JOSÉ LUIS GUTIÉRREZ

Inicia sus estudios musicales en el conservatorio de su ciudad natal, Valladolid, donde obtiene el título de profesor de saxofón clásico. Al mismo tiempo se introduce en el Jazz y en las músicas creativas. Ha estudiado composición, armonía y arreglos en la Escuela Nacional de Música de Madrid. Ha asistido a seminarios con Barry Harris y Wade Mathews y ha profundizado sus estudios en etnomusicología, filosofía musical, arte sonoro e intermedia con José Iges. En 1996 recibe una beca especial para estudiar con su principal maestro Malik Yaqub, con quien posteriormente codirigiría varias agrupaciones. Ha liderado sus proyectos en importantes programaciones como el Festival Internacional de Jazz de San Sebastián, Ibiza, Getxo, Murcia, Gijón, Mallorca, Córdoba, León, Valladolid, Madrid, Terrassa, Logroño, Burgos... o Vitoria. Dirige sus propios grupos desde 1995 realizando giras internacionales en New York, México, Marruecos, Venezuela, Italia, Grecia, Francia, contando entre otros con músicos como: Chano Domínguez, Chema Saiz, Carlos Carli, Baldo Martínez, Jimmy Castro, Jorge Pardo, Nirankar Khalsa o Dan Rochlis.

Ha realizado grabaciones televisivas para Vía Digital, CNN, Canal Plus, TVE o la Televisión Nacional Griega. Ha grabado dos discos: El ojo de la aguja y Núcleo -Fresh Sound- este último fue considerado el mejor disco de Jazz realizado en España en ese año, y su autor recibió los elogios de la prensa especializada como una figura clave en la evolución del Jazz de este país. Ha escrito varios artículos musicales en diferentes publicaciones. En la actualidad es el director artístico del Festival Internacional Universijazz. También es importante destacar su faceta pedagógica. En 1997 ganó la plaza de profesor de saxofón del Conservatorio de Zamora.

MARIO GRIMALDOS
Mario Grimaldos termina sus estudios de especialidad de guitarra clásica en el Conservatorio Superior de Música de Valencia estudiando con profesores como María Ángeles Abad, el Concertista Rafael Cabedo y Rosa Gil, Catedrática de Guitarra de dicha ciudad. Posteriormente amplía sus estudios de armonía, composición y dirección de la mano del pianista y director chileno Patricio Pizarro participando así mismo en Master-Class y cursos impartidos por maestros como los prestigiosos guitarristas David Russell y Manuel Barrueco. Profundiza posteriormente en el estudio y metodología de la Escuela de Berkeley (EE.UU.) para composición, arreglos, orquestación moderna y guitarra; especialidad de Jazz, de la mano del profesor José Milán Carmona en el Centro de la Guitarra de Mallorca.

Seguidamente realiza labores de dirección y pedagogía a caballo entre Galicia y Valencia con orquestas como Vademécum, la Escola D´Estíu de la Universidad Politécnica de Valencia, la Escuela de Música Moderna y Jazz de Alcira (Valencia), el Conservatorio Mayeusis de Vigo en donde imparte el Curso Internacional de introducción al Jazz, desarrollo de técnicas arreglistas para Bigband y orquestación moderna. La "Ensemble Brass Band" de Valencia, "Symphonic New Age Orchestra", y el "Modern & Contemporary Duet", entre otras. A lo largo de su dilatada carrera musical, Mario Grimaldos ha realizado una intensísima actividad musical como solista y acompañante de un gran número de artistas famosos, añadiendo además diversas formaciones relevantes de vanguardia del jazz y de fusión.

Entre ellos músicos clásicos como Carlos Apellaniz, David Apellaniz, Mariano García, David Fons, Miguel Angel Gorrea; o de jazz como Ramón Cardo o Lucho Aguilar. Realiza una especial actividad concertística con sopranos como Carmen Cano, o experiencias a través del flamenco con guitarristas como Ricardo Esteve. Ha colaborado también con importantes músicos internacionales como el violinista Didier Lockwood, o el guitarrista Nathen Page, músico que trabajó con gente de la talla de Charles Tolliver, Jackie McLean o Herbie Mann entre otros. En el año 2000, Mario Grimaldos comienza a componer y preparar su último y más importante trabajo musical, regresando a Galicia en la actualidad para formar el grupo "Mario Grimaldos Group"; además de su concierto como solista: "Solo Guitar".

TINY GRIMES

El guitarrista, Tiny Grimes, se dio a conocer durante 1943-1944 en el seno de uno de los tríos mas celebres de la historia del jazz junto al genial pianista, Art Tatum y el contrabajista, Slam Stewart que tocaban diariamente en los clubes de la Calle 52 en Harlem. Influenciado, como no, por la legendaria figura de Charlie Christian, su carrera en solitario prosiguió luego en grupos como "The Rocking Highlanders" - junto a los cuáles grabaría Charlie Parker - y que contaba con la voz de Screamin' Jay Hawkins además de codearse con numerosos músicos historicos del swing como Milt Buckner, Roy Eldridge, Earl Hines, Jay McShann, Buck Clayton o incluso la cantante, Billie Holiday.

Tiny Grimes, optó por una guitarra tenor de cuatro cuerdas en vez de las habituales de la que supo extraer un sonido nítido de gran elegancia y belleza. Como líder de sus propias formaciones o como acompañante, su sola presencia en los escenarios o en las grabaciones de estudio es siempre garantía de una música de calidad en la que la espectacularidad de su prodigiosa digitación no sacrifica ni un ápice del swing contagioso que sus imaginativas improvisaciones desprenden.

MILES GRIFFITH

"...El cantante Miles Griffith es un músico extraordinario. su voz y su creatividad le aseguran formar parte de la historia del jazz del siglo XXI."

Estas palabras pronunciadas por Wynton Marsalis, sirven para presentar a este extraordinario cantante en sociedad. Las raíces musicales de Miles Griffith, emanan de las Iglesias, Batista, Metodista, Pentecostés y Yoruba todas ellas muy arraigadas en el acervo cultural de New York. Su carrera profesional comenzó a los seis años cuando trabajó para la película "One Trick Pony" que versaba sobre la biografía de Paul Simon. A los 11 años se hace miembro de los "Boys Choir of Harlem" y entra en la "High Shool of Music de New York". Cuando se gradúa trabaja con Stphen Scott, Justin Robinson, Gregory Hutchinson, Taru Alexander y el extraordinario pianista, Barry Harris. Miles Griffith continua su educación musical en Long Island University y en el Queens College donde recibe el "Master Degree in Vocal Perfomance" bajo la dirección de Jimmy Heath y Sir Roland Hanna.

En muy poco tiempo, Griffith, emerge como un serio contendiente en la escena del jazz moderno. En 1994 realiza el papel principal de "Jesse" en "Blood On The Fileds" de Wynton Marsalis. En 1988, la prestigiosa revista Down Beat, en su encuesta anual entre críticos y aficionados le concede uno de los premios reservados a talentos que requieren une especial reconocimiento. En ese mismo año queda finalista del premio internacional "Thelonius Monk" para vocalistas de jazz. Graba "We' we Got What You Need" y "Truth Justice & The Blues" con James Williams, para el ello "Evidence Music". La primera obra presenta un cartel estelar de grandes mujeres del jazz como Etta Jones, Dianne Reeves y Vanessa Rubin. En la segunda obra, Miles Griffith, trabaja junto a James Williams, Billy Pierce y Christian McBride entre otros. Su único disco grabado hasta el momento fue el titulado "Spiritual Freedom" en 1999.

JOHNNY GRIFFIN

Apodado "Little Giant" por su corta estatura, Johnny Griffin, es uno de los últimos grandes creadores y exponentes todavía en activo mas genuinos del hard-bop. Nació en Chicago, uno de los centros urbanos mas importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto obóe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado se vio contratado gracias a su magnifica reputación por la banda de Lionel Hampton. Se unió a ellos en la primera gala de la gira en Toledo (Ohio) y ahí permaneció dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años ( 1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía.

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" todo un monumento del mejor hard bop de la época. Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano. Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano. Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland. En el 1970 se traslada a vivir a Holanda donde se compra una granja y alterna las grabaciones y actuaciones con el cuidado de la misma. Visita España al final de la década de los setenta donde toca con el pianista, Tete Montoliu, y realiza anualmente un viaje a su patria para no ser olvidado. Actualmente sigue residiendo en Francia y activo para el jazz musicalmente hablando.

GRANT GREEN

Grant Green, (1931-1979) fue uno de los guitarristas emblemáticos del jazz funk de los años sesenta y uno de los músicos emblemáticos del sello Blue Note en ese instrumento. Tras sus inicios en diversas formaciones de jazz y de rhythm and blues, el saxofonista, Lou Donaldson, le introdujo en el legendario sello azul como solista y también de acompañante de músicos importantes de la época además del propio Donaldson como fueron: Stanley Turrentine, Lee Morgan, Herbie Hancok, o el organista, Jimmy Smith. Fue precisamente su habilidad para acompañar a diversos organistas de jazz como: Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette o la extraordinaria, Gloria Coleman, lo que le abrió las puertas de la fama en el jazz y le convirtió en un reputado instrumenstista.

Su estilo a la guitarra es de una solidez rotunda y en su sonido resuenan con nitidez los ecos del bebop, del blues y también del soul, en una rica amalgama siempre ingeniosa y eficaz de la que en los últimos años se han apropiado numerosos músicos de Rap o de acid jazz. Sus serios problemas con la droga truncaron rápidamente su carrera en losa años setenta falleciendo al final e aquélla década con solo 48 años de edad. Grabó a pesar de su corta carrera mas de una veintena de discos a su nombre siendo el mas popular de ellos el titulado: "Idle Moments" grabado en 1963 para Blue Note.

BENNY GREEN

Benny Green, nació en New York, en 1963, pero se crió en Berkeley, California, en donde inició sus estudios de piano a la edad de siete años. Influenciado por su padre, saxofonista, Benny se interesó pronto por el jazz. Antes de los dieciséis años trabajó esporádicamente con cantantes como Fay Carroll y colaboró con el trompetista, Eddie Henderson. En 1982, regresó a New York, en donde conoció al veterano pianista, Walter Bishop, una de sus máximas influencias. En 1987 se sumó a la formación de Art Blakey, "The Jazz Messengers" en donde permaneció hasta 1989.

Apadrinado por Oscar Peterson, Green obtuvo en 1993 el Glen Gould International Protégé Price, un prestigioso premio otorgado por la Fundación Glen Gould y la ciudad de Toronto. Ese mismo año, reemplazó a Gene Harris en el trío de Ray Brown, en el que estuvo hasta 1997. A partir de ese momento, el pianista inició su carrera en solitario. Con un centenar de grabaciones en el mercado discográfico, ha trabajado con músicos de la talla de Betty Carter, los Jazz Messengers, Freddie Hubbard, Bobby Watson, y Diana Krall.

WARDELL GRAY

Wardell Gray pertenece a esa común especie que parece afectar al músico de jazz y que tiene por denominador común, una vida efímera y una muerte prematura, básicamente además cuando empezaba a despuntar como músico. Falleció con 34 años en circunstancias todavía hoy no aclaradas. De niño su familia se traslado a Detroit y allí comenzó pronto a manifestarse su vocación musical. Estudio música en la "Cass Tech High" de Detroit y sus primeros pasos los dio con el clarinete. En 1943 fue contratado por el pianista, Earl Hines donde estuvo dos años que se consideran básicos para su posterior formación.

Además, para colmo de males, la época en que empieza a salir del cascaron, coincide con la Huelga de grabaciones decretada por la poderosa "Federación Americana de Músicos" y a su oscura etapa formativa se le añade la imposibilidad de escucharle en aquellos años. En la orquesta de Earl Hines, autentico semillero de grandes músicos, Wardell Gray tocaba el clarinete y el saxo contralto, pero pronto decidió pasar al tenor. Hubo en aquella epoca tres saxofonista que le dejaron impresionados: Lester Young, Don Byas y sobre todo, Charlie Parker, con quien había aprendido en la orquesta de Earl Hines como elaborar un estilo propio. Se trasladó mas tarde a la Costa Oeste de los Estados Unidos y allí en Central Avenue, una especie de Calle 52 en Los Ángeles, destacó como un músico excepcional.

En 1946 ficha por la orquesta de Benny Carter, saxofonista y arreglista extraordinario del que Wardell Gray era un encendido admirador. Benny Carter le enseño principalmente la forma y la técnica de abordar las baladas. Durante una de sus actuaciones fue escuchado por Benny Goodman que quedó entusiasmado con el joven saxofonista. Goodman lo incorporó a su septeto y le permitió una flexibilidad de entrada y salida de su formación como no había permitido a ningún otro músico. Con Benny Goodman estuvo tres años. Más tarde conoció a Dexter Gordon, un músico clave también en la carrera profesional de Wardell Gray y dejaron grabado un disco extraordinario titulado: "The Chase" para el sello "Prestige" en 1947. También en 1947 grabó junto Charlie Parker, Howard McGhee, Dodo Marmarosa, Barney Kessel, Red Callender y Don Lamond, una sesión inolvidable para el sello "Dial" y que demostraba que Wardell Gray podía haber sido el saxo tenor que Bird deseaba. Ambos murieron con apenas tres meses de diferencia.

En 1948 pasó efímeramente por la orquesta de Count Basie, hecho que repitió entre 1951 y 1952. En 1951 formó su primer grupo liderado por él, contando con la colaboración de Art Farmer un extraordinario trompetista que debutó profesionalmente precisamente en la formación de Wardell Gray. A finales de mayo de 1955 fue llamado por Benny Carter para inaugurar el "Moulin Rouge" un club de las Vegas. Dos días después del debut, el 26 de mayo de aquel año, fue encontrado en el desierto de Nevada el cuerpo sin vida de Wardell Gray con el cuello partido. Wardell Gray fue sin duda uno de los grandes saxo tenores de la historia del jazz, equivalente a lo que fue en la trompeta, el malogrado, Clifford Brown.

ANITA GRAVINE

Nacida en Carbondale (Pennsylvania), esta cantante lleva bastantes años en la brecha, y ya a finales de los sesenta cantaba con las bigbands de Larry Elgart, Buddy Morrow y Urbie Green. Se traslada a New York donde contacta con Chick Corea y Hank Jones aunque su carrera prendió con fuerza en los años ochenta gracias a una serie e discos insólitos donde la colaboración entre la vocalista y su arreglador, Michael Abene, alcanzó un grado importante de mutua iluminación. Su primer disco es de 1983 para el sello "Progressive" y obtiene éxito suficiente como para que otra discográfica "Stax", le contrate nuevamente y le invite a grabar en estudio. No obstante no fue hasta 1986 cuando obtuvo el reconocimiento internacional a su voz cuando grabó para "Jazz Alliance" el extraordinario disco: "Welcome to my Dream" su mejor exponente de su creciente calidad. Este disco no fue editado hasta 1993 y presenta un temario de standars procedentes del cine de Bing Crosby y Bob Hope. Mientras la cantante pone en juego toda su espesa y sensual voz con un vibrato generoso, Abene, penetra en los exotismos cinematográficos con una paleta orquestal completamente desinhibida y escribe una carta de amor a la canción jazzistica para nuestro disfrute.

Su último disco por el momento "Lights! Camera! Passion! Jazz And The Italian Cinema" está grabado en 1999 para el sello Soulnote y le acompañan: el percusionista, Steve Berrios, el trompetista, Gret Gisbert, el baterista, Danny Gottilieb, el bajista, Sean Smith y el clarinetista bajo, Roger Rosemberg.

STÉPHANE GRAPPELLI

Stéphane Grappelli (1908-1997) disfrutó de una larga, prolífica y distinguida carrera como el principal instrumentista de violín en el jazz. Su música y su swing se le recodará siempre unido a la génesis del jazz en Europa de la mano del extraordinario grupo creado en Paris por Django Reinhardt - el mejor guitarrista de jazz europeo- y denominado el "Hot Club Quintet de France". Sólo en la última parte del siglo XX, otro violinista, Jean Luc Ponty, perteneciente a otra generación de músicos diferentes, se le ha acercado como posible rival.

Grappelli, nació en Paris y fue en su juventud un músico autodidacta, si bien asistió al conservatorio de Paris desde 1924 hasta 1928. En 1927 se interesó por el jazz y comenzó a trabajar profesionalmente en cines y teatros aunque todavía, esas orquestas eran de baile como la estrafalaria "Gregor et ses Grégoriens". Antes de que terminase la década conoció a quien le iba a cambiar la vida musicalmente hablando, el guitarrista belga de raza gitana, Django Reinhardt. Empezaron coincidir en sesiones musicales de manera informal hasta convertirse en el embrión de un grupo que tocaría un jazz excitante y desenvuelto con una base rítmica aportada por las guitarras de Django y su hermano. El "Hot Club Quintet de France" nació oficialmente en 1934 y no tardó mucho tiempo en convertirse en un combo muy popular por toda Europa. Grappelli estuvo con Django cinco largos y fructíferos años, y abandonó el grupo en 1939 con la II Guerra Mundial apuntando en el horizonte.

Se trasladó a Londres donde actuó como solista en varios clubes y también colaboró con el pianista, George Shearing. Terminada la guerra regresó a Francia en 1946 y la muerte de Django un año antes, hizo que enfocara su carrera al margen del grupo creado por ambos. Por aquella época el papel del violín en el mundo del jazz era muy minoritario y Grappelli no obtuvo el reconocimiento y el favor del publico hasta muy entrada la década de los sesenta. En 1969 participó en el festival de jazz de Newport y se unió en 1972 al trío del guitarrista, Diz Dizley. Desde entonces y practicamente hasta su muerte, Stéphane Grappelli, grabó y viajó sin descanso por todo el mundo con diferentes tríos- su formato preferido- e incluso participó fuera del jazz con músicos adscritos a otras corrientes musicales como con el pianista, André Previn o el violinista de música clásica, Yehudi Menuhin.

GOGI GRANT

Gogi Grant tuvo su epoca de esplendor a mediados de los años cincuenta cuando popularizó el tema: "The Wayward Wind." Cantante habitual en los magazines televisivos norteamericanos de la epoca, su acercamiento al jazz, aunque escaso, lo eran siempre con respeto y no exento de swing, aunque como la mayoría de las cantantes, su sesgo hacia la música pop es demasiado evidente. En sus mejores tiempos grabó cinco álbumes en solo dos años 1957-1959 para el sello RCA, siendo el mas destacado de ellos, desde el punto de vista jazzistico, el titulado: "Welcome to my Heart".

TEDDY GRACE

Nacida en Luisiana, la cantante Teddy Grace, disfrutó sólo de una breve carrera en el jazz vocal, pero tuvo la virtud d dejar una huella indeleble entre sus admiradores. Se crió en una familia de posición desahogada y rodeada de las culturas blanca y negra. Su instinto para el blues, iba parejo con su capacidad para asimilar lo mejor del folk blanco. En 1930 una miga de infancia le conminó a que cantase al frente de la banda en un club de campo de Luisiana. Teddy Grace encandiló de inmediato al publico y a la misma banda. Tenía una voz de contralto capaz de expresar gran emoción a su voz como atestiguan sus discos posteriores.

En 1931 ya era profesional y cantaba en la radio local además de sus viajes con las bandas de Al Katz y Tommy Christian. En 1937 viajó a New York para unirse a la banda de Mal Hallett, un músico que nos solo hacia música de jazz. En Febrero de aquel año, Grace grabó sus primeros registros en disco para la compañía DECCA. Permaneció con Hallett hasta el otoño de aquél año, momento en que comenzó a actuar como solista y grabando un tema que ya había popularizado, Hot Lips Page, titulado: "Rock it For Me".

En los tres años siguientes, Teddy Grace grabó algo mas de una veintena de discos, practicamente todos los de su reputada carrera. En los estudios de grabación formó compañía con los grupos de Charlie Shavers, Bobby Hackett, Billy Kyle, Buster Bailey, Dave Barbour y Jack Teagarden, y en 1940 en su ultima sesión con la "Summa Cum Laude Orchestra" de Bud Freeman. Estas grabaciones le valieron para ser considerada la cantante de jazz blanca mas importante de la preguerra. En el verano de 1939, se unió a Bob Crosby como apoyo de Marion Mann y grabó "Over The Rainbow". Se retiró cuando comenzó la II Guerra Mundial.

DUSKO GOYKOVICH
Sus comienzos en la música fueron casi en edad escolar; allí tocó un poco de guitarra, piano y también el clarinete, pero de forma totalmente amateur. Más tarde se decidió a tocar la trompeta cuando tenía quince o dieciséis años, lo cual es un poco tarde, y entonces tocaba a todas horas. Estudiaba música, iba al Conservatorio para estudiar técnica clásica y de pronto decide que su ciudad se hace pequeña para su provenir como músico. Se traslada a Belgrado, la ciudad donde creció, y allí tuvo la oportunidad de tocar en bandas de estudiantes. Un día se le presentó una oportunidad para salir de Belgrado hacia Frankfurt, en Alemania y allí conoció un mundo musical mas abierto, mas dinámico y sobre todo con mas posibilidades para desarrollar sus conocimientos.

Entró en un grupo de músicos profesionales donde permaneció varios años tocando. A finales de los cincuenta, y principios de los sesenta el "Jazz at Philarmonic" , la formación que patrocinaba el Productor norteamericano, Norman Granz, estaba de gira por Europa muy frecuentemente. Después de los conciertos muchos de los músicos iban a los clubes de jazz y tocaban jam sessions con los músicos locales, lo que le dio la oportunidad a Dusko de ver de cerca a sus ídolos e incluso alguna que otra vez tocar con ellos. Así conoció a Dizzy Gillespie, Elvin Jones, Dexter Gordon, Roy Eldridge, y toda una pléyade de grandes jazzman en su salsa.

Más tarde, en 1961, cruzó el charco ávido de mejorar sus cualidades y se matriculó en el prestigioso "Berklee College", donde estudió arreglos y composición hasta 1963 y también tuvo la oportunidad, después de los estudios, de tocar en algunas bandas americanas. Tocó con la big band de Maynard Ferguson, (1963-1964); Woody Herman (1964-1966); Kenny Clarke y Francis Boland Big Band (1968-1973); con la "Gerry Mulligan Concert Orchestra" o con Thad Jones. Trompetista de singular sonido, admirador de Miles Davis, actualmente sigue proyectando nuevos trabajos y con 50 años de carrera profesional sigue en plena forma actuando por todo el mundo y liderando proyectos discográficos como "Samba do mar", su último disco por el momento. En 1971 tuvo un encuentro musical con Tete Montoliu testigo del cual queda un hermoso disco titulado: "Ten to Two Blues".

DEXTER GORDON

Nacido en Los Ángeles, el que fuera uno de los mejores saxofonistas tenores del bebop y el hardbop, el joven Dexter Gordon, aprendió teoría musical y clarinete, antes de escoger, el saxo alto a los quince años y, definitivamente el tenor dos año después. Su carrera comenzó con la orquesta de Lionel Hampton, con la cual permaneció tres años. Después de actuar durante seis meses con la orquesta de Louis Armstrong (1944), fue contratado por Billy Eckstine, por un periodo de un año y medio. De nuevo en Los Ángeles, participó en un sexteto al lado de Charlie Parker y Miles Davis, para, seguidamente, crear su primer cuarteto, con el que desarrolló una intensa actividad entre Los Ángeles y Nueva York. Durante esta época grabó con Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Charlie Parker, J.J. Johnson y Tadd Dameron, antes de asociarse con Wardell Gray, con quien protagonizó interesantes duelos entre 1947 y 1952 y de los que nació el disco "The Chase" (1947) .

Después de pasar unos años en prisión (1953-1955) por un asunto de drogas, grabó tres discos, "Daddy Plays The Horn", "Stanley The Steamer" y "Dexter Plays Hot and Cool", al que siguió un periodo de olvido para volver en 1960 cuando escribe la música para la obra de teatro, posteriormente pasada al cine, "The Connection" y graba el disco "The Resurgence of Dexter Gordon". Seguidamente firmó un contrato con Blue Note que daría siete excelentes discos, entre los que destacan "Doin' Allright", "Dexter Calling" (ambos de 1961), "Go" y "A Swingin' Affair" (ambos de 1962) y sobre todo, "Our Man In Paris" en 1963.

Dificultades laborales le impidieron el poder desarrollar todo su talento expresivo. Fue providencial la invitación a actuar al Ronnie Scott's de Londres, que significó el inicio de un largo exilio europeo. A partir de 1962 se instala en Dinamarca, donde es tratado con respeto y afecto, grabando muchos discos para el sello SteepleChase con músicos que viven o están de paso por Copenhague, como Kenny Drew, Horace Parlan o el pianista español, Tete Montoliu. Al mismo tiempo se presenta en muchos festivales europeos (Malmoe, Molde, San Remo, Berlín, Lugano) y también en pequeños clubes, dejando su magistral huella en París a través de dos discos históricos de Blue Note, el ya citado, "Our Man in París" (1963, con Bud Powell) y "One Flight Up". Sin embargo siguió yendo a Nueva York por cortos periodos de tiempo; en 1976, por ejemplo fue contratado por el Village Vanguard, en un regreso que significó el renacimiento del Bebop en los Estados Unidos. A partir de entonces, su vida se dividió entre Estados Unidos y Europa.

Su estelar participación en una de las obras cumbres del jazz y el cine como fue la película dirigida por el cineasta francés, Bertrand Tavernier en 1986 y titulada "Round Midnight" fue el punto y final glorioso a una vida llena de música y sensibilidad.

BENNY GOODMAN

Benny Goodman - su nombre completo era Benjamín David Goodman - nació en Chicago el 30 de mayo de 1909 en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga "Kehelah Jacob" formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos y es contratado en la orquestad de baile de Bill Grimm. Allí conoce al legendario cornetista, Bix Beiderbecke, que actúa en la sala de fiestas: "Midway Gardens".

En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata el empresario Billy Rose, y a continuación la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, esta muy bien colocado.

Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias mas ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda a famosos solistas negros, como el maravillosos pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su celebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con el, con independencia del color de su piel.

La orquesta de Goodman, vive un periodo esplendoroso en el que desfilan excelentes solistas como los trompetistas: Bunny Berigan, Ziggy Elman o Harry James; los trombonistas: Vernon Brown o Red Ballard; los saxofonistas, Vido Musso, Bud Freeman o Babe Russin; o los bateristas, Gene Krupa o Dave Tough y las vocalistas: Helen Ward, Peggy Lee o Martha Tilton. En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall.

En 1939, Goodman se va de RCA y ficha por Columbia. Es el año en que se le marchan varios instrumentistas destacados, entre ellos, el espectacular, Gene Krupa, pero también es el año en que incorpora a su banda a un joven guitarrista de Oklahoma, llamado Charlie Christian. Un músico que no solo va a revolucionar el arte de la guitarra en el jazz, sino que es un músico fundamental para la música que venía en la década posterior. Benny Goodman, es nombrado a finales de 1939 mejor solista y y su banda y el sexteto que forman ocupan los números unos, en las votaciones de la prestigiosa revista, Down Beat. Charlie Christian, es elegido mejor guitarrista.

Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz

JERRY GONZÁLEZ

Jerry González, nació en 1949 en el barrio del Bronx de la ciudad de Nueva York. El creció con la música afro-cubana y el jazz, que dejaron un impacto profundo en su apreciación musical, y moldearon su trabajo futuro como artista. Cuando joven, González escuchaba los álbumes de jazz de su padre de músicos como: Louis Armstrong, Charlie Parker o Miles Davis. Mientras estudiaba en la escuela intermedia, comenzó a tocar la trompeta y luego las congas. González completó sus estudios formales en el New York College of Music y la New York University. Fundador del Grupo Folclórico y Experimental Neoyorquino, González ha profundizado en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz, apartándose así de la tendencia mayoritaria de las formaciones latinas de New York, dedicadas principalmente a la salsa en los años setenta.

Legendarios artistas latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente o Eddie Palmieri, sirvieron de fuentes importantes de inspiración musical para el. El siempre dice que "..el espíritu de nuestra madre África viajó al Caribe, Sudamérica, Norteamérica y…nuestra música es un reflejo de nuestra experiencia en la ciudad de Nueva York y nuestra concienciación de las raíces culturales".

Conocido como percusionista, González comenzó su carrera artística como conguero y trompetista en 1970, interpretando su propio estilo de de jazz latino con el internacionalmente famoso Dizzy Gillespie. Con el respaldo y apoyo del maestro Gillespie, González pudo lograr fundir el ritmo básico africano a los elementos de jazz sin comprometer la esencia de ninguno de los dos. El año siguiente, González se unió a la banda de Eddie Palmieri, "El Son" por un periodo breve antes de moverse a trabajar con el "Conjunto Libre", la banda dirigida por el gran timbalista, Manny Oquendo.

Inevitablemente, el talento de González lo llevó a formar su propia banda. Su iniciativa fue tomada al final de los años 1970, con una banda llamada "Ya Yo Me Cure" y lanzó un álbum con el mismo nombre en 1979. Sin duda, su verdadero talento afloró con su segunda banda: "Jerry González and the Fort Apache Band" , un territorio de encuentro y de mestizaje en el que las tradiciones latinas y del jazz se codean con absoluta normalidad. Junto a su hermano Andy, crearon una de las propuestas mas sugerentes que han aparecido en el jazz en los últimos años. Los dos primeros álbumes de la banda fueron grabados en vivo en conciertos Europeos. Estos fueron seguidos por su álbum que fue un gran éxito: "Rumba para Monk" en 1989, ganando el reconocimiento de la "Academie du Jazz" francesa con el premio "Jazz Record of the Year".

González y la banda subsiguientemente lanzaron Moliendo Café en 1991. El álbum una vez más demostró la calidad de la banda para tocar jazz inspirado en la música latina con genuina sensibilidad y virtuosidad. Poco después siguieron otros dos álbumes magníficos: Crossroad en 1994 y Pensativo en 1995. Ambos ganaron una nominación a los premios a los Premios Grammy. González y su Fort Apache Band, también ganaron críticas muy favorable por su contribución al video documental sobre el jazz latino, "Calle 54", dirigido por el cineasta, Fernando Trueba. El trabajo también incluyó interpretaciones de famosos artistas cubanos y latinos incluyendo a Tito Puente, Paquito D'Rivera, Machito, Danilo Pérez, Chucho Valdés o Ray Barretto. En el escenario del jazz, Jerry González ha colaborado con estrellas tan reconocidas como George Benson, Kenny Dorham, Anthony Braxton, McCoy Tyner, o Tony Williams.

CARLOS "SIR CHARLES" GONZÁLEZ

El baterista madrileño, Carlos "Sir Charles" González, tras licenciarse en la Facultad de Ciencias de la Información, decide dedicarse profesionalmente al jazz. Después de pertenecer a diferentes formaciones en sus comienzos, funda "Neobop" en 1982. Con "Neobop" ha recorrido la práctica totalidad de la geografía española y ha actuado en festivales nacionales e internacionales. Las actividades de Carlos González como sideman se extienden a trabajos con músicos como James Moody, Jim Snidero, Mike Osborne, Jeff Gordon, Ron Jackson, Gene Shimosato, Pedro Iturralde, Doug Raney o el gran organista Lou Bennett quien, desde 1986 hasta su muerte, requirió frecuentemente su apoyo. Bajo su liderazgo ha realizado numerosísimas giras por España, varios conciertos en Francia y ha acompañado a músicos de primera fila como Clifford Jordan, Frank Lacy, Pony Poindexter, o Eric Barrett. Fue Lou Bennett quien apodó a Carlos como "Sir Charles".

A partir de junio de 1993 crea la sección rítmica del legendario "Whisky Jazz" de Madrid junto a Fabio Miano y Richie Ferrer bajo el nombre de "Milestones Trío". Con esta rítmica han acompañado a Jeanne Lee, Bob Mover, Valerie Ponomarev, Grant Stewart, Gary Bartz, Eric Alexander, Kirk McDonald y Ricky Ford en numerosas giras a lo largo de la década. En agosto de 1999 es requerido por el grupo de teatro "Narea" para escribir la música de la obra "El último sueño" y a finales de 2000 aparece en la película "Atrapada en un blues". Desde ese mismo año forma parte del grupo "BAC Trío" con quien graba un magnifico disco.

Sus actividades dentro del jazz, al margen de las de músico, se han extendido al campo de la crítica (Diario ABC), textos de contraportadas del sello Roulette, asesoría musical en el programa televisivo "Jazz entre amigos" y colaboración en la Enciclopedia del Jazz publicada por la editorial Sarpe en 1980. Ejerció también como discjockey ("Ragtime Jazz Bar") y realizó y presentó, junto con "Buji", el programa "Y ahora Jazz" en Radio Popular de Madrid FM (1974-77). Su labor como conferenciante se reavivó a partir del 2000, año en el que con su charla sobre la historia del desarrollo estilístico de la batería de jazz, visitó diversos festivales.

BABS GONZALES

De nombre real, Les Brown, el cantante, Babs Gonzales, tuvo que cambiarse el nombre debido a la necesidad de conservar uno de sus primeros empleos como chofer del actor, Erroll Flynn. Así podía inscribirse en los hoteles con su jefe allí donde no admitían clientes ni personal de color.

Como en el caso de Slim Gaillard, Babs Gonzales, no ocupa el lugar que le corresponde en la historia del jazz, ni tampoco el que merece. Ese parece ser el destino que parece perseguir a todos aquellos músicos afro americanos que se decantaron por el espectáculo y las variedades y a caballo entre el Rhythm and Blues, el Jive o incluso como es este singular caso, el bebop. Babs Gonzales, supo crearse un repertorio de canciones interesantes, una jerga costumbrista muy cuidadosamente dosificada y su onomatopeya mas singular - el celebre "Oop-Pop_A-Da - popularizada por el gran trompetista Dizzy Gillespie, o su versión vocal de "Ornithology", en la que pone de manifiesto su descarado dominio del scatt, es solo algunos ejemplos de la habilidad de este singular cantante adscrito al mundo del bebop. Su legado discográfico es bastante escaso y es destacable por lo disponible del mismo, el disco que grabó con el también cantante, Slim Gaillard, titulado: "Shuckin' And Jivin'".

PAUL GONSALVES

El saxofonista tenor, Paul Gonsalves, creció en Rodhe Island y en 1936 eligió la guitarra como primer instrumento para sus lecciones de música, sin embargo muy pronto se cambio al saxo tenor y pasó a tocar en bandas de su localidad natal en Boston hasta que tuvo que ingresar en el ejercito en 1942.

Al licenciarse cuatro años mas tarde, regresó a Boston durante un breve periodo de tiempo y luego se unió a la banda de Count Basie, donde consiguió con su sonido característico influenciado por Ben Webster y Illinois Jacquet, convertirse en una estrella solista de la banda con un toque y sonido modernista hasta su marcha en 1949. Durante un breve periodo de tiempo estuvo en la banda de Dizzy Gillespie (1949-1950) antes de que esta se disolviera. Tuvo suerte y el maestro, Duke Ellington, lo contrató para su afamada orquesta. Su papel en la misma, era la de un saxofonista experimentado y maduro y su oportunidad de brillar con luz propia le alcanzó súbitamente cuando la orquesta de Duke Ellington, atravesaba una de sus peores rachas.

Fue en el festival de jazz de Newport de 1956, cuando la orquesta por orden de Ellington, tocó de manera continuada y seguida las dos secciones de "Diminuendo and Crescendo in Blue". Aquella noche memorable, la orquesta de Ellington tuvo al publico bailando ininterrumpidamente por los pasillos y con Paul Gonsalves, el autor del milagro musical convertido en una estrella desde aquel día. Paul Gonsalves, era un hombre tímido, con graves problemas de bebida pero aportó con su música mucha calidad a una orquesta ya bien engrasada.

Paul Gonsalves, se aventuraba de vez en cuando a tocar fuera de las filas de la orquesta de Ellington para hacer apariciones en solitario y grabar álbumes a su nombre, aunque sus mayores éxitos fueron en el seno de la orquesta de Ellington. Paul Gonsalves falleció en 1974, solo dos meses después de la desaparición de Ellington.

BENNY GOLSON

Benny Golson, es un saxofonista con unas dotes para la composición extraordinaria. Estudió música en la Universidad de Howard entre 1947 y 1950, y sus comienzos musicales tuvieron lugar al calor del Rhythm and Blues, cuando ingresó en la banda de Bull Moose Jackson en 1951. Sus escarceos con el jazz se debieron a la influencia que ejerció en él, el pianista Tadd Dameron, con quien compartió un periodo fructífero en 1953. También al año siguiente participó con la banda de Lionel Hampton entre 1953 y 1954 y los dos años siguientes con el saxofonista, Johnny Hodges.

Su encuentro con el trompetista, Dizzy Gillespie, entre 1956 y 1958 le marcó profundamente y durante los últimos años de la década de los cincuenta, consiguió una reputadísima fama de magnifico instrumentista. Su experiencia mas fructífera y por la que se le conoce en la historia del jazz fue cuando participó con el trompetista, Art Farmer, en la cofundación del célebre grupo de jazz bautizado como "The Jazztet". Sus composiciones tituladas: "Blues Marsh"; "Stablemates" o la extraordinaria, "I Rememberd Clifford", en honor del excelente trompetista, Clifford Brown, son muy celebradas.

Durante los años setenta, abandonó la escena en directo del jazz para dedicarse principalmente a los arreglos para estudio - con cantantes como Peggy Lee o Lou Rawls- pero desde los años ochenta ha vuelto a formar sus propios grupos. Colaboró de nuevo con Art Blakey, Gillespie y el propio, Art Farmer y sus proyectos mas recientes lo ha hecho con el extraordinario trompetista, Terence Blanchard. Sus últimos discos por el momento están grabados para el sello Arkadia.

JOSETXO GOIA

Josetxo Goia-Aribe, saxofonista y compositor navarro, basa gran parte de su trabajo en tomar y considerar la música tradicional de su tierra, transgrediéndola y llevándola así a espacios musicales más universales, todo ello con una dosis de creación personal. Su música es valiente, arriesgada y heterodoxa. La trayectoria de este músico comienza por una larga experiencia en diferentes estilos musicales. Esta experiencia le conducirá poco a poco a comenzar una etapa más personal liderando sus propios grupos y editando tres discos a su nombre.

En su primer trabajo "Auñamendi" Josetxo Goia-Aribe junto a tres músicos parisinos, hace un viaje por la geografía navarra donde, tomando elementos del folklore, nos transporta a mundos sonoros más contemporáneos. Luego vendrá "Eunate", una aventura musical en la que este saxofonista nos plantea un dúo de violoncello y saxofón, algo inusual y poco convencional donde podemos escuchar 13 composiciones que se hacen cómplices con el silencio, con un resultado novedoso lleno de sugerencias.
En su 3ª CD de título "Herrimiña" donde encontramos colaboraciones de alto prestigio, un repertorio con aires atlánticos y mediterráneos, la aparición de la voz en forma de "jota" y en definitiva propuestas muy diversas que dan un colorido especial a este disco, hermano de los dos anteriores. Por último su 4º C.D de nombre "Ilhargi-min" en el que la cantante vasco francesa Maddi Oihenart pondrá la voz a diferentes textos clásicos y contemporáneos de la literatura vasca. El piano, la voz el saxo y el contrabajo conforman los timbres de la última entrega de este musico inquieto e innovador

JIMMY GIUFFRE

De personalidad compleja, el multiinstrumentista Jimmy Giuffre, empezó a estudiar clarinete a los nueve años dominando poco después el instrumento completamente. Se pasó luego al saxo tenor y en 1942 se diplomó en música por la Universidad Estatal de Texas. Prosiguió sus estudios musicales en Los Ángeles durante ocho años con Wesley la Violette quien le enseño los secretos de la composición. Durante su permanencia en el Ejercito tocó el clarinete y el saxo en una banda militar y cuando se licenció, en 1946, se apuntó en una orquesta sinfónica, la "Dallas Symphony" donde tocó el saxo tenor en "Porgy and Bess". Al año siguiente estuvo con la orquesta de Jimmy Dorsey y en el 48 con el baterista Buddy Rich y su famosa orquesta.

En 1949 su carrera da un salto cualitativo importante cuando ingresa en la orquesta de Woody Herman. Fue Giuffre quien sin proponérselo dio a aquel grupo tras la composición de un tema dedicado a la sección de saxos de la orquesta y que titulo: "Four Brothers", un tema que atrajo para si toda la atención de la critica. Tras un largo paréntesis a principios de los años cincuenta, Jimmy Giuffre reaparece entre 1953 y 1955 como saxofonista y arreglista de Shorty Rogers al que ayudó de manera espectacular al éxito del grupo "Shorty Rogers and his Giants" que contaba en sus filas con extraordinarios músicos como el saxo alto Art Pepper, el pianista, Hampton Hawes y el baterista, Shelly Manne, todos ellos insignes representantes del mejor jazz que se hacía en la época en la Costa Oeste norteamericano.

En diciembre de 1956, Jimmy Giuffre grabó para el sello Atlantic el álbum que definitivamente le encumbraría a la fama de por vida y por el que pasaría a la historia del jazz: "The Jimmy Giuffre 3" fue en palabras del propio Giuffre escritas de su puño y letra en la portada, el disco por el que la composición primaba por encima de la instrumentación. Con un sonido sobrecogedor y un estilo originalísimo, Giuffre se posicionó por muchas semana consecutivas a la cabeza de la vanguardia jazzistica. Subido en la cima del jazz moderno, Jimmy Giuffre tuvo a partir de entonces una actividad frenética que le llevaría a colaborar con multitud de grandes músicos, siendo su encuentro con el trombonista Bob Brookmeyer otro de sus momentos importantes. Grabó con él un extraordinario disco titulado "Traditionalism Revisited" que compuesto totalmente por temas jazzisticos de los años veinte, supo readaptarlos con extraordinaria maestría y sacarles todo el jugo que escondían.

En 1960, Jimmy Giuffre grabó algunos temas para clarinete y cuerda en Baden-Baden y nuca perdió la sensibilidad necesaria para adaptarse al jazz moderno y su propia evolución. Entre 1963 y 1966 creo un nuevo trío formado esta vez con Paul Bley al piano y Steve Swallow al contrabajo. A finales de los sesenta se dedicó a la enseñanza en la Universidad de New York, en el Livingston College y en el Wagner College. Regresa a la música en activo a principios de los setenta junto a Paul Bley, un pianista que era muy de su grado y el guitarrista, Bill Connors. Si bien la música es excelente, no tiene la frescura de los primeros tríos de Giuffre. Jimmy Giuffre es una de las grandes figuras del jazz moderno.

DIZZY GILLESPIE

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.

Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.

Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la tensión de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que mas adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.

Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.

Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".

Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.

Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.