BILLY DRUMMOND


Baterista sutil y de gran sensibilidad, Billy Drummond, pertenece a esa nueva generación de músicos llegados al jazz a mediados de los años ochenta y que se entusiasmaron con la música del ultimo periodo de Miles Davis. Músico con un finísimo oído, sus influencias en la batería hay que buscarlas en el hardbop representado esencialmente por los bateristas, Max Roach y sobre todo por Art Blakey, todo un ídolo para Drummond.

En 1988, con apenas treinta años, llega a New York y logra integrarse en el circuito de conciertos para músicos jóvenes con un grupo muy joven al que denominó "Out of the Blue" (OTB) con quien llegó incluso a grabar su primer CD para el sello Blue Note. Su contacto con la Gran Manzana le proporciona la ocasión para grabar al lado de grandes músicos como: Sonny Rollins, Joe Henderson, Jay Jay Johnson, Pat Metheny o James Moody. A principios de los noventa graba tres discos como líder. El primero de ellos titulado: "Native Colours" lo graba junto a Steve Nelson, Steve Wilson, Rene Rosnees y Ray Drummond. El segundo álbum, titulado: "The Gift" incluye a Seamus Blake, Peter Washington y nuevamente Rene Rosnees. Su gran éxito llega en 1996 con el tercero, el disco titulado: "Dubai" con el que consigue situarse en el primer puesto de la prestigiosa revista "New York Times Jazz" dirigida por el critico especializado en jazz, Peter Watrous.

Recientemente, Billy Drummonds estuvo en España en el marco del Festival de jazz de Granada donde actuó acompañando a la cantante Sheila Jordan y al pianista, Steve Khun.

THE DOUBLE SIX OF PARIS


Biografía no disponible Mis Discos de The Double Six of Paris

KENNY DREW


El pianista Kenny Drew fue animado en su infancia por su madre, pianista clásica para que se interesara por la música. De adolescente estudió en la "Hig School of Music and Art" de New York y debutó profesionalmente acompañando a una orquesta estudiantil sin renombre. Estudio la música de Fats Waller, Art Tatum y Teddy Wilson, tres clásicos del piano de jazz en la era del swing y sus primeras influencias. En aquella época la Calle 52 de Harlem era un hervidero musical de nuevas ideas y alternó sesiones en directo con Sonny Rollins, Jackie McLean y Art Taylor. En uno de los clubes de la Calle 52, escuchó una noche tocar el piano a Bud Powell y el sonido del maestro del piano bebop, lo cautivó para siempre.

En 1950 grabó su primer disco para Blue Note aunque liderado por Howard McGhee, y junto al trombonista, Jay Jay Johnson y Brew More. A finales del cincuenta y principios de 1951, Kenny Drew tocó al lado de las grandes vacas sagradas del jazz como los saxos tenores, Coleman Hawkins y Lester Young, y también con Charlie Parker. Al año siguiente se traslada a California donde formo un trío propio con el que actuó en diversos clubes de San Francisco y Los Ángeles. Allí grabaría su primer disco como líder junto a Curley Russell y Art Blakey. De vuelta a New York acompaña a la cantante Dinah Washington y toca durante dos meses con los Jazz Messenger de Art Blakey. De Junio de 1958 a marzo de 1959 actuó de manera consecutiva con el grupo de Buddy Rich antes de formar un nuevo trío, su formula musical preferida, y actuar en el estado de Florida.

En 1960 actuó en el Festival de jazz de Newport y formo parte del cuarteto de Kenny Dorham. Al año siguiente viaja por primera vez a Europa actuando en Paris, Bolonia y Copenhague donde contrajo matrimonio con la hija del pianista Leo Mathisen. En Copenhague actuó asiduamente en el "Montmartre Jazzhus" con Dexter Gordon, Johnny Griffin, Jon Henderson, Hank Mobley, Ben Webster o Don Byas. Trabó una gran amistas con el contrabajista danés, Niels-Henning Orsted Pedersen y formo un dúo con el ampliándolo ocasionalmente con el añadido del guitarrista belga, Philip Catherine. Sus discos para el sello danés "Steplechease" son además de numerosos, magníficos y prácticamente con todo el amplio abanico de músicos que estaban de visita en Dinamarca.

Kenny Drew fue un pianista extraordinario, dotado de una refinada técnica, de garra y precisión, valores con los que evitaba adornarse con florituras innecesarias.

TOMMY DORSEY


Thomas Francis Dorsey, nació en el seno de una familia cuyo padre fue profesor de música y desde pequeño a el y a su hermano, les enseña a tocar la trompeta, pero después de un tiempo alternando esta con el trombón, se decide por este ultimo instrumento. Con una sólida formación musical, ya a principios de los años veinte, organiza su primer grupo que codirige con su hermano Jimmy y que titula primero como "Dorsey's Novelty Six" para luego rebautizarlo como "Dorsey's Wild Canaries" actuando regularmente en Baltimore. En 1923, ambos hermanos entran en la orquesta de "Scranton Sirens" y al año siguiente dan un paso mas en su carrera pasando a ser miembro de los célebres "California Ramblers".

En la segunda mitad de los años veinte participará en una impresionante serie de discos como miembro de las diferentes orquestas donde toca en calidad de "sideman" junto a músicos de enorme prestigio en la época. No será sin embargo hasta 1935 cuando después de un distanciamiento con su hermano, Tommy forma la primera "Tommy Dorsey Orchestra" firmando a renglón seguido un contrato discográfico con el sello RCA. Una vez perfeccionado el sonido, a mitad de camino entre la banda de Glenn Miller, cuya música es mas "sweet" y la de Benny Goodman, que toca exclusivamente swing, Tommy Dorsey, conquistará con su música a amplios sectores del publico que va a verle actuar y que lo mismo pedían una melodía para bailar con ese estilo romántico que le caracterizaba, como les hacia saltar de sus asientos con el swing mas irresistible.

Esa sonoridad melódica irreprochable le valdrá que muy pronto sea conocido como "The Sentimental Gentleman Of Swing". Por los pupitres de su orquesta pasaron infinidad de grandes músicos y arreglistas y cantantes entre los que destacó sin duda, el maravilloso Frank Sinatra que colaboró sin ningún genero de duda en popularizar el jazz y la orquesta de Dorsey entre el publico americano. Con el final de la era del swing y la desaparición de prácticamente todas las bigbands del jazz, Tommy Dorsey disolvió la suya y empezó un periodo de colaboración con Hollywood de la que salieron varias películas interesante sobre todo en el aspecto musical.

Por suerte el paro de la orquesta es temporal y en 1953 decide junto a su hermano una vez reconciliado, formar de nuevo la famosa "Dorsey Brothers' Orchestra" que se mantendrá con relativo éxito durante tres años mas. En 1956 una indigestión combinada con la administración de varios fármacos para dormir, le provocaron un paro cardiaco que acabó con su vida. Era el 26 de noviembre de 1956.

KENNY DORHAM


Kenny Dorham, fue un trompetista enorme y magnifico mientras vivió. Dotado de un fraseo lírico dentro de un estilo musical duro como es el hardbop, siempre le caracterizó un espectacular fraseo a la trompeta. Sus comienzos musicales fueron ni mas ni menos como trompetista destacado en 1945 en las orquesta de dos músicos del bebop como fueron, Dizzy Gillespie y Billy Eckstine. El magnifico trabajo desarrollado en esas formaciones, le valió que el mismísimo Charlie Parker lo incorporara a su quinteto durante los años 1948 y 1949. Su siguiente trabajo fue con el batería Art Blakey, quien lo incorporó a su recién formado combo "The Jazz Messenguers".

Por esa época formó un pequeño grupo al que denominó "The Jazz Prophets" y cuando murió Clifford Brown, el grandioso batería, Max Roach lo llamó para que ocupase su lugar en su quinteto, lo que hizo durante los años 1956 y 1958. A pesar de esa formidable competencia, Dorham siempre mantuvo el listón alto y su paso por los quintetos de Charlie Parker primero y de Max Roach después, le encumbraron hasta lo más alto del podium de los trompetistas del hardbop.

Kenny Dorham, dejó para la posteridad un tema titulado "Blue Bossa" que ha pasado a engrosar el repertorio de clásicos del jazz moderno y junto a numerosos arreglos para otros músicos, le valieron para ganarse una merecida reputación de compositor eficiente e inspirado.

LOU DONALDSON


Lou Donaldson, encarna con bastante fiabilidad, el tipo de instrumentista asociado a un sonido -el funk- y a un sello discográfico - Blue Note -. Donaldson es efectivamente, uno de los padres de ese sonido característico del jazz del último cuarto del siglo XX y su sonido está cálidamente enraizado en el blues. Si a ello se le une una magnifica capacidad técnica, y un dominio absoluto del saxo, podemos afirmar que Lou Donaldson, es uno de los grandes saxofonistas de jazz vivos en la actualidad y forma junto a estrellas consagradas del jazz como Art Blakey, Lee Morgan, o Horace Silver de la nomina de músicos estables de la Blue Note.

Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar como sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, mas creativa si cabe que la anterior, mas madura y mas lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green.

CHANO DOMÍNGUEZ

Chano Domínguez nace en Cádiz el 29 de Marzo de 1960. Su padre, gran aficionado al flamenco, le regala a Chano una guitarra cuando este tan solo tenia ocho años. De este modo se introdujo Chano Domínguez en la música. A los doce años entró a formar parte del coro de su parroquia, lo que le permitió empezar a tocar (a escondidas), el viejo Órgano de fuelles de la iglesia. Tanto conquistó a Chano el sonido del piano, que empieza a tocar tanto en grupos de música folklórica como en grupo de música comercial.

Con 18 años forma el grupo CAI, con los que grabó su primer disco. CAI fue uno de los máximos exponentes en el movimiento musical denominado "rock andaluz". El grupo se disolvió dos años más tarde, en 1981, a la vez que Chano se aproxima cada vez más al Jazz. En la década de los 80, empieza a trabajar con el mítico grupo español Hiscadix, lo que le supone un salto al panorama jazzistico internacional. Ganador de la Primera Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes, celebrada en Palma de Mallorca en 1986. En 1987 participa en el Festival Internacional de la U.E.R. en Suecia; en 1988 realiza una gira por Alemania y al año siguiente por Bélgica; en 1990 llega a la final del concurso Internacional de Piano, Martial Solal, celebrado en París.

En 1992, forma su propio Trío. En su mente está la idea de fusionar los ritmos del flamenco (Alegrías, Soleas y Bulerías), con las formas musicales del Jazz. Este mismo año obtiene, por unanimidad del jurado, el Primer Premio en la Muestra Nacional de Jazz para Jóvenes Intérpretes en Ibiza. Después de una vertiginosa carrera por festivales y teatros de todo el mundo, edita su primer trabajo en solitario, y para ello cuenta con la colaboración de Carles Benavent, "El Bola", Jorge Pardo, etc. Chano es un pianista inmerso en varias culturas, con una línea de trabajo muy libre.

Aupado por este reconocimiento profesional a su trayectoria y concepto personal del Jazz y Flamenco, el pianista gaditano edita su primer trabajo en solitario titulado "Chano". En este trabajo se encuentra arropado por los otros dos componentes de su trío: Javier Colina y Guillermo McGill. En 1994, realiza junto a Jorge Pardo, el álbum "10 de Paco", basado en composiciones del genial guitarrista andaluz, Paco de Lucía.
En diciembre del 97 aparece su disco grabado en directo en el Café Central de Madrid, "Directo a Piano Sólo", trabajo que recoge composiciones propias y Standards españoles y americanos. En 1998, la revista "Cuaderno de Jazz" le otorga el premio al Mejor CD de Jazz del 98 por su trabajo "Directo a Piano Sólo" y con este mismo álbum gana la Tercera edición de los Premios de la Música al mejor álbum de jazz. Junto a los músicos, Hozan Yamamoto, y Javier Paxariño producen el CD "Otoño".

En 1999 graba su nuevo trabajo "Imán". Con este trabajo gana el premio al mejor álbum de jazz en la IV Edición de los Premios de la música. Chano Domínguez, al que apoloybaco ha podido presenciar en directo en varias ocasiones en el Teatro Central de Sevilla y en otras localidades de Andalucía, continua su prolífica y magnifica carrera para deleite de los buenos aficionados.

ERIC DOLPHY


En muy pocas ocasiones se ha visto en el jazz una carrera musical tan breve y al mismo tiempo tan fructífera y tan revolucionaria como en el caso del maestro Eric Dolphy. Multiinstrumentista, virtuoso del clarinete bajo, un instrumento en desuso en su época y que actualmente está recuperado para el jazz; flautista de excepcional calidad, Dolphy, en apenas seis años se situó a la vanguardia de la renovación del jazz de los años sesenta y es una pieza clave e indiscutible del jazz moderno.

Inició su carrera musical en la orquesta de Roy Porter's, en Los Ángeles donde estuvo un par de años entre 1948 y 1950. Una vez hecho el servicio militar, participó en el quinteto de Chico Hamilton en 1958. Ya el año siguiente conoció a su amigo inseparable, el genial bajista Charles Mingus, y formando parte de su cuarteto colaboró en algunos de los momentos mas brillantes de la producción jazzistica del genial compositor. Dolphy fue también contemporáneo del gran Ornette Coleman, compartiendo con él, el doble cuarteto de "Free jazz" un álbum que mas que un disco cualquiera, es un manifiesto de las nuevas tendencias musicales de la época. Su paso por el grupo de John Coltrane en 1961, produjo igualmente un disco excepcional titulado: "África Brass".

Eric Dolphy, tuvo en el breve tiempo que estuvo en activo diversas formaciones que labraron un camino propio en la música improvisada y en el jazz moderno. Junto a él tocaron prácticamente todos los grandes de la época, desde el pianista, Herbie Hancock al saxofonista Booker Little, desde el vibrafonista Bobby Hutcherson, al trompetista, Freddie Hubbard. En pleno éxito y en el momento de mayor madurez de su carrera, murió en Berlín la noche del 29 de junio de 1964, dos días después de llegar a Alemania y como consecuencia de un ataque de diabetes, algo a lo que Mingus se negó a reconocer nunca. Para él, la muerte de su amigo Eric, estaba provocada por la CIA dado los antecedentes políticos de Dolphy.

CLARINETE


Nacido en el seno de una familia negra, pobre y numerosa, uno de sus cinco hermanos fue el célebre baterista, Warren "Baby" Dodds. Se trasladó a New Orleáns con su familia siendo aun muy pequeño y sus primeros pasos musicales coincidieron con una de las mejores épocas de Sidney Bechet, el ídolo local del clarinete. Como tantos otros, cuando Johnny escuchó tocar a Bechet, decidió adoptar el clarinete siendo una de sus primeras y decisivas influencias.

Johnny Dodds aprendió a tocarlo con una pasmosa rapidez y dos años mas tarde de sus primeros escarceos profesionales, ya tocaba en la orquesta del trombonista, Kid Ory, uno d de los músicos de New Orleáns mas famosos de su tiempo y líder de una de las grandes orquestas de la ciudad. Con Kid Ory, estaría hasta 1917. Desde esa fecha hasta 1919, tocó en la orquesta de Jack Carey y en la "Eagle Band" del legendario trombonista, Frankie Duson, compañero del no menos legendario cornetista, Budy Bolden. Durante seis meses tocó en el "Capitol" uno de los famosos barcos de vapor que cruzaban el río Mississippi a las ordenes de Fate Marable.

En 1919 se trasladó a Chicago donde se incorporó a la famosa "Creole Jazz Band" del cornetista, Joe "King" Oliver en sustitución precisamente de Sidney Bechet que se marchaba a Europa. Con Oliver estuvo cuatro extraordinarios años hasta que llegó el ocaso del cornetista. Después estuvo una breve temporada con el trombonista, Honoré Dutrey en el famoso club "Dreamland" de Chicago a principios de 1924 siendo contratado a continuación por otro extraordinario músico, el cornetista, Freddie Keppard, uno de los grandes patriarcas del jazz de New Orleáns y con el que actuó en el famoso Bert Kelly's Stable. Johnny Dodds se hizo cargo de la orquesta cuando se marchó Keppard.

Entre 1923 y 1929, Johnny Dodds fue uno de los clarinetistas mas solicitados trabajando para una larga lista de grandes músicos como, Louis Armstrong, o Jelly Roll Morton. En 1938 realizó su primer y único viaje a New York para intervenir en una serie de grabaciones junto al trompetista, Charlie Shavers, la pianista, Lil Armstrong, el guitarrista, Teddy Bunn, el contrabajista, John Kirby y el baterista, O'neil Spencer. Tras su vuelta a Chicago reanudó sus actuaciones en varios clubes de la ciudad pero ya empezó a tener problemas de salud. Alternando periodos en los que su salud le permitía tocar, actuó con su hermano Warren de manera esporádica hasta que la muerte le sorprendió el 8 de agosto de 1940 a consecuencia de una hemorragia cerebral.

Johnny Dodds formó parte del triunvirato por excelencia de los clarinetistas de New Orleáns junto a Sidney Bechet y Jimmie Nonne, siendo Dodds además de el mayor de ellos, el que representa une estilo mas conservador y mas vinculado a la vieja guardia criolla del jazz. Fue en ese instrumento el músico de color mas importante de la historia del jazz. Colaboró intensamente en las famosas grabaciones de los "Hot Five " y "Hot Seven" de Louis Armstrong entre noviembre de 1925 y diciembre de 1927, grabando además pocos, pero significativos discos, con Earl Hines al frente de los "Johnny Dodds and Black Botton Stompers" en abril de 1927.

TINO DI GERALDO


Tino di Geraldo nació en Toulouse (Francia) de padres asturianos, pero toda su carrera musical ha transcurrido en nuestro país. Sus comienzos fueron en grupos de punk como Tapones Visente, pero ello no le impedía acompañar a cantautores como Luís Eduardo Aute y, sobre todo, Pablo Guerrero. Al mismo tiempo comenzó a grabar flamenco, primero con Diego Carrasco y luego con Camarón, Manolo Sanlúcar, El Pele, Vicente Amigo y Pepe Habichuela. También formó parte en sus inicios de Cómplices, y después de Rico, el grupo de Luz Casal y de Juan Perro. En aquel periodo, participó en tres grabaciones importantes: el "Quartet" de Suso Saiz, un disco con Paco de Lucía, y el genial "Vivo" de Golpes Bajos. Sus éxitos mas sonados y por lo que fue muy conocido, se debe a su participación del legendario trío que formaba junto al guitarrista bajo, Carles Benavent y al saxofonista y flautista, Jorge Pardo. Con ésa formula recorrió a finales de los años noventa toda España y actuó en los más importantes Festivales de Jazz del mundo.

JACK DIEVAL

Pianista y Director de orquesta, Jack Dieval se decidió por el jazz tras ganar varios premios en el Conservatorio de música de su ciudad natal , entre ellos una beca para estudiar música en Paris. Allí coincidió con Django Reinhardt y Alix Combelle quienes vieron sus facultades al piano y lo animaron a que su carerra profesional se deslizara hacía el jazz. Poco tiempo despues formaría su primera orquesta de swing con quien recorrería toda Francia.

En 1954, y tras una agotadora campaña de conciertos, espectáculos y festivales, Jack Dieval, creó un programa de radio en una emisora de Paris, al que titulo: "Jazz Aux Champions Elysées". Durante los dieciocho años que duró, Jack Dieval daría a conocer al publico europeo a muchísimos músicos de jazz. El programa de radio de Jack Dieval, se convirtió en aquellos tiempos en uno de los mas señeros del jazz en toda Francia y durante esos 18 años de emisiones radiofónicas y también televisivas, Jack Dieval no desaprovecho la ocasión para, esporádicamente,. acercar el jazz a los aficionados de la música clásica.

MANU DIBANGO


Nacido en Duala (Camerún) en 1933, Manu Dibango es el creador del género musical conocido como makossa. Sus múltiples grabaciones y sus giras como saxofonista y compositor por Europa, África y Estados Unidos, marcaron durante décadas la música popular en los tres continentes. Artista muy comprometido con las raíces afroamericanas y sus vertientes musicales, cuando se acerca al jazz, lo hace sin perder sus señas de identidad y entroncando el folklore popular de Camerún con los sonidos ancestrales del blues. Dibango es sin duda alguna uno de los grandes músicos del continente africano, y cuando se acerca al jazz, lo hace además de con respeto, con una calidad excelente.

Conocido humanista y luchador contra las desigualdades sociales, Manu Dibango fue condecorado en 2004 por el Director General de la UNESCO, Koichiro Matsuura, como "Artista de la UNESCO para la paz" en reconocimiento a su contribución al desarrollo de las artes, de la paz y del diálogo entre las culturas del mundo. Creador del género musical conocido como "makossa", la discografía de Manu Dibango es abundante, variada y polirítmica. Dotado de una extraordinaria habilidad para el uso de varios instrumentos (Toca el saxo tenor, el soprano, el alto y barítono, la flauta, el piano, el vibráfono y el órgano hammond) sus discos son seguidos por un público fiel y admirador de su arte.

RAMÓN DÍAZ

ESTUDIOS

El Taller de Músics de Barcelona, I curso de especialización en Música Moderna y 6 Seminarios Internacionales, clases de instrumento con Idris Mohamed, Jorge Rossy y Quim Solé.

COLABORACIONES

Mozaik Jazz Quartet, Mambaya Avangard Ensemble, Zé Eduardo Unit, Big Band Taller de Músics, el programa “El Pendol” de TV2, Michael Mcaine Blues Band, Carliños Pitera, Lluís Coloma Trio, Macaronesis, etc....

HA TOCADO CON

Dave Schnitter, Jean Toussaint, Greg Lyons, Jim Left, Joe Fonda, Tom Warner, Wayne Bachelot, Javier Colina, Ramón Cardo, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Zé Eduardo, Horacio Fumero, Tom Guillion, etc.

SEMINARIOS

Con Billy Hart, Max Roach, John Abercrombie, Donald Harrison, Mulgrew Miller, Gal Harper, Richard Beirach, Trilok Gurtu, Peter Erskine y David Liebman.

HA PARTICIPADO

En la I, II, III, IV y V Mostra de Jazz Europeo, La Mercè 90 y 91, festivales de jazz de La Laguna, Debrecen (Hungría), Terrassa, Lugo, Logroño, Getxo, Barcelona, San Sebastián, Las Palmas, Santander (Universidad Menéndez Pelayo), Altaveu Frontera, Jazzatlantic (Tenerife), Beirut (Líbano), Casablanca (Marruecos). Giras por España, Francia, Portugal, Líbano, Colombia, Hungría y Brasil.

PREMIOS

Al mejor batería Canarias 87, mejor grupo I Muestra regional de Jazz 86, mejor grupo Festival Internacional de Jazz Getxo 90 y mejor solista Festival Internacional de Jazz Getxo 91.

EN LA ACTUALIDAD

Trabaja con Ramón Díaz Group, Jaume Vilaseca Quartet, Mad Factory, Santi Galán Quartet, Aiguaviva Quartet, profesor del Taller de Músics y músico freelance.

PAUL DESMOND

De padre alemán y madre irlandesa, El saxofonista Paul Desmond, recibió las primeras nociones de música de manos de su padre, que durante cierto tiempo había estado tocando el órgano en un cine mudo para acompañar las escenas de las películas y más tarde hizo de arreglista para orquestas de baile. Desmond estudió en el San Francisco Polytechnic y en el State College donde consiguió diplomarse en el clarinete, un instrumento que siempre la había fascinado. Fue en 1950 cuando decidió adoptar el saxo alto como su instrumento definitivo y con el que tuvo sus primeros escarceos con la música profesional en el seno del grupo de Jack Fina.

Influenciado por el maestro, Johnny Hodges y sobre todo por el sonido del saxo de Pete Brown, saltó a la diez años mas tarde cuando el pianista, Dave Brubeck, con quien permaneció la friolera de diecisiete años y al que conocía desde 1943, lo llamó para formar parte en 1951 de su cuarteto. En ese grupo, Paul Desmond era el músico con mas talento de todos y contribuyó esencialmente en el éxito del combo con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck, especialmente en el extraordinario tema: "Take Five" para Columbia grabado en el año 1962 con el álbum "Time Out" fue extraordinaria y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del cuarteto de Brubeck. Fuera del contexto del grupo de Brubeck, Paul Desmond grabó, no sin cierto disgusto de Brubeck, algunos discos extraordinarios con el saxo barítono, Gerry Mulligan, y con el guitarrista, Jim Hall. también grabó varios discos a su nombre fundamentalmente cuando se disolvió el cuarteto.

En los setenta, Paul Desmond casi desaparece de la escena musical del jazz debido a sus endémicos ataques de pereza, sus problemas con el alcohol y también por la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que le quitaría la vida: un cáncer de pulmón. En 1972 reaparece efímeramente al lado de Dave Brubeck en el Festival de jazz de Newport. Decidió escribir su propia autobiografía pero otra vez la pereza le impidió pasar del primer capitulo. En 1974 se instala en el famoso "Half Note" de New York con su propio cuarteto donde noche tras noche deleitaba a sus numerosos seguidores. Saxofonista infravalorado hasta hace muy poco, hoy la critica le reconoce lo que le negó en vida: ser uno de los grandes músicos de jazz de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos y un maestro en el arte de la improvisación, siendo su sonido reconocible desde las primeras notas.

Dotado de un fino humor, (el seudónimo de Desmond, lo buscó en una guía de teléfono), dejó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley's y especificó en su testamento que su cuerpo fuese cremado porque, textualmente, no quería ser un monumento camino del aeropuerto. En New York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios.

MATT DENNIS


El compositor y cantante, Matt Dennis, ya dirigió de joven una banda en su escuela en la localidad de San Rafael en California. En 1933 cantó y tocó con Horace Heidt y mas tarde formó un gripo con Dick Haymes donde empezó a trabajar de arreglista. En esa faceta de compositor fue reclamado por las cantantes Margaret Whiting y Marttha Tilton, para acompañarlas en su espectáculo.

Los años cuarenta le ofreció la oportunidad de cantar en la orquesta de Tommy Dorsey donde también se le permitió componer. Muchos de sus arreglos se hicieron celebres en el seno de esa orquesta lo que unido al poder multiplicador de la radio, le abrió las puertas en varias emisoras entre 1943 y 1946. Posteriormente se trasladó Los Ángeles donde actuó como cantante y pianista en varios clubes de la ciudad.

Obtuvo en aquellas fechas un notable éxito que lo convirtió en uno de los mas celebres showman de las televisiones y a ser conocido como uno de los grandes compositores norteamericanos. Temas suyos son standars del cancionero popular americano como: "Fool Rush In" o "Angel Eyes" que se han convertido en auténticos clásicos a lo largo de la historia.

SANTIAGO DE LA MUELA


Nacido en 1960 en Arrecife de Lanzarote, Santiago de la Muela se traslada en su infancia a la Península. Establecido en Madrid, cursa estudios de guitarra clásica con Andrés Batista (obteniendo Diploma con mención especial por méritos y aprovechamiento). En el ámbito del Jazz y tendencias actuales, finaliza, tras seis cursos académicos, los estudios en el Ateneo de Música. Posteriormente desarrolla una intensa vida profesional y académica en EE.UU., graduándose Cum Laude en la Berklee College of Music de Boston. También allí lleva a cabo conciertos y grabaciones como músico de estudio. Compatibilizando la docencia con los conciertos y la composición, ha actuado en diversos puntos de Europa, como Bruselas, Ámsterdam o Munich. La crítica de dichos países lo llegó a calificar como "uno de los más interesantes guitarristas de Jazz españoles, caracterizado por una interpretación plena de buen gusto y sensibilidad, y con un carácter propio en todas sus composiciones", y como "un guitarrista con una técnica envidiable, puesta al servicio de un Jazz sin concesiones", como "un músico de enorme sensibilidad en las composiciones e interpretaciones, gran sentido jazzistico y un más que notable swing. En España la crítica ha llegado a decir que "su Trío demuestra que se puede hacer buen Jazz en España sin necesidad de recurrir a fórmulas de fusión con estilos autóctonos y de resultados en muchos casos discutibles".

Con ocasión del 30º Aniversario del programa de Juan Claudio Cifuentes "Cifu" que se celebró dentro del 25º Festival de Jazz del C.M.U. San Juan Evangelista en Madrid, presentó su tercer trabajo titulado: "Lo que nos gusta es esto" un magnifico disco y cuyo evento fue retransmitido en directo simultáneamente a través de Radio Clásica y Radio 3 de Radio Nacional de España, todo un acontecimiento musical que confirmaba la realidad de Santiago de la Muela como figura consagrada del jazz español.

Santiago de la Muela, tiene grabados a su nombre como líder cinco trabajos discográficos que muestran su gran dominio del instrumento, su capacidad innata para la composición y su poderoso swing, tres elementos que hacen de él un guitarrista extraordinario y magnifico representante del jazz español. Respecto a sus colaboradores habituales en directo como líder, tanto Ricardo "Richie" Ferrer (contrabajo) como Carlos "Sir Charles" González (batería) atesoran una amplísima experiencia, avalada por la larga lista de intérpretes con los que han actuado, ya sea por separado o conjuntamente. Barry Harris, Pedro Iturralde, Santiago Reyes, Kirk Mcdonald, Wynton Marsalis, Doug Raney, Lou Donaldson, Jim Snidero o Perico Sambeat son sólo algunos de los jazzmen con los que han compartido escenario.

JACK DE JOHNETTE


Criado desde pequeño en una familia de costumbres musicales, se dedicó al piano clásico alternando esos estudios con los del saxo tenor. Jack De Johnette, demostró asimismo una gran aptitud para tocar la batería y ello le permitió, cuando tuvo la ocasión, de tocar al lado de Lester Bowie y de Roscoe Mitchell en la ciudad del viento. Se trasladó, como tantos otros músicos a New York y allí tuvo algunas experiencias con músicos de Rhythm and Blues. Sus habilidades llamaron pronto la atención y participó como baterista en varias sesiones de grabación al lado de grandes maestros del jazz como Thelonious Monk, John Coltrane, Bill Evans o Miles Davis, con quien colaboraría en la grabación del excepcional álbum "Bitches Brew".

Sus grupos, a los que inicialmente llamaba genéricamente "Concepts" fueron testigo de la evolución del jazz a lo largo de la década de los sesenta y setenta y por ellos pasaron figuras importantes del jazz contemporáneo como, John Abercrombie o Peter Warren. Colaboró como sideman de Keith Jarrett, Stan Getz, Wayne Shorter o con el grupo de Chick Corea. Formó su segundo grupo "New Directions" del que formaron parte, el propio Lester Bowie o Eddie Gómez. Más adelante creó una formula musical bajo el soporte de dos saxofones alineados con el contrabajo y la batería. En 1979 actuó, en medio de una gran polémica por lo atrevido y complejo de su música, en el festival de Jazz de Roma.

Jack De Johnette, ha grabado a lo largo de su carrera con los mejores sellos discográficos: Columbia , Landmark, MCA/GRP, Toshiba, EMI, Blue Note y ECM. En su amplia discografía siempre demostró tener una gran habilidad para tejer ritmos con una poderosa sonoridad timbrica y tonal. Jack De Johnette es sin duda alguna, una de las figuras mas importantes de la batería jazzistica contemporánea

BUDDY DE FRANCO


Hijo de un afinador de pianos, inicio sus estudios de clarinete a los doce años ganando al poco tiempo un concurso para aficionados patrocinado por Tommy Dorsey. Entre 1939 y 1946, participó en diferentes proyectos formando parte de diferentes orquestas, entre ellas las de Gene Krupa (1941-1942), Ted Florito (1943-1944), Charlie Barnet (1945) y Tommy Dorsey (1946). Tras un breve viaje a la Costa Oeste para tocar con Boyd Raeburn, regresó al seno de la orquesta de Tommy Dorsey donde permaneció un año completo entre septiembre de 1947 y 1948. En 1950 formó parte del sexteto que formó Count Basie tras la primera disolución de su bigband.

Tras un fracasado intento de formar su propia orquesta, logró formar establemente un cuarteto con el que realizó una gira por Europa en 1954 patrocinada por el "Jazz Club USA". En 1955 se afincó en California donde desapareció poco a poco de la escena musical. En 1956 participó en una mediocre película "The Wild" y en 1958 tuvo una breve aparición en los Festivales de jazz de Oklahoma y Oregón. Entre 1950 y 1965 dirigió distintos curso académicos y seminarios en colegios americanos y en 1966 sustituyó al baterista, Ray McKinely en la dirección musical de la orquesta póstuma de Glenn Miller formada por músicos que habían tocado con el gran maestro del swing.

Dos años mas tarde, en 1968 dejó la orquesta, a la que dotó de una plantilla de músicos modernos, y se trasladó a Canadá donde ofreció una serie de conciertos con su quinteto y mas adelante fijó su residencia en Panamá City en el estado de Florida donde retomó su actividad jazzistica y escribió algunos libros metodológicos sobre el clarinete, siendo el mejor de ellos el titulado: "Buddy de Franco On Jazz Improvisation". Publica arreglos, compone para diversas orquestas y en 1975 da una serie de extraordinarios conciertos en Suecia.

A lo largo de su carrera, Buddy de Franco ha triunfado en varias encuestas especializadas en jazz, entre ellas el famoso Referéndum anual de la revista Down Beat que durante diez años consecutivos (1945-1954) lo calificó como el mejor clarinetista de todos y el otro referéndum de prestigio concedido por la revista "Metronome" que lo ganó entre 1950 y 1955. Buddy de Franco fue un músico dotado de una capacidad improvisativa como pocos en la historia del jazz y tuvo la maestría de adaptar el clarinete, un instrumento que alcanzó su máximo esplendor en la era del swing, al movimiento bebop y por tanto fue el primer músico que consiguió que el clarinete no se quedara atrás en la evolución del jazz moderno. Su discografía es abundantísima y extensa, pero todavía son recordados los discos grabados junto al maestro del piano Art Tatum en su prestigiosa serie de "Art Tatum Group Masterpieces".

VÍCTOR DE DIEGO


Saxofonista nacido en Bilbao en 1964. Estudia en el Conservatorio superior de música de Bilbao y en el del Liceo de Barcelona, donde obtiene el Título superior de saxofón. Asiste a diversos seminarios internacionales en Bilbao, Madrid y Barcelona con Bob Moses, Roy Haynes, Mulgrew Miller, Max Roach, John Abercrombie y George Garzone. Su andadura profesional comienza en 1984 tocando con grupos como Pork Pie Hat, Infussion y Quartet Creciente, con los que obtiene numerosos premios en los festivales de San Sebastián, Getxo, Mallorca e Ibiza, como el premio al mejor solista en el festival de Donostia en 1986.

Trabaja con la Orquesta sinfónica de Bilbao bajo la dirección del maestro Enrique García Asensio en 1986 y 1987, con la Orquestra de Cambra del Teatre Lliure de Barcelona bajo la dirección del maestro Josep Pons en 1992 y en el 2003, con el Ballet contemporaneo de Barcelona en 1994 y con la Orquesta sinfónica del Estado ruso bajo la dirección del maestro Mstislav Rostropovich en el 2001. También trabaja como músico de estudio y para TVE, TV2, ETB, TV3 y Canal 33 en diversos programas musicales como "Jazz entre amigos", "Jazz & Co." y otros. Asímismo, ha trabajado con grupos de teatro y con artistas como Olga Guillot, Moncho, Nina o Amaia, con la que realiza numerosas giras por toda España entre los años 1986 y 1992.

En 1988 fija su residencia en Barcelona, donde desarrolla su actividad profesional liderando sus propios grupos y colaborando con un gran número de formaciones musicales de todo tipo, con las cuales ha tocado en prestigiosos festivales internacionales de jazz. Además de los ya mencionados, ha trabajado con músicos de la talla de Steve Brown, Sean Levitt, Jordi Bonell, Jordi Rossy, Lluis Vidal, Javier Colina, Carles Benavent, Idrish Muhammad, Jeff Ballard, Kevin Hayes o Al Foster.

PAQUITO D'RIVERA


Nacido en La Habana el 4 de junio de 1948, Paquito D'Rivera fue un niño prodigio al empezar sus estudios musicales a ,los cinco años bajo la tutela de su padre, Tito, un conocido saxofonista y director cubano. A los seis años ya actuaba en público, y a los siete años, se convirtió en el miembro más joven del grupo que supiese tocar un instrumento, cuando se unió a la famosa compañía, Selmer.

En 1958, cuando apenas contaba con diez años, D'Rivera actuó en el Teatro Nacional de La Habana, dejando estupefacto al público y los críticos. Ingresó en el Conservatorio de La Habana a los doce años para estudiar clarinete, composición, consonancia, y "todo lo demás". En 1965, D'Rivera con tan sólo 19 años, convertido en todo un virtuoso del clarinete y el saxo, actuaba por primera vez, como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año, D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, fundaron la famosa Orquesta Cubana de Música Moderna, de la cual fue director durante algo más de dos años. Ocho de los músicos más jóvenes y aventureros de la Orquesta, se unieron a otros tres músicos para formar Irakere, cuya explosiva mezcla de jazz, rock, música clásica y música tradicionalmente cubana no se había escuchado jamás.

La irrupción en los últimos tiempos de la música y los músicos cubanos en el panorama internacional y su masiva implantación posterior en recitales, conciertos y grabaciones varias, así como la proyección cinematográfica que muchos de ellos han tenido en películas como Buenavista Social Club, Calle 54 o en Los Reyes del Mambo, ha sido decisiva para que la música traspasara la Isla de Cuba y sus músicos dados a conocer en todo el mundo. Nadie duda que entre esos grandes músicos está Paquito D’Rivera, uno de los grandes estandartes de dicho movimiento y de los responsables de su implantación.

Tras fundar en 1965 con Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna y posteriormente el citado grupo Irakere, con el que causaron sensación en los festivales de Newport y Montreux (1978), se traslada a los EE.UU. bajo la protección de, entre otros importantes músicos, del maestro del jazz, Dizzie Gillespie. Allí comienza su colaboración con los mejores músicos como Arturo Sandoval, Roditi, Michel Camilo y rescata del ostracismo a Bebo Valdés, un pianista, padre de Chucho Valdés que lograría en los primeros años del siglo XXI, un gran éxito con su disco "Lágrimas Negras" junto al cantaor flamenco Diego "El Cigala". Posteriormente graba con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Lalo Schifrin, y en 1995 por primera vez con el Caribean Jazz Project; poco después gana el Grammy por su disco "Portraits of Cuba". Ha colaborado con Eddie Gómez, Mc Coy Tyner, Herbie Mann, Tito Puente, Astor Piazzolla, etc. y ha publicado sus memorias con el burlón (no podía ser de otro modo) título de "Mi vida saxual"

MEREDITH D'AMBROSIO


De origen italiano, pero nacida en Boston (Massachussets), Meredith D'Ambrosio también se sitúa en el pelotón de cantantes de jazz refinadas, exquisitas y selectivas. Sus comienzos fueron en 1958 con la banda de, Roger Kellaway y pronto destacó por su capacidad para componer música. En 1978 producía ella misma su primer disco titulado: "Lost In Hist Arms" para el pequeño y desconocido sello, "Spring Inm". Tres años mas tarde en 1981, repetía la jugada con su álbum "Another Time" esta vez para el sello "Shiah Records" y reeditado en Cd por la casa "Sunnyside". En este álbum canta y toca el piano en solitario.

Seguidora musical del pianista, Horace Silver, Meredith, siempre tuvo una brillante ejecución, sin demasiados alardes improvisadores pero con una deliciosa manera de retratar los intervalos. En el canto su voz es cálida, con una enunciación perfecta y con un poderoso e interesante matiz en las notas en pianisimo. Al año siguiente graba lo que muchos consideran su mejor álbum para el sello Palo Alto titulado: "Little Jazz Bird" con arreglos de Manny Albam para el cuarteto de cuerdas y la solvencia de unos magníficos músicos como acompañantes: Phil Woods al saxo alto, y el gran Hank Jones al piano.

Es muy destacable que a partir de este disco y los siguientes que vendrían, Meredith D'Ambrosio, también sería la autora de las portadas de sus discos basadas en pinturas de paisajes y naturaleza muerta. En los últimos años ha prevalecido en ella la faceta de cantante letrista y compositora sobre todo desde que su marido el pianista, Eddie Higgins colabora con ella y se ocupa de los arreglos musicales

BLOSSOM DEARIE


Nacida en New York, Blossom Dearie, es poseedora de un pobre y pequeño registro y de un timbre de voz aniñado. No obstante ello no le ha impedido imponer sofisticación, inocencia y diversión a través del arte del vocalese en los discos que grabó en los años cincuenta para el productor Norman Granz. Blossom Dearie, sabe acompañarse inteligentemente al piano y son muy apreciadas sus interpretaciones de Johnny Mercer como "I'm Shadowing".

En su adolescencia cantó con el grupo de Blue Reys, y con el grupo vocal Blue Flames. Formó un delicado cóctel entre el piano y su voz que le hizo triunfar en Paris donde viajo en 1952. Allí en Europa formó un grupo denominado "Blue Star of France" y contrajo matrimonio con el saxofonista belga, Bobby Jaspar. De vuelta a New York actúa en algunos clubes junto a las figuras mas representativas del "vocalese" como Annie Ross o King Pleasure, que la animan a seguir. El periodo mas fructífero de su arte es el producido entre 1956 y 1960 para el sello Verve, tanto por la calidad de los acompañamientos como por los temas escogidos.

Entre su discografía, difícil de encontrar, es muy destacable el titulado genéricamente "Blossom Dearie" de 1956 rodeada de magníficos instrumentistas como Herb Ellis a la guitarra, Ray Brown al bajo y Jo Jones a la batería y el no menos magnifico "Once Upon a Summertime" con Mundell Lowe y Ed Thigpen.

DORIS DAY


Antes de encarnar el asexuado paradigma del ama de casa americana en insulsas comedias junto al malogrado Rock Hudson, Doris Day fue una formidable cantante de jazz de gran orquesta. Con solo dieciséis años y después de sufrir un accidente de coche que le impidió ser bailarina que era lo que quería, Doris Mary Anne Von Kapelhoff, que así se llamaba en realidad es oída en la radio local de Cincinnaty donde vivía por el director de orquesta, Barney Rapp que sin dudarlo la contrata en su club y le proporciona ese maravilloso nombre artístico que le acompañaría para toda su vida.

Metida de lleno en el mundo de las bigbands, canta efímeramente con los "Pensylvanians" de Fred Waring y también con la banda de Bob Crosby en el Teatro Strand de New York. Allí la escucha cantar un día, Les Brown un director de orquesta de la época del swing que la convence para cantar con su bigband en el programa radiofónico comercial que se hacía en el Gren Island Casino. Era 1940 y comenzaba así su colaboración con Brown que duró apenas unos meses dado que contrajo matrimonio con Al Jordan, el trombonista de la banda de Tommy Dorsey y decidió dedicarse a la vida familiar y domestica. Durante ese periodo breve de tiempo, ya dejó muestras de su calidad y la revista "Metronome" le publicó un articulo considerándola una joven con calidad y con perspectiva de ser una de las grandes.

No volvió con Les Brown, hasta cuatro años después en 1944, ya divorciada. El retorno a la orquesta marca el perdido de madurez de ambos y su éxito para Columbia titulado: "Sentimental Journey" fue utilizado por la orquesta como su propia sintonía durante mucho tiempo. Ya en los años sesenta, Hollywood llamó con fuerza a su puerta y sacrificó una gran carrera musical por otra mas célebre pero menos convincente como actriz.

WILD BILL DAVIS


Wild Bill Davis, fue un músico excepcional y un virtuoso del órgano Hammond, un instrumento claramente influenciado y utilizado en las iglesias norteamericanas. Podemos decir sin lugar a dudas que Wild Bill Davis es junto al excelente organista, Milt Buckner, uno de los músicos mas brillantes de este instrumento. Wild fue músico puente entre las orquestas de la época del swing y los sonidos negros del Rhythm & Blues de los años cincuenta y sesenta. Él fue junto al guitarrista, Floyd Smith y al batería Chris Culumbus quienes primero formaron un combo de jazz con el órgano de por medio.

Sus primeros comienzos como músico fueron como guitarrista en 1939 en la banda de Milt Larkin' donde actuaban como pareja de saxofonistas el gran Eddie Cleanhead Wilson y el maestro Arnett Cobb. El primer guitarrista de de la banda era el magnifico Freddie Green. En 1945 se pasó al piano con el quinteto de Louis Jordan y su grupo denominado "Louis Jordan's and Symphony Five" desde donde producían arreglos para músicos de la talla de Duke Ellington o Count Basie. Precisamente con este ultimo colaboró en los arreglos del celebérrimo tema de Basie titulado "April in Paris".

Admirador del sonido del piano y del órgano del maestro Fats Waller, Wild Bill Davis, empieza a ensayar en sus actuaciones con el órgano Hammond y consigue ser un virtuoso del instrumento dominándolo a la perfección. Sus actuaciones con Johnny Hodges o Paul Gonsalves todavía son recordadas. Ya en los años setenta la aparición de organistas básicos en el jazz como Jimmy Smith o Bill Dogett lo eclipsaron de los escenarios y murió prácticamente olvidado por todos.

SAMMY DAVIS JR.


Nacido en pleno barrio negro de Harlem e integrado desde niño en el mundo del vaudeville al que se dedicaban sus padres, Sammy Davis, Jr. optó al cantar por un estilo enérgico y directo, poco adicto a sutilezas microfonicas ni a remilgos inocuos. Desde esa actitud supo granjearse el apoyo de un publico multirracial y sus actuaciones eran por lo general muy aplaudidas.

Capaz de lo mejor y de lo peor, en su canto hay ecos de Billy Eckstine, de Nat King Cole o incluso del mismísimo Ray Charles. Formó parte del celebre clan de Frank Sinatra surgido en los años cincuenta en torno al circulo de amistades del matrimonio Bogart-Bacall y formado entre otros, además de por el propio Sinatra, por Dean Martin, Peter Lawford, Shirley McLaine o Joey Bishop.

Durante los años sesenta y setenta participa en numerosos proyectos musicales, representaciones artísticas e incluso en algunas películas al lado de sus amigos, Dean Martin o Frank Sinatra. Graba varios discos con la orquesta de Count Basie y es especialmente bueno para el jazz, el titulado: "Our Shining Hour" grabado para Verve en 1965. Su película mas famosa se hizo en 1964 bajo el titulo de "Robin and the 7 Hoods".

Sammy Davis, Jr falleció victima del cáncer el 16 de mayo de 1990.

MILES DAVIS


Miles Davis, creció en un acomodado barrio blanco del East St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine. Hizo amistad con él y "Bird" le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz - el swing- y lo nuevo- el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool", una obra que dio paso al celebre "Noneto Capitol" una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edad artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop, el tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa del cool se apoderaron de el durante su adolescencia y las tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecida en su ultima fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.