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DIZZY REECE

El trompetista jamaicano, Dizzy Reece, fue introducido a la música por su padre, pianista especializado en darle sonido al cine mudo. A los once años empezó a estudiar saxo barítono para después dedicarse desde 1945, a la trompeta. En 1948 realizó su primer viaje a Europa como músico profesional y en el viejo continente tuvo ocasión de acompañar a la mayoría de los músicos americanos afincados allí; así entre 1949 y 1950, tocó en Paris con el saxo tenor Don Byas y también con Jay Cameron; posteriormente en Holanda y en Alemania acompañó a Wallace Bishop, Sandy Mosse y de nuevo a Don Byas. En 1954 se trasladó a Londres durante un par de años, actuando en varios locales con la orquesta de Tony Crombié.

Entre 1956 y 1958, cruzó en sentido inverso el Canal de la Mancha para trabajar en Paris y Portugal. A finales de 1959 regresó a los Estados Unidos donde en 1963 formó un grupo propio con el que llegó a actuar en el "Village Vanguard" neoyorquino. Grabó con Victor Feldman para el sello Contemporary, la antología "London Jazz" para el sello Impulse y a su propio nombre para los sellos Savoy, Blue Note y New Jazz. Para éste último sello discográfico, grabó en 1962 el que quizás sea su álbum mas aclamado: "Asia Minor".

JOSHUA REDMAN


Hijo del magnifico saxofonista tenor, Dewey Redman, y miembro del grupo de Ornette Coleman, Joshua Redman, (Berkeley, 1969), recibió una educación musical muy completa y eligió el saxofón como instrumento graduándose con nota muy alta en la Universidad de Harvard y rechazando una oportunidad de estudiar abogacía en la Universidad de Yale.

Poco después de cumplir los veinte años, Redman comenzó a tocar con diferentes bandas y en 1991, ganó el concurso competitivo de la "Thelonious Monk Compettition", un premio de gran prestigio entre la comunidad jazzistica de los Estados Unidos con el que se pretende motivar a los jóvenes instrumentistas con talento. Ese premio le permitió firmar al año siguiente un contrato con la discográfica, Warner Bross, con quien debutó como director de su banda al año siguiente grabando un álbum a su nombre y al que llamó genéricamente "Joshua Redman". Su segundo disco junto al guitarrista, Pat Metheny, el contrabajista, Charlie Haden y el baterista, Billy Higgins, titulado "Wish", (Warner Bross, 1993) reveló a un interprete que respetaba la tradición jazzistica como la que empleaba su padre, y a un técnico de gran inteligencia en la improvisación y con inusualmente tono cálido.

Sus discos de finales del siglo XX, vinieron a demostrar una firme consolidación y una mayor inspiración. Es muy destacable en este contexto, su doble CD grabado en 1995 en cuarteto y en directo en el Village Vanguard de New York, y titulado "Spirit of Ther Momenty Live at The Village Vanguard", (Warner Bross, 1995) donde demuestra la personalidad de un músico con una permanente y gratificante corriente de ideas aplicadas a la improvisación. Ese mismo espíritu, se manifiesta en su trabajo para Warner Bross al año siguiente y titulado "Freedom in the Groove", en el que intenta, no siempre satisfactoriamente, incorporar otros géneros musicales a su repertorio instrumental.

Seguidor indisimulado del gran tenor, Sonny Rollins, Joshua Redman, exhibe sus recursos creativos para cumplir sus objetivo: una música libre y moderna en absoluto reñida con la más pura tradición jazzistica de sus antecesores en el saxofón tenor.

DON REDMAN

El arreglista, Don Redman, (1900-1964), tocaba además el saxo contralto y soprano, el clarinete y el piano. Pero su aportación histórica al jazz vino al ser una figura clave del desarrollo del estilo y el sonido clásico de la bigband en los años veinte y treinta. Procedía de una familia con un amplio bagaje musical: su padre era profesor de música y su hermano, Lewis dirigía una orquesta en Maryland. Él mismo ya tocaba la trompeta a los seis años y a los doce tocaba ya discretamente todos los instrumentos de viento, incluido el oboe.

Estudió intensivamente en los institutos "Storer's College" y "Harper's Ferrys" y en los Conservatorios de Chicago y Boston y al terminar los estudios, se unió en 1922 a los "Broadways Syncopators" dirigidos por Billy Paige con los que tuvo oportunidad de tocar en New York en 1923. Allí conoció a Fletcher Henderson, con quien tuvo ocasión de grabar a finales de ese año. Al año siguiente formaba parte de manera estable de la orquesta de Henderson, donde además de tocar, escribía los arreglos, aportando a la orquesta una base potentisima de swing que aprovechó sobre todo, Louis Armstrong, que por aquella época era el primer cornetista de la banda. Don Redman, estuvo con Fletcher Henderson, hasta 1927 que decidió trasladarse a Detroit para incorporarse como director musical de otra gran orquesta de jazz: "The McKinney's Cotton Pickers".

En los cuatro años que estuvo con los McKinney's Cotton Pickers, Don Redman, revolucionó su forma de tocar, impuso una acertada disciplina en sus secciones y estimuló su natural carácter solista. Aquella orquesta fue la primera banda en grabar el tema de Redman titulado: "Gee Baby, Aint' i Good To You". En 1931, Don Redman, formó su propia orquesta manteniéndola unida y activa durante nueve años tocando en varias salas de bailes, entre ellas la famosas: "Savoy Ballroom" y la "Connie's Inn". En ese extenso periodo de tiempo grabó muchísima música y por su orquesta pasaron los mejores solistas de la época, destacando: Bill Coleman, Quentin Jackson, Sidney de Paris o Henry Red Allen. Tampoco descuidó su faceta de arreglista y por encargo trabajó para Paul Whiteman, Bing Crosby o Ben Pollack.

En 1940, Don Redman, disuelve la orquesta y entró como arreglista en la banda de Bobby Byrne y un poco mas tarde en la de Jimmy Dorsey, en la que creó el celebre tema "Deep Purple". En 1943, aceptó un contrato de trabajo en el club "Zanzíbar" y escribió arreglos para la gran orquesta de Count Basie. En 1946, la bigband de Don Redman, fue la primera orquesta en viajar a Europa tras la finalización de la II Guerra Mundial. En 1949 fue director musical de una serie de programas musicales de la CBS y desde 1951 trabajo como director musical de la cantante, Pearl Bailey. sus ultimas apariciones, aparecen distanciadas en el tiempo entre 1951 y 1964 , fecha en la que fallece.

Don Redman está en la historia del jazz, como el primer gran arreglista de la era del swing y el valedor de la música que Louis Armstrong, creó, para gloria del jazz.

SONNY RED

El saxofonista alto de inspiración bop, Sonny Red, estudió música primero en la Northern High School y después en la Community Music School en su ciudad natal de Detroit. Tocó en primer lugar en el C-Melody Saxy y en 1949 decidió pasarse al saxo contralto acompañando profesionalmente al maestro del piano, Barry Harris en cuya formación permaneció hasta 1952. En 1954 tocó el saxo tenor en el grupo de Frank Rosolino, pero a finales de año lo dejó pasando otra vez a tocar el saxo contralto con el grupo del baterista, Art Blakey.

En 1957 se trasladó a New York para tocar con Curtis Fuller con el que grabó un extraordinario álbum titulado: "New Trombone" para el sello Prestige. Trabajó en aquella epoca también con Paúl Quinichette con quien también tuvo la posibilidad d grabar el disco: "On the Sunny Side" y ya a principios de los años sesenta se unió al grupo de Donald Byrd con el que grabaría "Slop Drag" un álbum en la línea del freejazz y que contó con una composición del propio Sonny Red, el tema: "Jelly Roll". En 1966 se unió al grupo del trompetista, Kenny Dorham y durante sus últimos años grabó varios discos especialmente para los sellos Savoy y Blue Note. Desapareció de la escena a mediados de los setenta y falleció en 1982.

FREDDIE REDD

El pianista y compositor, Freddie Redd estudió en la "Greenwich House" de New York y después de cumplir el servicio militar, entre 1946 y 1949, debutó profesionalmente con la banda del baterista, Johnny Mills. En los primeros años de la década de los cincuenta tuvo lugar su eclosión como músico profesional y en esa época tocó con los grupos de Cottie Williams, Oscar Petifford, Jivi Bombers, Joe Roland y los Jazz Messengers de Art Blakey.

En el verano de 1956 marchó de gira por Europa y en Suecia tuvo un enorme éxito con el grupo de Rolf Ericson, un músico local muy reputado. De vuelta a los Estados Unidos formó su propio grupo, un cuarteto, y también tuvo oportunidad de trabajar como compositor para la Ópera "The Connection", un acto en el que los propios músicos formaban parte de la acción. Estuvo en los años sesenta actuando de sideman con otros músicos en el área de San Francisco. Discípulo del maestro Bud Powell, Freddie Redd tenía una indudable calidad al piano, y dominaba a la perfección el instrumento. Sus grabaciones como líder fueron escasas y apenas llegó a la docena de títulos. Debutó en los estudios de Prestige con un magnifico álbum titulado: "Piano East West", (1952) pero quizás el disco mas representativo de éste discípulo de Powell, fuera el álbum "The Connection" grabado para la para Blue Note en 1960.

HENRY RED ALLEN

Nacido y criado en New Orleáns, Henry "Red" Allen, aprendió a tocar la trompeta ayudado por su padre, que fue durante varias décadas líder de una orquesta de jazz. En 1927, se marchó de su ciudad natal para unirse en St. Louis, a los famosos "Dixie Syncopators" del celebre, King Oliver. En uno de sus viajes con la orquesta, llegó a New York para participar en su primera grabación con la orquesta del pianista, Clarence Williams.

Cuando regresa a New Orleáns, con una bien ganada fama de trompetista, el director de orquesta, Fate Marable, lo contrata para que toque en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. Su vida le cambió a partir de entonces. Conoce a Louis Armstrong, un músico que influiría decisivamente en su carrera musical; graba cuatro discos para el sello: "Víctor", con la orquesta de Luis Russell. A partir de entonces, Allen, se convirtió en uno de los trompetistas mas solicitados del momento y dirigió o tocó con numerosos grupos y músicos. Por aquel entonces, era incluso mas valorado que otros contemporáneos suyos.

A mediados de los años cincuenta, y ya en pleno apogeo del bebop, actuaba de manera regular en un local de New York llamado "Metropol" al lado de Coleman Hawkins y otros músicos importantes del jazz. Uno de los momentos memorables de su carrera, se produce en 1958, cuando él y su grupo de "All Stars" aparece en el programa televisivo de la BBC americana titulado "Sounds of Jazz". Allí comparte actuación con Billie Holiday, Lester Young, Count Basie y Coleman Hawkins entre otros grandes músicos.

A finales de 1966, Allen empezó a notar señales inequívocas de su larga enfermedad que acabaría con su vida la primavera del año siguiente. Su estilo, original y maduro, y su fraseo, rotundo y lleno de swing, fue recuperado a su muerte por otros músicos que aprendieron de Allen a tocar swing sin fisuras.

SUSANA RAYA

La cantante y guitarrista, Susana Raya, nace en Córdoba en 1976. Obtiene grado medio de guitarra clásica y se perfecciona con Leo Brouwer, Robert Ransley y Kiko Aguado. Ha estudiado canto moderno en la Escuela de Música Creativa de Madrid con Quez y ha realizado master class con la cantante portuguesa Maria Joao. Se inició en la música como cantautora, con unas composiciones que le han llevado a ser finalista de la prestigiosa Muestra Nacional de Canción de Autor "Cantigas de Mayo" en la edición 2003. Lideró un grupo pop con el que llegó a editar un disco, Romper el hielo bajo el sello Onia Música. Colabora en "Dominio Público" del cantautor Miguel Herrador y "Sensazione" de Flow, del grupo: Acuarela.
En el terreno jazzístico, forma parte del proyecto cordobés, "Qu Jazz" con el que llegó a conseguir importantes premios en conciertos y festivales, entre ellos, el ser declarado mejor grupo español de jazz en la II Concurso Internacional de Interpretes de Jazz celebrado en Granada en 2003. Durante bastante tiempo mantiene un dúo a piano y voz junto a
Angel Andrés con el que han participado en la Muestra Internacional de Jazz de Ibiza 2002 y diversos clubs como Altxerri en San Sebastián, Café España en Valladolid y "El Quiñón" donde estuvieron acompañados por Javier Colina y Guillermo Mcgill. Ha colaborado recientemente con la Orquesta de Córdoba en la obra La Dolce Vita del compositor Nino Rota en la que interpretaba el papel de guitarra eléctrica.

Sus trabajos le llevan de una a otra parte de Andalucía, y así es fácil verla actuar asiduamente en el club sevillano de Jazz: Jazz Corner junto al grupo liderado por el multiinstrumentista, José Antonio Maqueda.

LOU RAWLS

Los inicios musicales del cantante Lou Rawls, fueron, como muchos otros cantantes en el coro de la iglesia negra y debutó profesionalmente con una gira con Sam Cooke, su amigo y mentor y figura destacadísima del soul. En sus inicios pasó por el gospel, el blues, y el jazz y mas adelante entró a formar parte de un grupo de gospel llamado "Pilgrim Travellers". Tras pasar dos años como paracaidista del Ejercito, en 1958 se trasladó a Hollywood donde ofreció varios conciertos en algunos clubes y también participó regularmente en el show de Dick Clark.

A principios de los años sesenta grabó para Blue Note el primer disco a su nombre, y uno de los pocos que tiene interés para el aficionado al jazz: "Stormy Monday" 1962, donde contó con la colaboración de Les McCann, y revelándose como un excelente interprete de blues. Lou Rawls, también participó como actor en algunas películas. Su giro hacia el R&B y el Soul en los sesenta; por el pop negro en los años setenta y ya en los años ochenta, por de la formula disco e incluso algunas incursiones por el rap, hicieron que los aficionados dejaran de prestarle atencion desde un punto de vista jazzistico.

ENRICO RAVA


Enrico Rava, (Trieste, 1939), empezó a estudiar piano apoyado por su madre y en 1953, empezó a practicar por su cuenta con el trombón en Turín, donde entró muy pronto a formar parte de un grupo de jazz tradicional. En 1956, después de asistir a un concierto en directo de Miles Davis, decidió abandonar el trombón y pasar a la trompeta y solo un año después empezó a tocar jazz moderno y participar en distintas jam sessions, especialmente con el grupo del pianista, Maurizio Lama. Es en cuarteto cuando graba su primer disco para la serie "Jazz in Italy", del sello Cetra.

En 1962conocio a Gato Barbieri, el saxofonista argentino recién llegado Italia y con quien colaboró en varias ocasiones. Se trasladó a Roma para perfeccionar el estudio de la trompeta con Nino Culasso y en 1964 actuó en el club "Purgatorio" con el quinteto de Barbieri. Con la misma formación participó al año siguiente en la banda sonora de la película, "Una Bella Grinta" con música dirigida por Piero Umillani. En el Festival de Jazz de Bolonia de ese año, conoció a Don Cherry, quien le invita a grabar con él "Complete Comunnion" y también a Steve Lacy y Mal Waldron, con quienes grabó el álbum: "The Forest and theZoo". Realizo una gira por toda Italia y el saxofonista, Steve Lacy, le dio la oportunidad de entrar en su cuarteto, con quien estuvo hasta 1967, fecha en que se traslada a New York. Solo estuvo un año en la ciudad de los rascacielos y a su vuelta a Italia, ya con una formación mas acabada, intervendrá en el Primer "Laboratorio de música improvisada" celebrado en Europa en la localidad alemana de Bremen.

En 1971 decide saltar otra vez el charco y su estancia en los Estados Unidos, es mas provechosa que la vez anterior. Colaboró con la "Jazz Composers Orchestra Association" de Carla Bley y Miker Mantler, colaborando en el disco: "Escalator Over the Hilly". A partir de 1972, empezó por fin a trabajar con formaciones propias contando con John Abercrombie, Bruce Ditmas, y Jack DeJohnette, entre otros grandes músicos. Tocó con esas formaciones en el "Village Vanguard" y el "Village Gate" de New York; recorrió toda Norteamérica y también visitó y tocó en Argentina y Colombia (1976) y la revista Down Beat, le concedió un par de entrevistas. De vuelta a Europa a finales de 1976, Enrico Rava, salio de gira por Europa donde participa en numerosos seminarios, conciertos y festivales. En 1981, colaboró con la "Globe Unity Orchestra" de Alex von Schilippenbach, con la que llegó a visitar el Extremo Oriente en 1980.

En sus mas de treinta años de carrera, Enrico Rava, ha participado en más de setenta grabaciones, de las que más de una veintena están a su nombre. Músico riguroso e instrumentista refinado, este poeta de la trompeta es, además, un compositor sensible extraordinariamente melódico, adscrito a la estética del jazz pero capaz de sonar en los mas diversos contextos y de hacer entroncar con su personalísimo estilo las influencias musicales más diversas, desde la tradición belcantista italiana, al tango argentino, el rock o el funk. La mayor parte de sus discos han sido editados por ECM, entre ellos el maravilloso: "The Pilgrim and the Stars". Fue galardonado recientemente con el más importante premio de Jazz que se concede en Europa, el JazzPar Prize en su edición de 2002, otorgado por un jurado internacional de especialistas en reconocimiento a toda su carrera artística.

JIMMY RANEY

Jimmy Raney empezó a estudiar guitarra con su madre, comenzando por la guitarra clásica en los primeros años escolares. Su paso a la guitarra de jazz se produjo a los trece años cuando un amigo músico le hizo conocer la música de Charlie Christian. En 1944 entró a formar parte de la orquesta de Jerry Wald en New York. Durante los tres meses que estuvo en esa orquesta pudo oír a los creadores del bebop desarrollar su estilo y ése nuevo sonido, fue decisivo para el impulso de su carrera.

Se trasladó a finales de 1944 a Chicago trabajando entre otros grupos con Max Miller y Lou Levy. En 1948, recomendado por Tiny Khan, entró a formar parte de la orquesta de Woody Herman donde permaneció hasta el año siguiente y dejando detrás una gran amistad con otros miembros de la banda, como Stan Getz y Serge Chaloff. En la Costa Oeste compartía casa con el también guitarrista, Tal Farlow y Teddy Charles y sus colaboraciones con el trío del pianista, Al Haig, o con el sexteto del clarinetista Buddy de Franco, le permitieron obtener una excelente reputación entre los músicos de jazz. Entre 1949 y 1950, tocó con los "Gramercy Five" del clarinetista blanco, Artie Shaw. Entre 1951 y 1953 estuvo en el quinteto de su viejo amigo Stan Getz y al finalizar 1953, entró en el trío del vibrafonista, Red Norvo con quien tuvo la oportunidad de realizar una larga gira por Europa entre enero y febrero de 1954. En ésa gira europea, tuvo la fortuna de coincidir en una grabación con la cantante Billie Holiday.

En 1953 grabó el primer disco a su nombre para el sello Prestige: "Jimmy Raney Plays" y en 1955, reapareció en la escena jazzistica de New York tocando en el club "Blue Angel" con el trío de Jimmy Lyons. En 1954 y 1955, la revista Down Beat en la votación de los críticos de jazz, le proclamó el mejor guitarrista de jazz del mundo. Tras un percance en un vuelo se llevó seis años recluido en la Gran Manzana al negarse a subir de nuevo al avión. Sus grabaciones discográficas se sucedieron al lado de los mejores músicos de la época, como Stan Getz, Bob Brookmeyer y el también guitarrista, Jim Hall. En 1959 se puso a estudiar en serio el violoncello y composición clásica con Hall Overton, y dedicó gran parte de su tiempo profesional al acompañamiento de cantantes como: Tony Bennett, Andy Williams o Anita O'Day. En 1964 se recluyó en su casa abandonando su carrera profesional hasta 1972 cuando de nuevo reapareció en New York. En esa nueva etapa, y tras la aparición en el escenario de su hijo Doug, compartió grabaciones con él y realizó alguna gira donde ambos, padre e hijo, eran los protagonistas.

Su vuelta a los estudios de grabación se produjo en el sello "Steeple Chase" junto a su hijo en dos discos grabados en 1979. De ahí hasta su muerte, ocurrida en 1995, extendió su maestría por los escenarios participando en numerosos festivales de jazz, conciertos y actuaciones en clubes y visitando asiduamente los estudios de grabación. Jimmy Raney fue uno de los grandes maestros de la guitarra de jazz, y su improvisación, llena de swing, era de una inventiva extraordinaria. Su modo de tratar la melodía, y el lirismo de su estilo fueron su mejor tarjeta de presentación durante toda su carrera.

BOYD RAEBURN

El saxofonista bajo y director de orquesta, Boyd Raeburn, pasó su infancia en Platte, donde estudio música y aprendió teoría y saxofón. Mas tarde asistió a la Universidad de Chicago donde llegó a dirigir una banda del campus universitario a comienzos de los años treinta.

La música que tocaba en sus inicios no era jazz y a todo lo mas, su sonido se asemejaba a un swing muy comercial. En 1944 decidió cambiar drásticamente su anodina carrera y contrata al arreglista, Ed Finckel y entre ambos se encargaron de modificar y reelaborar los arreglos y por su nueva orquesta pasaron instrumentistas tan destacados como, Dizzy Gillespie, Sonny Berman y Al Cohn. Los sonidos que comenzó a producir la nueva banda de Raeburn eran de pronto los mas modernos de la época, superando incluso a los de la orquesta de Stan Kenton y Billy Eckstine. Esa posición dominante se fortaleció cuando Boyd Raeburn contrató al arreglista y compositor, George Handy, lo que le dio al grupo una imagen muy vanguardista para la época que se tradujo en temas como: "Boyd Meets Stravinsky", "Dalvator Sally" y "March of the Boyds".

En 1945, Boyd Raeburn, llevó su banda a California donde se le unieron otros excelentes músicos jóvenes, entre ellos, Dodo Marmarosa y Johnny Mandel, pero para equilibrar el sonido del grupo con el gusto del publico, decidió contratar a la cantante, Ginny Powell, con quien contraería posteriormente matrimonio. A partir de ese momento, la banda empezó a perder fuerza y Boyd Raeburn, volvió a los terrenos de la música comercial y solo un par de años después desapareció de la escena musical.

El merito histórico de Boyd Raeburn, estriba en su posición de catalizador y punto de referencia para descubrir nuevos talentos para la música. Jamás volvió a tocar ni a dirigir ningún grupo, ni siquiera cuando su esposa falleció en 1959. El lo haría en 1966.

GERTRUDE "MA" RAINEY


La reconocida "Madre del Blues", Gertrude "Ma" Rainey, no pudo entrar en los estudios de grabación hasta 1923, pero ya a los catorce años actuaba en público. En 1904 se casó con el actor y bailarín, Will Pa Rainey, montando juntos un espectáculo de danza y canto bajo la denominación de "Rainey & Rainey: The Assassinators of the Blues". Con su marido trabajó incesantemente en espectáculos itinerantes con diversas denominaciones: "Rabbit Foot Minstrel" o el "Tolliver's Circus Ma Rainey" conquistando por donde actuaba un enorme prestigio como cantante de blues entre la población. En una de esas actuaciones, conoció a la gran Bessie Smith, que era diez años menor que ella.

A partir de 1909, un empresario blanco, Anselmo Barrasso, había organizado el circuito TOBA (Theater Owners Booking Association), una extensa red por todo el país de teatros, salas de fiestas, carpas de circo y lugares diversos destinadas a la diversión del publico de color dado que la segregación racial en América prohibía a los negros asistir a cualquier tipo de espectáculos juntos a la raza blanca. Precisamente la dureza de ese circuito para los artistas y las humillantes condiciones de trabajo y salario en la que se desenvolvían, hizo que el pueblo alterase sabiamente el significado de esas siglas racistas. Y así para el músico de color, TOBA, significaba (Tough On Black Asses) que traducido al castellano significaba "Duro con los culos negros".

Ya próxima a la cuarentena, y probablemente cuando ya no se encontraba en si mejor momento, Ma Rainey tuvo su primera oportunidad de entrar en un estudio de grabación en 1923, donde la cantante pudo durante cinco años (1923-1928) grabar mas de noventa blues, la mayoría propios, utilizando todo tipo de acompañamientos, generalmente bajo el nombre de "Georgia Jazz Band". En la sesión inaugural de 1923, grabada sin procedimientos eléctricos dada la actitud de la casa Paramount, que no los utilizo hasta bien entrado 1927, cantó con la pianista, Lovie Austin y sus Blues Serenaders, y con el cornetista, Tommy Ladnier, particularmente inspirado en "Southern Blues", típico del doble sentido sexual de muchas de sus composiciones. En 1924, graba el celebérrimo, "See See Rider" y "Jelly Bean Blues" dos de sus blues mas conseguidos con el pianista Fletcher Henderson y su orquesta, entre los que se encontraba, un joven cornetista, llamado Louis Armstrong.

Su ciclo de grabaciones conocidas, se cerraba a finales de 1928 con sus duetos con Papa Charlie Jackson y aunque siguió trabajando y cantando hasta 1935 en algunos pequeños clubes, teatros y salas de espectáculos en Georgia, falleció en 1939. Gertrudi Ma Rainey, era menos variada, tanto en expresión como en repertorio, que Bessie Smith, y en su canto está reflejado por la tonalidad pesada y trágica de su voz, la unidad entre el sonido, las palabras y su significado, el blues primitivo en toda su autenticidad y belleza.

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