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Pablo Milanés

Pablo Milanés nació en Bayamo, Cuba el 24 de febrero de 1943.

Es uno de los fundadores indiscutibles de la nueva trova. Antes de su giro definitivo hacia lo que más tarde sería la nueva trova, integró las agrupaciones Cuarteto del Rey y Los Bucaneros y trabajó como solista. Algunas de sus primeras interpretaciones lo acercan a la importante corriente de la canción cubana que ha recibido el nombre genérico de Feeling. Su canción mis 22 años es para muchos, el punto más claro de contacto entre esta corriente y la nueva trova. Posee una de las mejores y mas versátiles voces de la canción cubana de todos los tiempos. Como compositor ha recorrido diversos géneros de la música popular cubana, sobre todo el son. Perteneció en 1968 al centro de la Canción Protesta de la Casa de las Américas. Integro desde su fundación y hasta sus ultimas presentaciones el GES (Grupo de Experimentación Sonora). Ha hecho música para cine. Ha realizado actuaciones en numerosos países de Europa, África y América (incluido USA) y ha grabado numerosos discos incluyendo dúos con Lilia Vera, Víctor Manuel, Caco Senate, y otros.

Numeroso artistas han grabado sus canciones o cantado con el en concierto o discos incluyendo Silvio Rodríguez (Cuba), Joaquin Sabina (España), Soledad Bravo (Venezuela), Simone (Brasil), Tania Libertad (Perú), Manuel Mijares (México), Amaya Uranga (España), Ana Belén (España), Lilia Vera (Venezuela), Caco Senante (?), Joan Manuel Serrat (España), Miguel Ríos (España), Raúl Torres (Cuba), Xiomara Laugart (Cuba), Anabel Rodríguez (Cuba). Su ultimo disco editado en 1995 es un concierto con Víctor Manuel durante una Gira por España llamado En Blanco y Negro.

Una canción de Pablo Milanés (Bayamo, Cuba, 1943), es como la poesía, como un fuego que no tiene explicación posible cuando renace desde su propia entraña. Pablo compone desde hace tantos años que nadie podría afirmar cuándo ni cómo, ni si todo comenzó en Bayamo o en La Habana. Lo que resulta fundamental es que, a través de los años, Pablo ha echado a andar incansablemente con su guitarra a cuestas, o sea, su mejor compañía. Así se le recuerda, a lo largo de los primeros sesenta: pensativo, magro en su desvelo interior, apochinchado en los rincones donde fuera acogido como un espléndido ser humano cuya voluntad artística reclamaba expresión, receptividad y calor. De un lugar a otro, en cada esquina, en un portal, recorriendo senderos, Pablo fue en busca de su canción . Así fue armando un arte poético cuya esencia está en sus discos.

Algunos de sus discos y las letras de las canciones incluidas en ellos

Pablo Milanés (1976)
Aniversario (1979)
Yo me quedo
No me pidas
El Guerrero (1983)
Buenos días América (1986)
Querido Pablo (1985)
Comienzo y Final de una Verde Mañana (1987)
Proposiciones (1988)
Orígenes (1994)
PHILLY JOE JONES


El baterista Philly Joe Jones empezó desde muy niño a estudiar música aprovechando las enseñanzas de su madre, pianista. Pronto se decidió a tocar la batería, el instrumento que le daría fama y gloria en el mundo del jazz debutando profesionalmente con grupos locales de Philadelphia. En 1940 aprovechó una estancia de Dexter Gordon y Fats Navarro en su ciudad para tocar con ellos y ambos le animaron a que fuera a New York, cosa que hizo a finales de 1940 encontrando trabajo rápidamente en la formación del saxofonista, Ben Webster.

Tras la etapa inicial con Webster, firmó un contrato con Lee Konitz y Zoot Sims para tocar en varios clubes de la ciudad hasta 1952. Ése año fue crucial en su carrera porque conoce a Miles Davis dando comienzo así a una de las colaboraciones mas importantes del jazz en los años cincuenta. Con el quinteto de Miles Davis estuvo Jones hasta 1958 y en esos seis años, John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Miles Davis y él mismo hicieron historia grabando juntos decenas de obras maestras del jazz modal. En 1960 tocó en el Birdland con Art Blakey, Charlie Persip y Elvin Jones dando fruto al disco: "Drum Night at Birdland". Tras una breve vuelta con Miles, se fue a la Costa Oeste durante un par de años actuando de manera incesante allá donde se le contrataba.

En 1957 viajó a Europa para participar en varios festivales de jazz importantes, entre ellos el de Berlín junto a Sarah Vaughan y Erroll Garner. Decidió estar una temporada en Europa estableciéndose en Londres aunque en ése periodo tuvo que dedicarse a la enseñanza ya que tenía prohibido tocar por el sindicato ingles de músicos. Viajó poco después a Paris donde formó, con el también baterista Kenny Clarke, una escuela de música con la que estuvo trabajando varios años. De vuelta en 1972 a su ciudad natal reunió un nuevo quinteto que se dedico al jazz rock y al que llamó "Grand Prix". Su lista de grabaciones es enorme y también lo es, el numero de músicos con los que ha tocado. A su nombre tiene grabados unos pocos de discos, siendo uno de los mejores el grabado en 1958 para Riverside y titulado "Blues for Drácula" en un sexteto formado por el cornetista, Nat Adderley, el trombonista, Julián Priester, Jimmy Garrison al bajo, Johnny Griffin al saxo tenor y él en la batería.

Philly Joe Jones está considerado uno de los mayores bateristas que ha tenido el jazz moderno, destacando muy especialmente en el uso de las escobillas, y poseía una técnica refinadísima. Los discos y grabaciones realizadas en el quinteto de Miles Davis representaron algo nuevo en el jazz moderno, no solo por lo conjuntado del grupo, sino fundamentalmente por las nuevas concepciones rítmicas que Philly Joe Jones aportaba.

JO JONES


Jonathan "Jo" Jones, (1911-1985), fue uno de los grandes "sideman" de la historia del jazz. Sólo basta echar un vistazo a su participación como baterista en mas de 1500 discos con un amplísimo abanico de músicos y cantantes para comprobarlo. Y solo tiene registrados a su nombre a penas una decena. Fue un músico capaz de adaptarse perfectamente tanto al estilo swing, cuando estuvo en la orquesta de Count Basie, como al movimiento conocido como bebop.

Jo Jones, dominaba varios instrumentos además de saber bailar claqué y cantar. El tiempo en el que estuvo con Count Basie, tuvo la fortuna de aprender ritmo en una de las bandas con mejor sección rítmica de toda la era del swing. Jo Jones, estuvo con Basie mas de diez años y en ese tiempo "reinventó" la batería de jazz, dotando a ésta música de un instrumento que exploró todas sus posibilidades sonoras golpeándola con baquetas, mazas, escobillas o incluso con las manos desnudas.

En los años cincuenta participó en el tour anual de la organización "Jazz at the Philarmonic" junto a los grandes de aquel año: Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson etc. En 1957 participa con el sexteto de Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de jazz de Newport. En los años sesenta y setenta, Jo Jones acompaña a infinidad de músicos, graba en estudio de manera continuada y deja algunos discos a su nombre interesantes, en especial el titulado "The Drums" un doble Lp en el que habla de su propia historia, de sus músicos preferidos y de las posibilidades de la batería como instrumento. Falleció en la cresta de la ola en 1985 en New York.

HANK JONES

Hank Jones (Vicksburg, 1918) se inicio en el jazz junto a sus hermanos, el trompetista, Thad Jones, y el baterista, Elvin Jones. Muy pronto se ganó una estimable reputación como pianista cuando colaboró a mediados de los años cuarenta con músicos importantes del jazz como: Coleman Hawkins, Howard McGhee, John Kirby o Andy Kirk.

Influenciado claramente por Art Tatum primero y Teddy Wilson después, Jones se da a conocer internacionalmente en 1947 cuando acompaña a la gran cantante de jazz, Ella Fitzgerald en el tour de la organización "Jazz at the Philarmonic" de ese año. En 1947 tuvo asimismo la oportunidad de tocar en el grupo del genio del saxo alto, Charlie Parker. En la década de los cincuenta su actividad musical es intensisisima y graba en estudio y en directo acompañando a los grandes del jazz de aquélla década.

En 1959, forma parte del staff artístico del sello CBS, una relación musical extraordinaria que dura hasta 1976, diecisiete años después. En 1977 graba en el Village Vanguard de New York un par de discos extraordinarios con su formación a la que denominó: "The Great Jazz trío" con el baterista, Tony Williams y el contrabajista, Ron Carter. Ambos fueron luego sustituidos por Jimmy Cobb y Eddie Gómez.

Hank Jones, es un pianista excepcional que todavía hoy continua en activo con la lógica intensidad que su edad le permite.

ETTA JONES


Etta Jones (1928-2001) cantante muy prolífica y activa, tuvo la virtud de matizar en su canto, el arte de Billie Holiday, la influencia blusera de Dinah Washington, y la voz de Thelma Carpenter, lo que confirió a su voz de registro pequeño y agradable, una suave aspereza.

A los dieciséis años empezó su carrera profesional con la orquesta de rhythm and blues de Buddy Johnson y el pianista, Leonard Feather. Este ultimo, crítico además de jazz, le llamó para que grabara una serie de blues para el sello "Black & White" con un grupo liderado por el clarinetista Barney Bigard. Al igual que le pasó a otras cantantes famosas (Nancy Wilson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, etc) ganó el concurso de cantantes en el Teatro Apollo de Harlem en 1945. En los dos años siguientes estuvo trabajando en el club "Onyx" de la Calle 52 en New York, con excelentes formaciones dirigidas por el pianista, Luther Henderson.

Entre 1949 y 1952, cantó con el sexteto de del pianista, Earl Hines y en 1960, tras algunos años desaparecida de los estudios, graba con "Prestige", el magnifico álbum titulado: "Don't Go To Strangers" con un quinteto en el que sobresalen, Frank Wes o Roy Haynes. Con "Prestige" está hasta 1963 y su paso por este sello deja para la gloria, sus colaboraciones con Oliver Nelson. En 1965, firma contrato con el sello, "Roulette" y se estrena con un disco mediocre con el guitarrista, Kenny Burrell. Su etapa en este sello no deja grandes obras, y en 1976 se enrola en el sello "Muse" donde en todos sus discos el director musical es su amigo, el saxofonista, Houston Person. Es destacable, el homenaje a Billie Holiday en su disco de 1987 titulado: "Fine and Mellow", y el disco dedicado a las composiciones de Buddy Johnson en 1998 para el sello "Hignote" y titulado: "My Buddy: Songs of Buddy Jonson".

Etta Jones, falleció el 16 de octubre de 2001, con setenta y tres años, y dejó un hueco indeleble en el canto vocal afroamericano.

ELVIN JONES


El menor de los hermanos, Jones, Elvin Ray Jones (Pontiac, 1927) comenzó su carrera junto a sus hermanos, el magnifico trompetista, Thad Jones y el extraordinario pianista, Hank Jones, antes de iniciar su carrera en solitario en los años cincuenta de la mano de los músicos provenientes del bebop, como Charles Mingus o Bud Powell.

Rápidamente su destreza en la batería empezó a llamar la atención de los mejores músicos de la época y de esa forma trabajó practicamente con todos los grandes del jazz entre los años cuarenta y cincuenta: Sonny Rollins y Miles Davis en las sesiones del Village Vanguard de 1955; con el grupo del extraordinario trombonista, Jay Jay Johnson entre 1956 y 1957; con el extraordinario trompetista, Donald Byrd en 1958; y el salto definitivo en su carrera y por la que pasará a la historia del jazz, sus trabajos extraordinarios con el saxofonista, John Coltrane en sus diferentes grupos entre 1960 y 1965.

Con Coltrane, Elvin Jones grabaría varias obras maestras discográficas y a su muerte, Elvin, formaría sus propios grupos durante la década de los setenta. A principios de los ochenta creó la "Elvin Jones Jazz Machine" junto al saxofonista Sonny Fortune y a imagen y semejanza de Art Blakey, impulsó desde ese grupo la formación musical de jóvenes con talento. De su escuela salió el talentoso saxofonista, Joshua Redman. Elvin Jones, es uno de los grandes bateristas dela historia del jazz; su estilo, inconfundible a la primera audición de sus platillos, ha dejado huella en numerosos músicos y todavía hoy permanece en activo grabando para varios sellos discográficos.

En la actualidad, -noviembre de 2003- este prodigioso baterista sigue en activo. A sus 76 años, y con las facultades físicas lógicamente mermadas, Elvin Jones, sigue en la carretera con su grupo, la "Elvin Jones Jazz Machine" una formación en la que impulsa con incendiarias intervenciones a sus jóvenes músicos acompañantes. "Apoloybaco" tuvo el privilegio de asistir el 12 de noviembre de 2003, a una de sus actuaciones en directo en el Teatro Central de Sevilla. Fue una noche mágica, espectacular y apoteósica. Elvin y sus músicos -extraordinario el saxofonista tenor, Mark Shim y el pianista, Carlos Mckinney- ofrecieron un extraordinario concierto que levantaron de las butacas varias veces al abarrotado auditorio.

Elvin Jones, demostró esa noche en Sevilla que a pesar de su deterioro físico, su capacidad creativa, su tempestuoso toque y su fuerza instrumental permanecen todavía intactas.

AL JOLSON


Al Jolson (1886-1950) será recordado siempre como el protagonista de la primera película de la historia del cine completamente sonora. Fue en 1927, y el titulo: "The Jazz Singer" . Nacido en Lituania, su familia emigró a los Estados Unidos en 1893. Sus comienzos musicales fueron en 1898 en New York y a continuación se pasó toda la década de 1910 actuando en teatros y espectáculos de vaudeville. Su debut teatral en Broadway fue en el musical: "La Belle Paree", en 1911 en el Winter Garden Theatre.

Con una gran experiencia como músico y actor, Al Jolson, en 1926 participó en el cortometraje titulado: "Al Jolson in a Plantation Act", un film experimental producido por Hollywood en las vísperas del cine sonoro que se produciría el año siguiente, el 26 de octubre de 1927 cuando se estrenó en el cine la primera película completamente sonora del historia del cine titulada: "The Jazz Singer". Ese protagonismo estelar, le permitió en los años siguientes interpretar nuevas películas y ser el actor mas admirado de la primera época del cinematográfico. La compañía Columbia produjo en 1946 una película biográfica suya titulada: The Jolson History. Tres años más tarde, en 1949 protagonizaría su segunda película: Jolson Sings Again

Su fama se asentaba sobre el don de un incomparable magnetismo escénico, que explotaba hábilmente en sus películas lacrimosas, con su voz quebrada y sus gestos enfáticos. Para dar mas realce a sus papeles, solía pintarse la cara de negro.

BUNK JOHNSON


El trompetista Bunk Johnson, pertenece a esa clase de músicos legendarios de la primitiva época de la música afroamericana, cuando aun no se había inventado el gramófono y los músicos tocaban en los acontecimientos sociales de la ciudad, en los garitos y prostibulos del barrio prohibido de New Orleáns, "Storyville". Se cuenta además que Bunk Johnson, conoció y tocó el legendario cornetista Budy Bolden, de quien se decía, - no hay ninguna grabación que lo demuestre - que nunca hubo un cornetista como él.

Desde 1894, Bunk Johnson formó parte de la orquesta de Adam Oliver, con la que estuvo hasta 1914. Antes había marchado a New York, Dallas y San Francisco en 1903 y cuando regreso a New Orleáns ingresó en la "Superior Band" y mas tarde en la "Eagle Band". Tuvo que interrumpir su actividad cuando perdió su trompeta y también su dentadura en una pelea callejera, pero lo cierto es que desde detrás venían empujando con fuerza dos cornetistas, también de New Orleáns, que poco a poco lo irían arrinconando: Joe King Oliver y Louis Armstrong.

No obstante, Bunk Johnson debe su popularidad a una epoca posterior, cuando formó la "New Orleáns Renaissance", en la primera mitad de los años cuarenta con la intención de hacer un revival de la música criolla de la New Orleáns de finales del siglo XIX. Bunk Johnson, técnicamente hablando era inferior a los grandes cornetistas de New Orleáns. Era claramente aventajado por King Oliver, Freddie Keppard y por supuesto, por Louis Armstrong. De hecho él admitió sin recelo esa inferioridad musical cuando decidió restringir sus actuaciones musicales en los teatros o en los clubes de Boston, New York o San Francisco. La puntilla le vino cuando tuvo que enfrentarse a los medios técnicos modernos que existían en los estudios de grabación y que al desconocerlos, empobrecía su ya precario discurso musical.

En 1945 actuó en el "Stuqvesant Casino" de New York con varias formaciones pero su declive, físico y artístico, estaban ya acechando. Falleció cuatro años mas tarde viendo como el jazz tenía por delante un futuro enorme con el advenimiento, esplendor y brillo de un paisano suyo: Louis Armstrong.

BILL JOHNSON


El contrabajista Bill Johnson comenzó tocando la guitarra a los quince años y a a los dieciocho ya actuaba en algunas orquestas importantes de New Orleáns. Se cambió posteriormente al contrabajo y durante tres años estuvo en un trío trabajando en el "Tom Anderson's Annex" de Storyville. Entre 1903 y 1907 tocó en la "Peerless Orchestra" y en la "Frankie Dusen's Eagle Band" y en 1909 se estableció en Chicago. En los últimos meses de 1911 estuvo trabajando todavía como contrabajista en la "Original Creole Band" del cornetista Freddie Keppard que emprendía por aquel entonces una gira por varias ciudades de la Costa Este norteamericana. A la vuelta formó su propia banda a la que llamó los "Seven Kings of Ragtime".

En 1917 fue nombrado director de la orquesta del Royal Garden de Chicago y en 1918 decidió incluir en dicho grupo a un cornetista que venía pisando fuerte desde su misma ciudad; se llamaba Joe King Oliver. Con Oliver, formó parte de la famosa grabación del 6 de abril de 1923 con la que la "Creole Jazz Band" grabó el primer tema de la historia con un sólo de jazz a cargo del cornetista, el famoso: "Dippermoutch Blues". Bill Johnson se retiró a Los Ángeles a finales de los años cincuenta donde regentó durante un cierto tiempo un restaurante d de la ciudad.

JAMES P. JOHNSON

Nacido el 1 de febrero de 1891 en New Brunswick (New Jersey), este pianista absolutamente relevante en la historia del jazz, - es una de las figuras básicas de la evolución del ragtime al jazz- comenzó su carrera muy joven en los tugurios de New York y en su época, los pianistas tenían que arreglárselas solos, o con el acompañamiento, como mucho de una batería. Johnson, fue un músico tremendamente inventivo y lleno de improvisación y vigor. Era un convencido de que su condición de negro, le impedía saltar a la fama y que eso no se podía cambiar.

Su contribución en la evolución del paso del Ragtime al Jazz fue decisiva y asimismo su forma de tocar el piano conocido como estilo "stride". James P. Johnson, fue además de un gran solista, el acompañante de algunas de las mas celebres cantantes de blues, como Ethel Waters, o la gran Bessie Smith. Asimismo compuso la música de diversos espectáculos teatrales de la época y varias piezas para piano y orquesta, e incluso una opera-blues con libreto del escritor Langston Hughes titulada: "The Organizer"

A lo largo de su carrera, James P. Johnson, se codeó con las grandes figuras del jazz tradicional como con el cornetista, King Oliver, el clarinetista, Pee Wee Russell, el guitarrista, Eddie Condon, o el saxofonista soprano, Sidney Bechet. Johnson, siempre tuvo presente en su vida un cierto sentido de frustración o de insatisfacción. Sabía que la música que hacía, evolucionaría hasta limites insospechados y por ello tenia conciencia de que su estilo pertenecería al pasado.

Pero lo que no pudo saber, es que su música inspiraría a toda una legión de pianistas y compositores de jazz como, Fats Waller, Willie "The Lion Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum o incluso ya en la época del bebop, al propio, Thelonius Monk.

JAY JAY JOHNSON

Jay Jay Johnson (1924-2001) es en la historia del jazz y en particular en la evolución del trombón, lo que Charlie Parker es al saxo alto, o Dizzy Gillespie a la trompeta. Todavía hoy, no ha nacido quien desde el punto de vista del estilo, haya aportado algo nuevo al idioma musical establecido por Johnson, hace ya mas de medio siglo. Nació el 22 de enero de 1924 en Indianápolis (EE.UU), y su infancia transcurre sin sobresaltos y cuando cumple once años, sus padres lo inician en el estudio del piano. Tres años mas tarde, en el instituto escucha los primeros discos de jazz y unos amigos le invitan a participar en la orquesta universitaria ocupando el puesto vacante del trombonista. Ya no abandonaría nunca su instrumento.

Con diecisiete años ya es profesional y obtiene su primer contrato con la banda de Clarence Love. En 1942 consigue progresar en su instrumento lo suficiente como para ser contratado en la orquesta del famoso salón "Snookum Russell" donde tiene como compañero al trompetista, Fats Navarro, del que se hace amigo y escuchan a menudo los discos de Lester Young y de Roy Eldridge, a los que Jay Jay considera sus primeras y definitivas influencias. Su siguiente trabajo fue con la big band del gran Benny Carter con el que se va de gira por California permaneciendo a su lado tres años, desde 1942 a 1945.

Una vez que deja a Benny Carter, se une por unos meses a la orquesta de Count Basie para trabajar a renglón seguido con el cuarteto de Bud Powell que actuaba a diario en el club "Spolite". Allí, Johnson deja asombrados a todos cuando se atreve a improvisar con una imaginación desbordante y una técnica impecable en un instrumento, el trombón, donde nadie lo hacía. Con el cuarteto de Powell mas la incorporación del saxo alto, Cecil Payne, entrara por primera vez en un estudio para grabar una sesión a su nombre. Era 1946 y su primer disco titulado "Jay Jay Quintets" grabado para Savoy, es una joya musical que todos los trombonistas de la ciudad adquieren sin creer que aquel sonido y aquellas notas salgan de un trombón de varas.

La carrera de Johnson, se afianza con ese gran disco y en 1947 se une a la banda del saxo tenor, Illinois Jacquet con quien colabora hasta 1949. Deja a Jacquet y se une primero a Woody Herman y luego a Dizzy Gillespie con quien en 1951 se va de gira a Corea y Japón con el grupo liderado por el contrabajista, Oscar Pettiford. Así llega hasta 1954, el año del salto a la fama del trombonista cuando el sello Savoy le propone grabar un dúo de trombones. Ahí nacerá el dúo con Kai Winding que produce varios discos fantásticos. Se separan en 1956, pero volverán a juntarse ocasionalmente en 1958, 1961 y 1968. En 1970 se marcha a California para dedicarse de lleno a la composición de música para cine y TV.

Sigue grabando discos con cierta regularidad aunque deja las actuaciones en directo salvo una gira por Japón en 1984. Obtiene, año tras año, el primer puesto del referéndum de lectores de la prestigiosa revista "Down Beat" en su instrumento y estuvo en la cima del jazz, hasta su muerte acaecida el 4 d febrero de 2001

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