano y barítono), Courtney Piney (Londres, 1964), fue una de las revelaciones musicales del final de la década de los ochenta. En el panorama británica del accid jazz, la figura de Courtney Pine, apareció como uno de los jóvenes músicos, que a imagen y semejanza de otros ya algo mas consolidados -Branford Marsalis, por ejemplo-, demostraba no solo un exhaustivo conocimiento de la trascendencia y la historia de su instrumento, sino también una enorme facilidad para moverse arriba y abajo por todos los estilos del jazz, desde el reggae al frejazz.

Al frente en los años ochenta, junto a John Stevens, de la orquesta británica de los "Jazz Warriors" o del cuarteto de saxofones, "World's First Saxophone Posse" y también como líder de sus propias formaciones -debutó discográficamente como líder en 1986, con el álbum: "Journey of the Urge Within" grabado para el sello "Mango"-, Courtney Pine, ha desarrollado ya, y pese a su juventud, una notable sonoridad y una personalísima discografía en la que se encuentran los ecos de las múltiples influencias de las que se nutre el, y sus músicos acompañantes, entre ellos, el propio Brandford Marsalis, Kenny Kirdland, o Ginger Baker. Su último disco a su nombre, "Another Story" fue grabado para el sello "Talkin' Louud" en 1998

DAVE PIKE

El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.

Su discografía como líder, no es demasiada extensa y comienza en 1961 cuando graba para el sello "Portrait" el disco "Pike's Peak", aunque su disco mas celebrado, es el grabado en 1986 para "Criss Cross" titulado "Pike's Groove"

ASTOR PIAZZOLLA


Astor Piazzolla nació en 1921 en Mar del Plata y en 1924 pasó a vivir con sus padres en Nueva York, donde en 1929 sobrevino su encuentro con el bandoneón. En 1932 compuso su primer tango, "La catinga", nunca difundido, e intervino como actor infantil en "El día que me quieras", film cuya estrella era Carlos Gardel. En 1938 llegó a Buenos Aires, donde, luego de pasar brevemente por varias orquestas, fue incorporado a la de Aníbal Troilo, que se había constituido en 1937 y jugó un papel trascendental en el apogeo del tango en los dos decenios siguientes. Además de bandoneón de fila, Astor fue allí arreglador y ocasional pianista.

El ímpetu renovador de Astor comenzó a desplegarse en 1944, cuando abandonó a Troilo para dirigir la orquesta que debía acompañar al cantante Francisco Fiorentino. Tras aquella experiencia inaugural, Astor lanzó su propia orquesta en 1946, todavía ajustada a los cánones tradicionales del género. Como tal se instaló desde su inicio entre las agrupaciones más avanzadas. Hasta 1948 grabó un total de 30 temas, entre ellos versiones antológicas de tangos como "Taconeando", "Inspiración", "Tierra querida", "La rayuela" o "El recodo". En los primeros años de la década de los cincuenta, Piazzolla dudó entre el bandoneón y el piano, y pensó volcarse a la música clásica, en la que ya venía incursionando como compositor. Con esas ideas se trasladó en 1954 a Francia, becado por el Conservatorio de París, pero la musicóloga Nadia Boulanger lo persuadió de desarrollar su arte a partir de lo que le era más propio: el tango y el bandoneón. Allí graba en 1955, con las cuerdas de la Orquesta de la Opera de París, Martial Solal al piano y él mismo en bandoneón, 16 temas, todos suyos salvo dos. Aquello fue un nuevo torrente de asombrosa creatividad, con tangos como "Nonino" (antecedente del célebre "Adiós Nonino", emocionada despedida a la muerte de su padre), "Marrón y azul", "Chau, París", "Bandó", "Picasso" y otros.

La otra gran empresa de Piazzolla en esa época fue la creación del Octeto Buenos Aires, en el que reunió a ejecutantes de gran nivel. Hay quienes juzgan a ese Octeto como el cenit artístico de toda su carrera. En 1958 Piazzolla se estableció en Nueva York, donde vivió circunstancias muy difíciles. De aquella infeliz etapa quedó su experimento de jazz-tango, que él mismo juzgó con dureza -excesiva tal vez- por la concesión comercial que supuso. Pero al retornar a Buenos Aires en 1960 creó otro de los conjuntos fundamentales de su trayectoria: el Quinteto Nuevo Tango (bandoneón, piano, violín, guitarra eléctrica y contrabajo), que causó furor en ciertas franjas de público, entre ellas el universitario. En 1963 retornó a un fugaz Nuevo Octeto, que no alcanzó el óptimo nivel del anterior pero le permitió incorporar nuevos timbres (flauta, percusión, voz).

Entre las diversas realizaciones de esos años intensos, sobresalen dos acontecimientos de 1965. Uno es el concierto que con el Quinteto ofrece en el Philarmonic Hall of New York, dando a conocer la Serie del Diablo y la completada Serie del Ángel. A su vez, graba en Buenos Aires una serie de excepcionales composiciones suyas sobre poemas y textos de Jorge Luis Borges (con su mitología de cuchilleros de arrabal). Ese mismo año dio a conocer "Verano porteño", primero de los valiosísimos tangos que conformarán las Cuatro Estaciones.

Comienza luego su producción con el poeta Horacio Ferrer, con quien creó la operita "María de Buenos Aires" (que comprende el admirable "Fuga y misterio") y una sucesión de tangos. En 1969 lanzaron "Balada para un loco" y "Chiquilín de Bachín", que de pronto le proporcionaron a Piazzolla éxitos masivos, a los que no estaba habituado. En 1972, en otro gran momento de Piazzolla y tras haber registrado el año anterior el magnífico LP "Concierto para quinteto", formó Conjunto 9, con el que grabó "Música contemporánea de la ciudad de Buenos Aires". Tras abandonar nuevamente la Argentina, Astor inició su fructífera etapa italiana, donde entre otras obras dio a conocer "Balada para mi muerte", con la cantante Milva, "Libertango" y la conmovedora "Suite troileana", que escribió en 1975 bajo el impacto que le causó la noticia de la muerte de Troilo.

En 1979, de nuevo con su quinteto, Astor unió su talento al de artistas de diversos orígenes, como George Moustaki, Gerry Mulligan y Gary Burton. Entre otras variadas actuaciones, en 1987 hizo una apoteósica actuación en el Central Park de Nueva York. La última formación de Piazzolla fue un sexteto, que sumaba un segundo bandoneón al quinteto y reemplazaba el violín por el violoncello. Además de obras de concierto y música para cerca de 40 películas, Astor concibió numerosísimas piezas breves (tangos o no) entre ellas la serie "La Camorra" de enorme popularidad.

Astor Piazzolla no está en ésta página por ser un músico de jazz, sino por el respetó que demostró a esta música cuando de manera puntual se acercó a ella.

MARÍA PÍA DE VITO


Con un bagaje de experiencias importantes que abarcan desde la música étnica hasta la lírica, la cantante italiana, María Pía de Vito, no tiene mucho que envidiar a otras cantantes de jazz contemporáneas al otro lado del océano.

Crecida musicalmente escuchando a John Coltrane, a Miles Davis, en todas sus formas, a Wayne Shorter, y a Gil Evans, esta cantante, compositora y arreglista, inicia su carrera concertista en 1976 con un grupo étnico que interpretaba fundamentalmente música balcánica. Es en los años ochenta cuando activa su vena jazzistica colaborando con importantes músicos como, Kenny Wheler, Ralph Towner, Joe Zawinul, Joshua Redman, Gary Bartz, Steve Turre, Enrico Rava, o Paolo Fresu. De igual modo participa en importantes festivales internacionales como Londres, Berlín, Lyón, Lisboa o el Umbría Jazz. Realiza giras por toda Europa y también se traslada a New York, donde trabajó en el mítico, "Birdland" y en el "Perfomance Garage" con la coreógrafa, Roberta Escamilla Garrison. Entre 1994 y 1997, trabaja en el proyecto "Nauplia", un serio intento de fusionar la melodía napolitana y mediterránea con el jazz. Fruto de ese trabajo es su disco "Nauplia e Fore Paese", avalado por el Instituto Universitario "Suor Orsola Benincasa" de Nápoles. En 1996, colabora con el compositor británico, Colin Towns y su bigband: "Mask Orchestra", en el "Londres Oris Jazz Festival". Vuelve a dicho Festival en 1998 y actúan en el teatro: "Queen Elizabeth Hall" con la "Mask Symphonic" una orquesta de setenta personas y la participación estelar de Norma Winstone.

María Pía de Vito, presentó en el Festival Umbría Jazz de 1998 su álbum titulado: "Phoné" con John Taylor, Gianluigi Trovesi, Enzo Pietropaoli, y Federico Sanesi. En el 2001, la prestigiosa revista americana, Down Beat, la reconoce por sus críticos, como una de las cantantes mas prometedoras no americanas. En Italia, de Vito fue galardonada en el 2001 con el premio "Positano Jazz", uno de los mas prestigiosos del país transalpino.

MICHEL PETRUCCIANI


Aquejado de una gravísima enfermedad ósea, - apenas llegaba al metro de altura- el pianista francés Michel Petrucciani, se consagró desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano y acabó por convertirse en uno de los músicos de jazz europeo de mayor renombre de todos los tiempos. Dotado de un virtuosismo extremo, su estilo intimista y romántico, que partía de la escuela de Bill Evans -del que era un ferviente admirador-, combinaba con inteligencia el lirismo y la sutileza con un ataque poderoso y percusivo.

Había nacido en Orange el 28 de Diciembre de 1962. Estudia piano clásico y a los 12 años actúa acompañado por su padre en la guitarra y su hermano Louis en el contrabajo. Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco. El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano, una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés OWL. En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd, cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro. También actúa a dúo con Lee Konitz. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período en el sello "Blue Note" con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three", uno de sus grandes discos. En trabajos posteriores - "Music", "Playground"-, se acerca a las fórmulas de la fusión eléctrica con producciones en las que se diluyen sus mejores virtudes. Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Duke Ellington, uno de sus compositores favoritos, y una clara influencia para cualquier pianista.

En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en los últimos años una de las más fructíferas fue su insólito y excepcional encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse". Pero por encima de todo se vuelca en el solo, del que era un verdadero maestro. El doble CD recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica. En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds". Michel Petrucciani actuó con relativa frecuencia en nuestro país en solitario en varios de los festivales de jazz que se organizan en España, cautivando siempre al público con la amplitud estilística característica de su pianismo.

Su fallecimiento, el 5 de enero de 1999, a causa de una afección pulmonar, dejó un hueco dificilísimo de cubrir en el jazz europeo y en el francés en particular.

OSCAR PETERSON


Oscar Peterson, es algo más que un pianista síntesis entre Art Tatum y Bud Powell, como muchas biografías lo encasillan. Es evidente que además de eso, mas los influjos de Hank Jones, George Shearing y James P. Johnson, dan un pianista con suficientes rasgos personales como para ser considerado un caso aparte. Su portentosa capacidad instrumental y el desarrollo extraordinario de un concepto particular del trío, son suficientes argumentos para constatar la capacidad y la calidad de un músico que ha alcanzado con las 88 teclas del piano, una fuerza expresiva, un podedr rítmico, y un sentido del blues absolutamente extraordinario.

Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta hasta que una tuberculosis le aconsejó dejar los instrumentos de viento. A los catorce años ganó su primer concurso de aficionados al piano y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad. En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el mundo por éxitos multitudinarios.

Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentre de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.

Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la masion de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My favorite Instruments". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.

Su abundantisima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.

ANTHONY PERKINS


Tras trabajar desde muy joven en las obras de verano del colegio, Anthony Perkins, debuta como actor en 1953, con un papel secundario que le vale estupendas críticas. Pero es con su segundo papel, en 1956 cuando alcanza la fama, gracias a su nominación para el Oscar al mejor actor secundario. En los siguientes años aparece en varios films, antes de interpretar al personaje que marcaría en adelante toda su carrera, el psicópata Norman Bates en Psicosis, de Alfred Hitchcock.
Desde entonces, Anthony queda encasillado en papeles oscuros, siniestros o, cuanto menos, poco cercanos al romanticismo o la comedia. Durante los años 70, además de participar en varias películas poco memorables, dirige o interpreta varias obras de teatro con bastante éxito. En 1982, devuelve a las pantallas al personaje que le hizo legendario en Psicosis 2 de Richard Franklin. El éxito del film le lleva a volver a interpretar a Bates en otras dos películas, que él mismo dirige.
En 1992, a la edad de 60 años, el virus del SIDA acaba con su vida, mientras trabajaba en la quinta entrega de Psicosis. Tras su muerte nos queda una grata filmografía, puede que ensombrecida por la sombra del personaje que le hizo famoso, y que quizás no le permitió demostrar sus capacidades con otros tipos de registros interpretativos que demostró en sus primeros papeles y en sus obras teatrales .

Convertido gracias a Alfred Hitchcock en el psicópata cinematográfico por excelencia, en su juventud compaginó los escenarios teatrales y cinematográficos con los estudios de grabación y nos legó varios discos mas que decentes, desde el punto de vista jazzistico. Uno de ellos, "Tony Perkins" grabado en 1957 bajo la tutela de Marty Paich para el sello Epic, fue muy bueno. Al año siguiente, en 1958, grabó otro magnifico álbum para RCA con el titulo de "On a Rainy Affternoon". El cine se llevó por delante a uno de los hombres que prometía mucho talento parta el canto.

BILL PERKINS

Bill Perkins, pasó los primeros años de su vida en Chile, donde su padre trabajaba como ingeniero de minas. En el campamento había una escuela y allí empezó a aprender el piano, y después el clarinete, que luego mas tarde abandonaría para dedicarse al saxofón. Se graduó en Caltech antes de unirse a la Armada estadounidense a finales de la II Guerra Mundial. Beneficiado tras el conflicto por una beca para excombatientes, se licenció en música por la Universidad de California en Santa Bárbara.

Su carrera profesional como músico se inicio en 1950 a la edad, relativamente tardía, de 26 años. Trabajó con Jerry Wald y luego dio el gran salto a la orquesta de Woody Herman y posteriormente con la de Stan Kenton con quien realizo una gira de conciertos por Europa en 1956. Su mayor influencia fue Lester Young, de quien le fascinaba el lirismo de su saxo tenor. A lo largo de los años sesenta, Perkins trabajó en estudios de grabación para la casa "World Pacific" y en la "United Recording". También tocó con la orquesta de "Tonigh Show" y su fama de intérprete versátil se acrecentó con la utilización, cada vez con mas frecuencia, del clarinete y la flauta. En los años setenta, tocó también el saxo barítono con la gran orquesta de Toshiko Akiyoshi, y a finales de los ochenta, el saxo soprano con la banda de la "Lighthouse All Stars", dirigida por Shorty Rogers y Bud Shank.

Sus conocimientos de ingeniería, los aplicó a la música y poseía las patentes de varios componentes electrónicos de instrumentos, incluyendo una trompeta y un saxofón sintetizado. Perkins, fue en la década de los cincuenta, una de la figuras principales en el mundo del jazz de la Costa Oeste y su papel estelar en las orquestas de Woody Herman y Stan Kenton son siempre recordadas como su epoca mas brillante. Un cáncer terminó con su vida en agosto de 2003 y su familia dispuso que en su funeral, en lugar de flores, se enviaran donativos a la KKJZ, una emisora de radio de jazz de Cal Stage, en Long Beach.

ALAIN PÉREZ

El bajista cubano Alain Pérez nace en la ciudad de Trinidad en 1977. A la edad de ocho años se inicia como vocalista en una agrupación musical infantil en la provincia de Cienfuegos, y paralelamente comienza a estudiar solfeo. En 1988 ingresa en el Conservatorio de Música Manuel Saumell de Cienfuegos, para recibir clases de guitarra clásica y piano. En 1993 se traslada a La Habana, donde prosigue sus estudios de guitarra en la Escuela Nacional de Arte (ENA). En 1996 se gradúa de nivel medio con la máxima puntuación y el título especial de Guitarra eléctrica, Guitarra clásica y Dirección de orquesta.

Pero sin dudas su primera escuela de música fue su propio hogar. Alain creció escuchando guajiras y sones cubanos. Su padre, el experimentado compositor Gradelio Pérez, le enseñó la importancia de la calidad de los textos. En el año 2000 colaboró en su proyecto discográfico "El desafío". En 1995, mientras cursaba tercer año de guitarra en la Escuela Nacional de Arte (ENA), tuvo la oportunidad de formar parte de la prestigiosa y aclamada agrupación cubana dE Jazz latino Irakere. Alain participó como arreglista y cantante junto a Irakere y al maestro Chucho Valdés en el Festival de Salsa de Cali, Colombia. Aquélla fue su primera presentación en un escenario internacional.

Pero es en 1996 cuando se produce el salto definitivo de Alain Pérez a lo más alto de la escena musical cubana. La gran oportunidad llega cuando recibe la invitación del salsero Isaac Delgado para actuar con su agrupación en un conocido cabaret de La Habana. Esta vez debía sustituir al bajista y Alain aceptó el reto y terminó convirtiéndose en el director musical de la agrupación. En 1998 llegó a España como parte de una orquesta de músicos estrellas cubanos de gira por Europa. Decidió quedarse una temporada porque le propusieron grabar su primer disco en solitario y terminó fijando su residencia en la península. Desde entonces la experiencia de trabajo con los músicos españoles ha sido provechosa en ambas direcciones. Alain ha aportado la fuerza y el sabor de su sentido del ritmo.

En el 2002 participó junto a Enrique Morente y otros músicos en el proyecto "África-Cuba-Cai", un encuentro entre flamenco, música cubana y ritmos senegaleses. Posteriormente grabó "El pequeño reloj" con el cantaor, donde puede escucharse el sonido peculiar del bajo de Alain Pérez doblando las falsetas de una bulería en la que el granadino canta a Gustavo Adolfo Bécquer. Pero sin duda, últimamente, ha sido su colaboración con Paco de Lucía lo que más ha dado que hablar de su talento y sus posibilidades. El resultado puede escucharse en "Cositas Buenas". El proyecto agrupó a un fabuloso sexteto que realizó una exitosa gira mundial y en la que estaba a Alain Pérez en el bajo.

Excelente bajista, percusionista, pianista, cantante, compositor y arreglista, este joven cubano ha recibido los mejores elogios de la crítica musical. Cultivador y defensor de la salsa, la timba y el Latin-Jazz, tiene en su haber una amplia discografía y la creación de temas tan increíbles y novedosos como "La sandunguita" y "Con la punta del pie". Su talento le ha permitido trabajar con agrupaciones y músicos cubanos de la talla de Irakere, Van Van, Isaac Delgado y su grupo, Paquito de Rivera, Celia Cruz, Javier Masó "Caramelo" y muchos más. En España lo ha hecho con varios de los grandes: Enrique Morente, Paco de Lucía, Diego "El Cigala", Niño Jósele, quienes no han dudado en incorporar el ritmo del cubano en sus últimas producciones.

En España su trabajo ha sido reconocido con el Primer Premio SGAE de Jazz Latino en el año 2002 y en éste año de 2006 ha sacdo a la luz su más reciente proyecto musical en los escenarios acompañado por excelentes músicos. El resultado es el excelente disco "En el Aire" editado por el sello "AYVA Records".

ART PEPPER

Nacido en Gardena (California) en 1925, tras aprender el clarinete a los 9 años y pasar al saxo alto con 13, participa en orquestas como las de Lee Young y Benny Carter, en la zona de Los Ángeles. Gracias a éste ultimo, pasó a formar parte de la célebre orquesta de Stan Kenton, con quien participa en su primera grabación discográfica. Se casa con Patti Moore a la edad de 17 años y cuando todo parece funcionar a la perfección, es llamado a filas por el Ejercito Norteamericano y parte hacia Inglaterra, para volver en 1946 donde vuelve a tocar junto a Stan Kenton, con quien permanecería hasta 1952. Entre 1952 y 1954 grabó con mucha frecuencia para el sello Savoy, primero en compañía de del pianista, Russ Freeman y en agosto del 54, con el saxofonista, Jack Montrose. Al mismo tiempo que su reputación aumenta, se dedica con tanta pasión a la música como a las mujeres y a la heroína, que acaba de descubrir. Su dependencia es tal que su familia se ve obligada a hipotecar su vivienda para tratar una desintoxicación. Los resultados no son los esperados, aparte de ser detenido por posesión de estupefacientes. Pasará casi dos años ( entre 1953 y 1954) entre la prisión de Los Ángeles y el hospital de Forth Worth, comenzando así un autentico calvario en su vida.

Durante su estancia en prisión, la relación sentimental con su mujer se degrada hasta el punto que se divorcian. A su salida graba junto a Jack Montrose, pero no tarda en volver, para una temporada de 9 meses, a la prisión de Los Ángeles, tras una inspección policial en su apartamento. Tras una ausencia de 20 meses, Pepper reaparece en los escenarios. Ha unido sus esfuerzos junto a los del compositor y arreglista y saxofonista tenor Jack Montrose y va a grabar, trabajar y hacer giras con el nuevo cuarteto de éste ultimo. Su segunda esposa, le presentó a Lester Köenig, responsable de Contemporary Records con quien grabaría varios álbumes extraordinarios como "Art Pepper + Eleven" considerado uno de los discos emblemáticos del movimiento cool o "Meets the Rhythm Sección" y "Gettin' Together" con las secciones rítmicas de Miles Davis. Nuevamente es detenido por su adicción a las drogas en 1960 y le condenan a ingresar en la peor de la prisiones norteamericanas: San Quintín.

Pasará tres años en San Quintín (entre 1961 y 1964). Durante este tiempo descubre a Ornette Coleman y John Coltrane. A su salida contacta con su amigo Shelly Manne y vuelve a los escenarios, y aunque no graba en ninguna discográfica, afortunadamente existe un documento excepcional, editado por Fresh Sound, "Art Pepper Quartet´64- In San Francisco" donde puede escucharse a un Art Pepper muy influenciado por Coltrane. En los primeros años de la década de los setenta, Art Pepper hace un serio esfuerzo por desintoxicarse e ingresa por propia volunta en una clínica de Santa Mónica en un estado de salud lamentable; apenas había sobrepasado los 40 años. Allí estuvo durante tres años y a su salida, muy recuperado pero no limpio del todo, mostró una sorprendente naturalidad para conservar su creatividad con el instrumento, el cual no había tocado en todo ese tiempo. No había pisado en todos esos años un estudio de grabación, pero su creatividad y su sonido permanecían intactos sorprendiendo a propios y extraños, constituyendo uno de los casos mas extraordinarios de recuperación de un músico para el jazz.

En 1975, y cuando ya nadie apostaba por él, Contemporary sacó un nuevo disco de Pepper, titulado: "Living Legend" con una portada que refleja la imagen de un hombre castigado por la vida y las drogas, con su cuerpo lleno de tatuajes y cicatrices. El contenido musical de ése disco hiela la sangre; la música es la misma, el sonido, la articulación, el ataque del instrumento..todo es como antes del horror de la cárcel; es su vida y el artista no quiere esconderla. En 1978, graba para el sello Galaxy, "Today", su obra maestra en las postrimerías de su carrera; un disco perfecto y en la portada del álbum, otra vez, la mirada de un hombre marcado por el sufrimiento, el aislamiento y la ausencia de alegría. Cuatro años mas tarde, Art Pepper murió tras permanecer mas de una semana en coma en un hospital victima de una hemorragia cerebral.

KEN PEPLOWSKI

Ken Peplowski, es sin duda alguna, el mejor clarinetista de jazz surgido en la década de los ochenta. Enclavado en un movimiento estilístico neoclásico, Peplowski recupera para el jazz, de manera convincente, un instrumento claramente ligado a la época dorada del swing, y lo hace integrando las influencias de Lester Young, Benny Goodman y Buddy de Franco.

Sus comienzos musicales fueron cuando contaba con apenas diez años, y después de una adolescencia en la que tocó con bandas de menor rango, ingresa en la Orquesta de Tommy Dorsey, entonces dirigida por Buddy Morrow. Con ellos estuvo dos años (1978-1980) y tras dejarlos se traslada a New York donde toca con diferentes grupos y estilos distintos, desde el dixieland, hasta con orquestas sinfónicas, pasando por la música de vanguardia. A través de Loren Shönberg, entra a formar parte de la que sería la ultima orquesta de Benny Goodman, con la que graba dos discos. Antes de comenzar sus carrera como líder, se sucedieron las colaboraciones con Mel Tormé, Hank Jones, Peggy Lee, Scott Hamilton, Ruby Braff o Rosemary Clooney. También trabaja con el pianista ciego, George Shearing, y colabora asiduamente con el guitarrista, Howard Alden.

Su amigo, Dan Barrett, le recomienda al propietario del sello Concord, y tras una audición, comienza una una serie de excelentes álbumes, el primero de ellos, titulado: "Doble Expoasure" (1987) que tuvo una excelente acogida por la critica especializada. Tanto este álbum como el titulado "Sonny Side", (Concord, 1989) fueron en su época dos de los discos mas exitosos en los Estados Unidos. En 1990, fue premiado por la revista norteamericana, "Jazz Time" como mejor clarinetista del año y en 1993 recibe el premio mas prestigioso del jazz europeo por su disco: "The Natural Touch". Al año siguiente, es la prestigiosa revista, Down Beat, quien le avala musicalmente con su critica favorable y su inclusión en su prestigiosa selección de "Criterium anual" como uno de los mejores clarinetistas del año.

Ken Peplowski, es un músico ecléctico que se mueve a caballo entre la música clásica y el jazz. Su depuradísima técnica con el clarinete le ha permitido situarse entre uno de los dignos sucesores del gran Benny Goodman. Apoloybaco, tuvo la fortuna de verlo en directo, el 15 de Noviembre de 1997 en Sevilla al frente de un cuarteto compuesto por: Dave Cliff a la guitarra, Dave Green al contrabajo y Matt Skelton a la batería. Su actuación fue extraordinaria, y es una lastima que su discografía para el sello Concord, esté tan mal distribuida en nuestro país.

NIELS-HENNING ØRSTED PEDERSEN


En memoria de NHOP: "The Great Dane with the never ending name" (El gran danés con el nombre interminable).

Después de estudiar seis años de piano, Niels-Henning Ørsted Pedersen eligió tocar el bajo influenciado por un célebre instrumentista clásico. Su perfeccionamiento fue tan rápido que a los catorce años ya tocaba con los mejores grupos de jazz de su país. En 1960 ingresó en un quinteto profesional de jazz y al año siguiente, en enero de 1961, grabó su primer disco con un trío en el que estaba el pianista, Bent Axen. Su fama en Dinamarca se acrecentó notablemente y ello le dio la oportunidad de tocar entre 1962 y 1969 en la formación de la "Danish Radio Orchestra" la radio pública de Dinamarca, trabajo que amplió cuando en 1964, le invitaron a formar parte de la bigband de dicha institución.

En 1962, un año antes de unirse al trío del pianista Kenny Drew, tuvo la oportunidad de actuar en el Café Montmartre de Copenhague con el maestro del piano, Bud Powell quien se confesó admirado por la calidad de aquel contrabajista danés. Con Powell, Pedersen tuvo la oportunidad de grabar su primer disco de relevancia internacional. Aquel encuentro con Powell le abrió las puertas del jazz en toda Europa y su presentación en los años posteriores en los mas importantes Festivales de jazz europeos como el Montreux, el de Niza, o el de Molde. En la década de los setenta su carrera profesional se consolidó definitivamente cuando se encontró con Dexter Gordon, afincado en Copenhague y con el que llegó a compenetrarse de tal manera que para Dexter, Pedersen era uno de sus músicos imprescindibles, llegando a grabar juntos trece álbumes.

En 1964, Ørsted Pedersen fue elegido mejor músico de jazz danés del año, justo en la epoca en la que toca junto al multiinstrumentista, Roland Kirk. En 1965 tuvo la oportunidad de realizar sendas giras por Europa junto al maestro del saxo tenor, Sonny Rollins y con el trío del pianista, Bill Evans. En 1968, un sondeo entre los críticos especializado en jazz de la revista norteamericana, "Down Beat" le situaban como el mejor contrabajista de jazz europeo. En 1969 realizó una nueva gira europea y ese mismo año conoció al pianista, Oscar Peterson un músico clave en la carrera de Pedersen y con el que estuvo cerca de cinco años. Con Peterson, Pedersen se consolidaría como uno de los grandes bajista del jazz en el mundo y durante la década de los setenta, sus trabajos con los mas grandes se multiplicaron. Durante dos años consecutivos, la revista "Jazz Forum" le eligió mejor bajista de jazz europeo y en 1977, obtuvo esa misma consideración en todo el mundo cuando fue elegido por la revista "Melody Maker".

Su discografía es extensísima como sideman de otros músicos, destacando sus álbumes con el saxofonista Dexter Gordon, con Oscar Peterson, con un magnifico directo en el Carnegie Hall de New York en 1979 junto a Ella Fitzgerald; con Stephane Grapelli, con el guitarrista Joe Pass; con el saxo alto Jackie McLean; con nuestro admirado Tete Montoliu, especialmente en el disco grabado para Stepplechase en 1994: "Catalonian Fire"; con Anthony Braxton o con Philip Catherine. Los discos a su nombre han sido casí todos para el selecto sello danés: "Stepplechase" comenzando en 1975 con el álbum: "Jaywalkin" y terminando en 1998 para el mismo sello con un directo en el café Montmartre de la capital danesa.

La última visita de Niels Henning Ørsted Pedersen a España, fue el pasado 4 de marzo de 2004 en un concierto en el Kurssal de San Sebastián, junto al saxofonista alto, Phil Woods. Pedersen fue uno de los grandes creadores del jazz moderno en Europa y su maestría era reconocida por los músicos mas exigentes.

GARY PEACOCK


Gary Peacock, (Burley, 1935) es uno de los grandes contrabajistas del jazz moderno. Su carrera profesional siempre estará marcada con letras de oro en la historia del jazz, por su pertenencia y relación musical con el trío del pianista, Keith Jarrett.

Gary Peacock, comenzó a tocar el piano y la batería en su época de estudiante. Su afición por el jazz y por el contrabajo en particular se acrecentó durante el servicio militar que realizó en Alemania. Terminado éste, se afincó en Los Ángeles donde trabajó con los grandes músicos de la Costa Oeste. Allí conoció y tocó con Paul Bley, Barney Kessell y Don Ellis. En 1962 se trasladó a New York y colaboró con Albert Ayler y también ocasionalmente con el pianista, Bill Evans en su disco, "Trío 64". En aquélla época prevaleció sin embargo la colaboración con Albert Ayler, primero en trío con Sunny Murray y luego en cuarteto con el añadido de Don Cherry.

Con ese cuarteto realizó una triunfadora gira por Europa grabando en Copenhage un álbum extraordinario titulado: "Ghost" liderado por Albert Ayler. Hasta el final de la década de los sesenta graba varios discos siempre a nombre de Ayler o de Paul Bley. Toda la primera mitad de la década de los setenta, los dedicó simultáneamente a la enseñaba de la ciencia macrobiótica en Seattle y a profundizar sus conocimientos en la cultura oriental, llegando a estudiar en Japón la filosofía Zen. En 1977 la música volvió a convertirse en su actividad principal y grabó el primer disco a su nombre para el sello ECM, titulado "Tales of Another" que tuvo una gran acepcion de critica y público, y fue su primera colaboración con Keith Jarrett y Jack DeJohnette. A ese álbum le siguió otro practicamente al contrabajo solo y colaboró en otro disco con el guitarrista, Bill Connors.

La carrera de Gary Peacock, da un giro de 180º en la década de los ochenta. En 1983 empieza su colaboración con el pianista, Keith Jarrett y el baterista, Jack DeJohnette, y durante los próximos veinte años, el trío formado por esos músicos rompe todos los moldes establecido en el trío clásico de jazz. Cuando graba con Jarrett liderando las sesiones degrabacion, sus extraordinarios discos: "Standars. Vol 1"; "Standars. Vol 2" y "Standars Live", estos tres músicos, dieron un paso trascendental al frente de un trío convencional para iniciar lo que hoy alcanza dimensiones de enciclopédico homenaje a la tradición jazzistica.

Todavía hoy, ese trío sigue en la cima de la vanguardia jazzistica y su música, lejos de estar caduca y añeja, sigue sonando fresca, improvisada y con el swing suficiente como para dejar álbumes grabados como el recién editado en 2002, titulado: "Up for It" . Apoloybaco, tuvo la suerte de asistir en directo a uno de sus conciertos en Sevilla, en el invierno de 1997, concretamente el 22 de Noviembre en el Auditorio de Mairena del Aljarafe, en uno de los Festivales de Jazz en la provincia de Sevilla que organiza todos los años el Área de Cultura de la Diputación de Sevilla. Su actuación a dúo con el guitarrista, Vic Juric fue extraordinaria.