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JESÚS LAVILLA


Jesús Lavilla comienza a tocar el piano a la edad de 7 años, dos años después inicia sus estudios de clásico en el Conservatorio Manuel de Falla de la ciudad de Cádiz. No obstante su aprendizaje ha sido prácticamente autodidacta, mostrando una notable tendencia hacia la música moderna y una capacidad excepcional de mimetismo con el piano. Con 13 años entra a formar parte de su primer grupo musical, da comienzo así su dilatada trayectoria profesional. Desde entonces ha pertenecido a distintas formaciones y ha colaborado asiduamente en jam-sessions y festivales acompañando a músicos consagrados del panorama jazzístico.

En 1990, continuando con su formación se inscribe en un curso intensivo de jazz, con las enseñanzas de maestros de la talla de Lluís Vidal, Albert Cubero, Marc Miralta y Chano Domínguez. Tuvo lugar en Cádiz (Conservatorio Manuel de Falla). En 1992, esta vez en Barcelona realiza un segundo curso en el que imparten clases Brad Meldhau, Kurt Rosenwinkel y los hermanos Rossy, Jordi y Mario. Pronto comienza a colaborar con los más grandes artistas y músicos del país, atesorando un recorrido que le ha unido a Tito Alcedo, Nono García, Raúl Rodríguez, Pedro Sierra, Dani “El Niño de Pura”, Manolo Franco, Alfonso Gamaza, Alfredo Paixao, Pablo Martín, Javier Colina, Carles Benavent, José María Guillamó, Antonio Mesa, Xavier Paxariño, Bobby Martínez, Jon Robles, Jorge Pardo, David Moreira, Antonio Serrano, Jerry González, José Mena, Juan de la Oliva, Jimmy González, Antonio Coronel, Guillermo McGill o Pedro Barceló entre otros.

En su faceta de productor, arreglista, programador y pianista ha sido reclamado, tanto para grabaciones discográficas como para giras, por algunas de las figuras más relevantes de la música española. Ha trabajado con Martirio, José Manuel Soto, Rosana, Las Niñas, Javier Ruibal, David De María, Miguel Sáez, Pasión Vega, José “El Francés”, Miguel Aguilera, La Tobala, Deojananá, Los del Río, Chano Lobato o Tate Montoya por citar algunos. De la mano de Martirio ha recorrido España como integrante de sus distintas formaciones. Estas giras le han llevado también a países como Colombia, Puerto Rico, Venezuela, Cuba, USA (Miami), o Italia y Bélgica en Europa, teniendo así la oportunidad de compartir escenarios y música con artistas como Marta Valdés, Soledad Bravo, Claudia Gómez, Jerry González o Miguel Poveda.

Jesús Lavilla formó parte de la orquesta que acompañó a los artistas que homenajearon en Granada al desaparecido Carlos Cano. La Gala fue retransmitida por Antena 3 Televisión y contó con la presencia de Clara Montes, Azúcar Moreno, La Barbería del Sur, María del Monte, El Barrio, José Manuel Soto o Estrella Morente. Desde hace varios años y hasta la actualidad viene participando como pianista en diversos programas de televisión. A destacar "1001 Noches” y "1001 Músicas” de Canal 2 Andalucía presentado por Joaquín Petit, "Festival", "La llamada del Sur" y "Contigo" de Canal Sur TV. También en TVE colaboró en el programa "Gente de Primera”. Su paso por estos programas y otros especiales le permitió acompañar en directo a Lolita, Carlos Baute, Sergio Dalma, Niña Pastori, Marifé de Triana, Rocío Jurado, Rafael o María Jiménez.

Su trayectoria profesional avala a Jesús Lavilla como uno de los músicos andaluces más versátiles y con más interesante proyección en el panorama de la música nacional e internacional.

YUSEF LATEEF


El saxofonista, Yusef Lateef (Chatanooga, 1920) es uno de los saxofonistas tenores mas importantes del jazz de la llamada escuela de Detroit. Su capacidad como instrumentista es conocida en los ámbitos musicales de los Estados Unidos y de ello da fé su calidad con la flauta, el oboe y el fagot, instrumentos raros y heterodoxos en la música de jazz.

Yusef Lateef, adoptó ese nombre cuando se convirtió al Islam (su nombre de nacimiento era, William Evans) y intentó, no siempre con éxito, ser un pionero en la tentativa de hermanar el jazz con otras culturas musicales. Sus comienzos fueron en 1946 con la orquesta del vocalista, Lucky Millinder, y terminó la década de los cincuenta - su época dorada- con la participación en los grupos de Hot Lips Page, con el trompetista, Roy Eldridge y en la bigband del genial Dizzy Gillespie.

A principio de los años cincuenta, ingresó para profundizar sus estudios en la Wayne State University. En 1957, inaugura su extraordinaria carrera discográfica en solitario con los sellos, Savoy, Prestige y Riverside, fundamentalmente. En 1960, se acerca a las fuentes del jazz moderno y trabaja con el maestro del contrabajo, Charles Mingus, con el trompetista, Donald Byrd, y entre 1962 y 1964, con el sexteto de Cannonball Adderley. Firma un contrato con el sello Impulse! donde deja entre 1963 y 1966, algunos discos extraordinarios y luego es el sello Atlantic quien lo ficha donde grabaría en 1968, uno de su mejores discos de los últimos tiempos, el magnifico "The Blue Yusef Lateef".

Este extraordinario saxofonista, sigue todavía en activo y en sus ultimas colaboraciones con lo mas granado del jazz moderno como Archie Shepp o el también saxofonista, Von Freeman, así lo demuestran.

PETE LA ROCA

El baterista Pete La Roca empezó tocando los timbales en una formación adscrita al latín jazz y fue cuando contactó con el saxofonista Sonny Rollins en 1957 cuando decidió dedicarse al jazz profesionalmente. Su relación con Sonny Rollins duró dos años (1957-1959) y al año siguiente trabajó junto a varios músicos importantes como Jackie McLean y Slide Hampton en el seno del cuarteto de John Coltrane. En 1962 trabajó para la pianista, Marian McPartland y ese mismo año, decidió formar su propio grupo de manera estable, aunque la experiencia duró muy poco.

Entre 1964 y 1965 trabajó con el trompetista, Art Farmer y en 1966 varios jazzman importantes lo llamaron para colaborar en sus discos. Por fin en 1965 graba para Blue Note el primer disco a su nombre "Basra" con el que alcanza un notable reconocimiento de la critica especializada. El éxito del disco viene dado también por la magnifica aportación del saxo tenor Joe Henderson. Desde 1979 Pete La Roca aparece y desaparece ocasionalmente de la escena del jazz.

EDDIE LANG


Eddie Lang (1902-1933), es sin duda el primer gran guitarrista del jazz. Su verdadero nombre era Salvatore Massaro de raíces italianas, pero nació y se crió en Philadelphia.

Junto al violinista clásico de swing, Joe Venuti, realizó en los años veinte numerosas y extraordinarias grabaciones. En 1924 debuta con la formación liderada por Red McKenzie, los "Mound City Blue Blowers", un músico capaz de hacer música soplando cualquier cosa. Posteriormente, Eddie Lang estuvo en varias orquestas de jazz, empezando por la de Jean Goldkette, pasando por la de los hermanos Dorsey y terminando por la de Paul Whiteman.

Eddie Lang, fue además el primer gran solista de la historia del jazz, y ejerció una tremenda influencia en el gran guitarrista belga, Django Reinhardt. Una de sus mejores sesiones fue junto al también guitarrista negro, Lonnie Johnson. En aquella época, el racismo impedía ver juntos a un músico blanco tocando con uno negro, por lo que Eddie tuvo que cambiarse el nombre y aparecer en la grabación de varios discos bajo el seudónimo de Blind Willie Dunn. El álbum, "Steppin' on the Blues" es un ejemplo extraordinario de esa colaboración.

Eddie Lang, murió prematuramente en un hospital durante el transcurso de una trágica operación de tonsilectomía (extirpación quirúrgica de las amígdalas). Su música dejó escuela en la vieja Europa de la mano del gran Django, quien siempre se confesó admirador suyo.

HAROLD LAND


Harold Land (Houston, 1928) es uno de los grandes saxofonistas tenores de los años sesenta. Su saxofonista favorito era John Coltrane, pero su forma de tocar y su sonido no se parecía en nada a él. Nacido en Texas, pasó sus primeros años en San Diego (California) antes de trasladarse a Los Ángeles, donde en 1949, hace su debut discográfico para el sello Savoy.

En 1954 ingresó en el legendario quinteto del trompetista, Clifford Brown y el baterista, Max Roach. Con ese legendario combo, estuvo hasta mediados de 1955 cuando por razones familiares tuvo que regresar a Los Ángeles. Dueño de un sonido elástico e ideas originales, Harold Land, fue el saxofonista mas representatitivo del bebop en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Entre 1956 y 1958, trabajó para la formación del bajista, Curtis Counce, con quien grabaría para el sello Contemporary, dos álbumes memorables, y en 1959, grabó para el mismo sello, su obra maestra, el álbum: "The Fox" un disco extraordinario con la colaboración del trompetista, Dupree Bolton y el compositor y pianista, Elmo Hope.

Ya en la década de los sesenta ingresó en la formación del vibrafonista, Bobby Hutcherson, (1967-1971) y entre 1975 y 1978 en el grupo del trompetista, Blue Mitchell. Harold Land, continua en activo en la Costa Oeste de los Estados Unidos y está dedicado, además de tocar en festivales y conciertos varios, a la formación musical de su hijo, un pianista con mucho futuro.

DAVE LAMBERT


Dave Lambert, empezó a estudiar la batería con solo diez años y con ella debutó a finales de los años treinta tocando en el trío de Hugh McGuinness durante los meses de verano en Boston. Cuando se licenció en 1943 inició su carrera de cantante en la orquesta de Johnny Long y de ahí pasó a la orquesta de Gene Krupa, un magnifico baterista de la epoca del swing. Sus pasos en la orquesta le sirvieron para hacerse merecedor de una bien ganada fama de cantante poco ortodoxo, capaz de llegar a registros imposibles para otros compañeros y eso le permitió que en 1945 grabara el primer tema del bebop cantado: "What's This" para la Columbia.

Entre 1946 y 1947 dirigió un cuarteto vocal en un espectáculo de Broadway y grabó junto a la cante Jo Stafford y a su nombre, para los sellos Capitol y CBS. Carmen McRae lo contrató en una ocasión para que arreglaras sus canciones, y ya en 1957, se unió al cantante John Hendricks, iniciando así la etapa fundamental de su carrera en un trío vocal, con el añadido de la cantante inglesa Annie Ross, sustituida en algunas ocasiones por Yolanda Bavan, para conformar el trío fundacional del estilo llamado "vocalese", una genuina forma de canto jazzistico. Ya en el primer tema que el trío cantó fue todo un éxito y para la ocasión escogieron la canción de Jimmy Giuffre: "Four Brothers" y poco después, tras el éxito de ese primer tema, grabaron su primer disco con el sello: United Artist y titulado: "See Lambert, Hendricks & Ross".

El trío estuvo junto hasta 1963, justo antes de que participaran en el Festival de jazz de Newport, ya que Ross por problemas de salud tuvo que dejar su sitio a Yolanda Bavan. Un año después, Lambert abandonó definitivamente el grupo y solo reapareció tres años después de manera efímera al frente de un quinteto. Su alejamiento de la música fue un hecho cuando se dedicó a trabajar como director musical de coros y maestro de ceremonias en eventos de distinto tipo. Dave Lambert fue el primer cantante en ponerle música las canciones del bebop, Hendricks creaba los textos, y también fue capaz de adaptar al canto jazzistico arreglos complejos como los de Count Basie, para trabajarlos en grupo. Su disco "Sing a Song of Basie" es demostrativo de esa facultad.

En 1965 participó con una extraordinaria versión cantada en scatt del tema de Charlie Parker: "Donna Lee" en un concierto en tributo al gran saxo alto de Kansas en New York. Eso fue un año antes de su muerte, cuando en 1966 sufrió un fatal accidente de circulación que le costó la vida.

OLIVER LAKE


El saxofonista alto y compositor, Oliver Lake (Marianna, 1942) alternó sus estudios en la Lincoln University, con el aprendizaje del saxo alto y de la flauta, instrumentos ambos que sustituyó a la batería utilizada en su juventud. Nacido en Arkansas pero criado en San Louis, trabajó como maestro en una escuela pública donde pudo participar en la creación del Black Artists Group (BAG), una organización de similar concepto musical a los del AACM de Chicago.

A comienzos de los años setenta, se marchó de San Louis y viajó a Paris donde dirigió un quinteto que exploró las ideas del jazz de vanguardia. En 1976 se estableció en New York y su estancia en la Gran Manzana, no pudo ser mas provechosa. Fundó junto con otros músicos, el "World Saxophone Quartet", una formación emblemática del jazz moderno y que hoy, con alguno cambios lógicos en su composición, sigue siendo una referencia indiscutible del jazz de vanguardia. Con el WSQ, Oliver Lake, grabó extraordinarios álbumes, y participó siempre de forma brillante en festivales, conciertos y giras por todo el mundo.

Compositor inventivo y superactivo, Oliver Lake, diversificó fuera del WSQ sus ideas musicales. A comienzos de lo años ochenta dirigió un segundo grupo de claras influencias reggae y compuso varias piezas para producciones teatrales. Uno de sus trabajos mas memorables fueron sus dos álbumes, a finales de los años noventa, en homenaje a las composiciones de Eric Dolphy, un reto musical que sólo un músico atrevido y ambicioso como el era capaz de realizar.

BIRELI LAGRENE


De entre todos los cientos de seguidores que el gitano belga, Django Reinhardt, ha tenido en el jazz europeo, es el francés, Bireli Lagrene (Paris, 1966) el que ha producido mayor impacto, y probablemente el discípulo de Django, mas capacitado para seguir la estela del extraordinario "dedos de oro", como se conocía a Django Reinhardt.

Bireli, ya desde muy joven empezó a tocar la guitarra en publico con la influencia de Django inyectada en la sangre gitana de su etnia. Frecuentó en Paris ambientes jazzisticos donde Django era idolatrado casi, y llegó a conocer y tocar con el extraordinario bajista, Jaco Pastorius, un músico emblemático en el contrabajo moderno de jazz y creador de sonoridades musicales hasta entonces nunca conocidas.

Con Jaco Pastorius, graba vario discos que le sirven para profundizar en los entresijos de una música exuberante y vaporosa. Incluyó en su repertorio la guitarra eléctrica escuchando los discos de Charlie Christian, otro músico con una enorme influencia en Lagrene. Hasta el momento, Bireli Lagrene, ha grabado mas de una treintena de discos para los sellos, "Jazzpoint"; "Blue Note"; "Dreyfus" y "Antilles", principalmente. Entre sus registros mas destacados por la critica y público, están, además del primer disco suyo grabado en directo como líder en 1980 para "Antilles", titulado "Routes to Django", el extraordinario "Gipsy Project" en 2001 para el sello "Dreyfus".

En cualquier caso, este talentoso guitarrista, tiene por delante una extraordinaria carrera por desarrollar en los próximos años, que seguro le llevaran a ocupar uno de los grandes sitios del jazz.

SCOTT LAFARO


Como le había pasado a Jimmy Blanton antes que a él, el contrabajista Scott LaFaro, (1936-1961), dispuso de muy poco tiempo para alterar radicalmente la forma de tocar el contrabajo en el jazz, pero lo consiguió con elegante facilidad.

LaFaro se inició en la música con el clarinete mientras cursaba estudios en el instituto en Nueva York, adonde se había trasladado su familia, y eligió el contrabajo en la adolescencia. Trabajó originalmente en bandas de Rhythm & Blues, pero desde 1956 hasta 1957 estuvo tocando con el trompetista, Chet Baker en Los Ángeles. Después de una breve estancia en Chicago en 1957, regresó al Oeste, donde trabajó con el guitarrista, Barney Kessel en el Lighthouse de Hermosa Beach. Posteriormente apareció en compañía de Cal Tjader y grabó con Victor Feldman antes de salir a la carretera con Benny Goodman en 1959.

Poco después abandonó la gira de Goodman para establecerse en Nueva York y formar su propio trío al tiempo que trabajaba de forma independiente con Stan Getz y otros músicos. Antes de que acabase el año, dió un paso trascendental en su carrera cuando se unió al nuevo trío del pianista Bill Evans. Con Evans al piano, desarrolló rápidamente una profunda armonía con el pianista y el batería Paul Motian, que sigue siendo una de las más admiradas del jazz. La música creada por el grupo en los dieciocho meses de su existencia permanece como una de las más influyentes de todos los tríos de piano del jazz: la asombrosa facilidad de LaFaro y su capacidad de construir contrapuntos a los de Evans, además de sus inusuales y característicos modelos rítmicos, supusieron una contribución fundamental a ese logro. LaFaro continuó trabajando fuera del grupo de Evans, tocando y grabando con Ornette Coleman, apareció en el impresionante álbum de dos cuartetos Free Jazz (Atlantic, 1960) con Charlie Haden y fue un complemento melódico y rítmico asombroso para Coleman en un álbum grabado por su cuarteto, Ornette! (Atlantic, 1961). No hay duda de que Coleman le apreciaba, ya que incluso tituló uno de los temas: "The Alchemy of Scott LaFaro". No obstante, su inmensa promesa se quedaría sólo en eso, ya que, en el verano de 1961 y después de abandonar la casa de su madre para dirigirse a un ensayo con el trío de Evans, LaFaro se mató cuando su coche se salió de la carretera y chocó contra un árbol.

TOMMY LADNIER

El trompetista, Tommy Ladnier (1900-1939), se trasladó a Chicago con apenas diecisiete años recién cumplidos para tocar en los barcos fluviales que llegaban y salían de la ciudad. Así fue como se enroló en la orquestas de Charlie Creath y del popular Fate Marable, en esta ultima a comienzos de los años veinte. En 1924, se enroló con el grupo del clarinetista, Jimmie Noone y posteriormente cubrió la baja de Louis Armstrong, en el grupo del cornetista, King Oliver.

Ladnier, permaneció con Oliver entre 1924 y 1925 con quien grabaría varias sesiones de estudio. También actuó en aquella época con algunas cantantes de blues, en concreto con Lovie Austin, hasta que en 1925, viajó a Europa con el grupo del pianista y arreglista, Sam Wooding. Una breve estancia en New York, le sirvió para enrolarse con la orquesta de Fletcher Henderson con quien estuvo dos años entre 1926 y 1927, y que precedería a otro viaje a Europa con el mismo grupo en 1928. En 1930 trabajó con la orquesta del vocalista, Noble Sissle, realizando con su grupo, giras a uno y otro lado del atlántico.

Por aquellos años, Tommy Ladnier, hizo una gran amistad con el clarinetista de New Orleáns, Sidney Bechet, y al mismo tiempo comenzó a abusar del alcohol. Con Bechet, formaría en 1932 la New Orleáns Feetwarmers, una banda que luchaba por encontrar un público que apreciara su música. Con aquella formación grabaría para RCA algunos discos importantes del jazz primitivo. Ladnier y Bechet se retiraron durante un par de años de la escena musical y acordaron asociarse para regentar una ..sastrería! en Harlem. Con la salud deteriorada, Ladnier volvió en 1935 para tocar en New York y New Orleáns junto a Mezz Mezzrow, Sidney Bechet y otros músicos criollos.

Tommy Ladnier, tenía una forma de tocar la trompeta brillante y firme y su música sobrevivió a duras penas en una época donde Armstrong reinaba en la era del swing. En el verano de 1939, su compañero de correrías y aventuras musicales, Mezz Mezzrow lo encontró muerto en su domicilio.

STEVE LACY

Steve Lacy (New York, 1934), es un instrumentista singular en la historia del jazz. Su instrumento, el saxo soprano, ha sido y es por lo general, un elemento secundario para la mayoría de los saxofonistas, que veían en él algo complementario al sonido de los otros saxos. No obstante, Steve Lacy, es junto con el genial Sidney Bechet y el no menos extraordinario, John Coltrane, uno de los tres mejores saxofonistas sopranos que ha dado el jazz, y desde luego el músico vivo que mejor lo practica.

Sus comienzos fueron junto al guitarrista de dixieland, Dick Sutton en 1954, un músico que quiso revitalizar ese estilo de los años treinta, pero tuvo la fortuna de conocer al excelente pianista, líder del jazz de vanguardia por aquella época, Cecil Taylor. Con Taylor, Steve Lacy estuvo dos años, entre 1955 y 1957, y su colaboración se cerró ese ultimo año con la actuación en el Festival de jazz de Newport. Tras la experiencia con el pianista, Steve Lacy, conoció al arreglista, Gil Evans con quien permaneció todo el año 1957. Posteriormente perteneció brevemente al quinteto de Thelonius Monk con quien tocó en 1960 durante un periodo de seis semanas. Entre 1961 y 1964, estuvo trabajando con el cuarteto de Roswell Rudd, un trombonista también escorado hacia el freejazz.

Steve Lacy, está considerado como el primer instrumentista moderno del saxo soprano, un músico creativo y con capacidad para crear sonidos y melodías fascinantes. Maestro del solo absoluto, Lacy es uno de los grandes conocedores de la música de Monk, una música que se convertiría en obsesiva para el saxofonista, hasta el punto de que fue un gran investigador de los acordes con los que Monk expresaba sus melodías. En noviembre de 1961, Steve Lacy grabaría para el sello New Jazz una obra maestra absoluta del jazz. El álbum llevaba por titulo una composición de Thelonius Monk, titulada "Evidence" y su éxito se debe, mitad a los temas elegidos - hay dos composiciones de Ellington, y mitad a la configuración del grupo de músicos; Don Cherry a la trompeta, Carl Brown, al contrabajo y Billy Higgins, a la batería.

Steve Lacy, continua en la actualidad ofreciendo conciertos y actuaciones en todo el mundo y ha visitado varias veces nuestro país para participar en diversos festivales de jazz.

FRANK LACY

Frank Lacy, un poderoso trombonista de Texas, es una de las figuras claramente consolidadas en el jazz moderno. Como buen ascendente tejano, defiende visceralmente su idea de la música y el jazz que toca conecta rápidamente con el publico que va a escucharle. Comenzó su aprendizaje en la Berklee School of Music de Boston, donde coincidió con otros músicos que pronto serían grandes artistas del jazz contemporáneo: Branford Marsalis, Greg Osby o Marvin Smith.

Sus comienzos profesional como miembro de la "Brass Fantasy" del trompetista Lester Bowie - con la que visitó en los años noventa España- o con la Bigband de Carla Bley, sin dejar atrás su estancia en la Mingus Bigband, dejaron ver a un brillante solista sin límites técnicos o conceptuales visibles, y su evolución hacia terrenos mas comprometidos, comprobadas también por el publico de Madrid en directo, permitieron descubrir a todo un músico, original y fresco, capaz de garantizar el goce físico escuchando jazz. El trombón en el jazz moderno tuvo serias dificultades para adaptarse a la nueva situación hasta que llegó el maestro Jay Jay Johnson y consiguió de forma extraordinaria que ese instrumento, típico de las grandes bandas de swing, sonora en el bebop con fuerza propia y Frank Lacy es su digno seguidor en estos primeros años del tercer milenio.

Frank Lacy, sin ningún tipo de complejos, ha abarcado con su trombón todo el amplio calidoscopio musical que ha sido posible: desde el "reage" hasta el "bebop", el "freejazz", la música criolla de Nueva Orleáns o incluso el "jazz-rock". Frank Lacy ha trazado con su trombón una carrera estelar en los más diversos ámbitos de la música negra. Los "Jazz Messengers" de Art Blakey o la "Brass Fantasy" de Lester Bowie son algunos de los testimonios musicales de este magnifico artista que con apenas treinta y pocos años ya ha alcanzado notoriedad para seguir siendo protagonista en el jazz del futuro.

JOACHIM KÜHN

Nacido en la entonces denominada República Democrática Alemana, el pianista Joachim Kühn recibió junto a su hermano las primeras lecciones de piano y composición de la mano de Arthur Schmidt-Elsey, entre 1949 y 1961. Su debut en un concierto con público se produjo en 1949 interpretando música de Robert Shumamn, y hasta 1961, sólo tocaba música clásica.

Se hizo músico de jazz cuando entró a formar parte del quinteto denominado "S + H" y entre 1962 y 1966, todavía viviendo en la zona Oriental de Alemania, dirigió su propio trío que tuvo la habilidad de ser el primer grupo de freejazz en Europa. En 1966 se trasladó a Hamburgo junto a su hermano y tocó en su cuarteto hasta 1969. Joachim Kühn aprovechó con habilidad su calidad para tocar al lado de los músicos de jazz que desembarcaban en la vieja Europa desde Norteamérica y en ése sentido tocó al lado del saxofonista, Phil Woods y de otros músicos. Formó parte del grupo de jazz experimental denominado: "Association P.C" y con él recorrió, Asia, Norte de África, Portugal y España.

A mitad de los años setenta contactó con músicos norteamericanos provenientes del llamado Jazz rock. Firmó por el sello WEA dejando atrás sus etapa con el sello alemán MPS, demasiado clásico para su música, y mas adelante rompió amarras con sus músicos europeos (Daniel Humair, Aldo Romano y Jenny Clark, principalmente) y decidió tocar sólo con bateristas y músicos provenientes del jazz rock. Tras una década experimentando con ésa música retorna a Europa y a su regreso reúne a sus amigos y celebra con ellos un extraordinario concierto en el teatro dela villa de Paris en 1989.

STEVE KUHN

El pianista, Steve Kuhn, comenzó a estudiar el instrumento a los cinco años tomando lecciones de una concertista clásica. Después de tocar cuando joven en algunos locales de Boston, empezó su carrera profesional al lado del maestro del saxo tenor, Coleman Hawkins, Chet Baker y Vic Dickenson. Se diplomó en música en la Universidad de Harvard y después ingresó en la célebre escuela de Lennox donde se encontró con George Russell, John Lewis, Ornette Coleman y otras grandes promesas del jazz que por aquel entonces iniciaban su carrera profesional en el devenir del jazz moderno.

A principios de los años sesenta, y después de una brevísima colaboración con John Coltrane, formó parte de los grupos de Kenny Dorham, Stan Getz y Art Farmer, liderando por primera vez una formación en la que estaba el baterista, Pete La Roca y el bajista, Steve Swallow. A principios de 1970 se trasladó a Europa, concretamente a Suecia, donde tocaba muy a menudo con dos pesos pesados en el jazz del viejo continente: Palle Danielsson y John Christensen. Antes, en 1967, había grabado una obra maestra con composiciones de Gary McFarland titulado: "October Suite" (Impulse) que le supuso el reconocimiento internacional de la critica especializada. Con una formación plenamente consolidada, y el prestigio ganado tanto en América como en Europa, Steve Kuhn desarrolló durante el ultimo cuarto del siglo XX una actividad jazzistica incesante; sus discos fueron saliendo de manera regular en los sellos: ECM (1974-1981); OWL (1986-1989); Concord Jazz (1990-1992) y Reservoir Records (19980-2000).

En el otoño-invierno de 2000, Steve Kuhn estuvo de gira por España junto a la cantante Sheila Jordan, y en ese contexto, Apoloybaco, tuvo la suerte y la dicha de asistir al extraordinario concierto que ambos protagonizaron en el Teatro Central de Sevilla, en noviembre de ese año. Todavía es recordada la ovación de más de cinco minutos de duración que el publico asistente tributó, puestos en pie, a estos dos magníficos profesionales del Jazz.

GENE KRUPA

El baterista, Gene Krupa (1909-1973), poseia un sentido innato del espectáculo, y eso en la era del swing, vendía muy bien. Con una audiencia totalmente entregada y enfervorizada en los míticos salones de baile, por la forma de tocar de Krupa, este extraordinario músico fue uno de los grandes instrumentistas de la era del swing, y desde luego el primer batería de renombre en la historia de esta música.

Su primera sesión de grabación fue en 1927 con la Mckenzie-Condon Chicagoans, una bigband con quien grabó varios temas hasta bien entrada la década de los treinta. En 1934 se enrola en la gran banda del clarinetista, Benny Goodman, con quien escribiría los mejores años de su carrera musical. En el seno de la orquesta de Goodman, Gene Krupa, puso en practica todos sus recursos de excelente baterista y era espectacular verle en acción. Su participación con Benny Goodman, no se limitó al seno de la gran orquesta de swing, sino que junto a músicos enormes como el vibrafonista, Lionel Hampton, o el pianista, Teddy Wilson, participó en las famosísimas sesiones del clarinetista a trío o cuarteto que la radio americana difundía por toda Norteamérica.

Su fama creció como la espuma y después de dejar a Goodman -con quien grabó el famoso concierto del Carnegie Hall en 1938- formó su propio grupo con la presencia estelar del trompetista, Roy Eldridge y la cantante blanca, Anita O'Day. Gene Krupa contribuyó enormemente a popularizar la batería en el mundo del jazz, llegando incluso a protagonizar una película titulada "Ball of Fire" del director, Howard Hawks, en la que se le vio interpretando un solo de batería, con una caja de cerillas y un par de fósforos...increíble, pero cierto.

Gene Krupa, fue grande incluso fuera de época. En 1956, el productor, Norman Granz, a la sazón, dueño del sello Verve, reunió en estudio a figuras legendarias del swing y le encargó a Krupa que liderara el proyecto. Aquella superproducción musical, reunió a figuras como Jay Jay Johnson al trombón, Roy Eldridge a la trompeta y Anita O'Day en el canto. El disco resultante fue editado por Verve bajo el titulo de "Drummer Man" y su swing relajado, pero intenso, alcanzan un gran nivel. Krupa continuó con la organización de Norman Granz bajo el circuito del JATP durante toda la década de los cincuenta e incluso los primeros años sesenta.

Columbia en 1959, hizo la película "The Gene Krupa Story" sobre la biografía del fenomenal baterista. El papel de Gene Krupa lo interpretó, el artista, Sal Mineo. Gene Krupa, quien anteriormente tuvo problemas con la policía por consumo de droga - fue arrestado y condenado levemente- falleció en Octubre de 1973.

KARIN KROG

La cantante noruega, Karin Krog, nació en Oslo en 1947. Debutó en 1964, participando en festivales de Jazz en toda Europa. En 1967 se trasladó a USA, donde cantó con la orquesta de Don Ellis y el trío de Clare Fischer en Los Ángeles en 1967. Durante la Exposición Mundial de Osaka, en Japón, realizó varios conciertos con la "European All Stars". Entre 1970 y 1972 actuó en los Estados Unidos, primero en una gira de la "State Grant Study", y luego en el Festival de la Juventud de la Universidad de Illinois. Posteriormente en 1975, volvería a los Estados Unidos para grabar y actuar en Hollywood. Ha realizado giras por todo el mundo, siendo acompañada por Dexter Gordon, Archie Sheep y muchos de los mejores exponentes del Jazz europeo. En 1969, la revista norteamericana especializada en jazz, "Down Beat" la proclamó en una de sus encuestas como la mejor cantante de jazz europea, recibiendo el premio d ela critica.

En 1971, en Japón, su canción "Some Other Spring" incluida en el disco grabado con Dexter Gordon, sería proclamada mejor canción de jazz del año. Cantante de finísima calidad, su ídolo fue Billie Holiday.

DIANA KRALL

La cantante-pianista canadiense, Diana Krall, es hoy sin duda alguna, la mejor voz del jazz de este incipiente siglo XXI. Educada musicalmente en su ciudad natal de Nanaimo, su primera clase de piano clásico la tomó cuando tenía 4 años, y en el instituto donde estudia, forma parte de una banda de jazz, y emula a su padre al tener una gran colección de grabaciones para piano. El padre de Diana Krall es la principal influencia de esta mujer a la hora de decidir hacer jazz.

Krall, se traslada al Berklee College of Music con una beca a principios de los años ochenta, viaja posteriormente a Los Ángeles, donde fija provisionalmente su residencia durante tres años antes de volver a Toronto. En 1990 se asienta en Nueva York, donde toca con un trío a la vez que canta. Su primer álbum con el sello Justin Time Records, "Stepping Out" fue un extraordinario debut que hacía presagiar un prometedor futuro. Diana Krall, firma con GRP para grabar su segundo trabajo, el magnifico: "Only Trust Your Heart" y con Impulse! graba el tercero, un tributo al trío de Nat King Cole titulado "All for You". Este álbum le dio el espaldarazo definitivo en las escena jazzistica y desde entonces, sus discos, con algún pequeño altibajo, son de una brillantez inigualable entre las cantantes vivas de jazz.

Se consolida cuando en 1977, graba "Love Scenes", un extraordinario registro exquisitamente jazzistico. Tras un breve desliz hacia el comercialismo - decide sacar un disco de canciones navideñas, al estilo de Bing Crosby o Frank Sinatra- graba el extraordinario: "When I Look in Your Eyes", un álbum con el que se presenta al Festival de Jazz de San Sebastián de ese año y que tiene la virtud de romper las barreras minoritarias del jazz para llegar al gran publico, convertirse en un "superventas" de éxito, y todo ello sin renunciar al canto jazzistico. Con este disco, Diana Krall, ganó en 1999, un premio Grammy al mejor disco de jazz. Tras este enorme éxito, la cantante canadiense obtuvo patente de corso de su productor y manager para sacar al mercado el disco menos jazzistico de su breve, pero espléndida carrera, y sin embargo el que mas éxito comercial obtuvo en su época. Tanto que estuvo pujando por el ser el mejor disco del año 2000, en todas las categorías y estilos. "The Look of Love" fue un disco mediocre que hacia presagiar un escorzo de la artista hacia latitudes musicales mas onerosas económicamente y de mas éxito comercial.

Su siguiente disco desmintió todos nuestros temores y Diana Krall sacó un "Live in Paris" inconmensurable, lleno de swing, de belleza y de las mejores dotes artísticas de una gran cantante de jazz. Sus seguidores esperan impaciente la salida al mercado de su siguiente disco grabado en Mayo de 2003 para Verve, titulado "One Night in Paris".

ROY KRAL

El cantante, pianista y compositor, Roy Kral empezó a tocar el piano muy joven y sus primeras experiencias en publico las obtuvo dirigiendo una orquesta de estudiantes. Durante el servicio militar (1942-1946) trabajó como pianista-arreglista en la armada y una vez licenciado, en Detroit dirigió una orquesta de radio. Fue en ese contexto cuando conoció a la que luego sería su esposa y pareja artística, la cantante Jackie Cain. Ambos formarían para siempre un dúo vocal que obtuvo en su época un enorme éxito. A uno de sus conciertos asistió el saxofonista Charlie Ventura que a principios de 1948 los contrató en su propio grupo donde estuvieron aproximadamente hasta principios de 1950. Antes, el 27 de junio de 1949 ambos contrajeron matrimonio y desde entonces formaron pareja musical indefinidamente.

Ambos dieron vida a un sexteto que se disolvió en apenas unos pocos meses. Encontraron trabajo en un show televisivo a principios de la década de los cincuenta y en 1953 volvieron a unirse al grupo de Charlie Ventura en donde se establecieron por una buena temporada residiendo en New York. En 1957 se trasladaron a Las Vegas donde estuvieron actuando en casinos, hoteles, salas de fiestas y cabarest, durante cinco años cuando decidieron en 1962 volver a New York. Su dúo vocal popularizado bajo el nombre de "Jackie and Roy" actuó en Europa después de obtener un notable éxito de popularidad gracias a la televisión norteamericana y su relación con el jazz es además de muy esporádica poco valorada por los críticos aunque su voz era muy refinada y su estilo no estaba exento de sing. En 1982 Roy Kral y Jackie Cain grabaron para Concord Jazz el álbum que tuvo, desde el punto de vista jazzistico, mas éxito: "High Standars".

LEE KONITZ

Lee Konitz (Chicago, 1927) es uno de los discípulos mas dotado y heterodoxo salido de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Su sonido fue y es, una voz de referencia indispensable y original para los músicos blancos de la Costa Oeste americana y del movimiento cool. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil, Lee Konitz, es hoy, todavía en activo, uno de los saxofonistas mas importantes del jazz.

Sus comienzos en la orquesta de Claude Thornhill, en 1947, ya presagiaban el gran músico en ciernes que vendría después. Lo confirmaría plenamente cuando Miles Davis, lo llamó para formar su celebérrimo "Noneto Capitol", con el que grabaría el germinal álbum titulado "Birth of the Cool" en 1949. Estuvo con Miles Davis, dos años, entre 1948 y 1950 y entremedias, estuvo colaborando con el renovado sexteto de Lennie Tristano en 1949. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año año desarrolló su carrera como líder en solitario. Ha grabado y trabajado con los mejores músicos de jazz: Charles Mingus, Gerry Mulligan, Paul Bley, Don Friedman, Joe Henderson o Elvin Jones.

En 1954, inicia con el álbum "Very Cool" para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico como Apoloybaco pudo comprobar insitu, cuando el gran maestro del saxo apareció por Sevilla en noviembre de 1997 en la 8ª edición del festival de jazz de la provincia de aquel año en Alcalá de Guadaira.

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