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KING CURTIS


King Curtis, (1934-1971), fue uno de los saxofonistas mas explosivos de la música afroamericana. Impregnado desde su infancia de la mas pura esencia gospel y también con reminiscencias del Rhythm and Blues, su breve carrera, a la que puso fin en una pelea callejera que le costó la vida, se inició en los pupitres de la orquesta del vibrafonista, Lionel Hampton, pero fue popularmente conocido por lanzar como acompañante a la gran dama del soul, Aretha Franklin. También tocó junto a los grandes interpretes de la música del alma: Otis Reding o el gran Wilson Picket

Su carrera se forjo casi siempre con el sello, Atlantic y ahí formo su propio grupo denominado, "King Curtis & His Soul Inc". Con su grupo abarcó desde el Soul hasta el funk en un desarrollo natural y sin perder las raíces del sonido de New Orleáns. Tuvo un gran éxito y fue considerado un gran saxofonista y ha sido escuela para muchos músicos contemporáneos, entre ellos, el joven Maceo Parker.

JAMIE CULLUM


Jamie Cullum se ha convertido en muy pocos años en uno de los jóvenes cantantes-pianista de jazz mas importantes del reino Unido y su promoción comercial por el sello Universal Classics and Jazz, por el que la discográfica invirtió 1 millón de libras esterlinas, ha hecho todo lo demás.

Hasta entonces este joven de apenas 24 años había estado tocando en el Pizza Express, un club ubicado en el Soho, de la capital londinense. Antes había tocado con apenas 16 años en bares, en clubes y hoteles en su nativa Wiltshire. Desde la aparición en octubre de 2003 en la Gran Bretaña, de su álbum Twenty Something, Jamie Cullum vendió 850.000 copias consiguiendo la categoría de doble platino. Twenty Something se convirtió así en el álbum de Jazz que más rápido ha vendido en la historia de la Gran Bretaña y Cullum en el músico de jazz que mas discos ha vendido en todos los tiempos en su país.

Jamie Cullum obtuvo el premio a "Mejor Artista Nuevo" en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y también fue nominado como "Artista Revelación" en la ceremonia de entrega de los premios Brit, junto con The Darkness, y Dizzee Rascal. En dicha ceremonia Cullum actuó con Katie Melua en un dueto de la canción de The Cure, "Lovecats". Con motivo del espectacular éxito, Jamie llevó su música a Estados Unidos por primera vez. Estuvo actuando durante tres semanas en The Oak Room, del hotel The Algonquin, en Nueva York, siendo el primer músico europeo blanco en entrar en ese santuario del jazz norteamericano. Las criticas del New York Time, el día después del concierto le abrió las puertas al publico norteamericano que veían en él a un dignísimo sucesor de Harry Connick JR. Desde entonces, Jamie Cullum ha regresado varias veces a los Estados Unidos, actuando en el popular programa The Late, Late Show y haciendo una corta serie de presentaciones promociónales en la Costa Oeste de la Unión Americana.

De regreso a Europa con el marchamo de haber obtenido el reconocimiento de la critica norteamericana, realizó dos giras por media Europa y por fin tuvo la posibilidad de hacer realidad su sueño, tocar en el legendario Ronnie Scott's, ubicado en el Soho.

VÍCTOR CUICA


El saxofonista tenor, soprano y flautista, Víctor Cuica, comenzó sus estudios en la Escuela de Música Militar de La Victoria, en 1963. Sus actuaciones en la banda de la marina venezolana tuvo su primer acercamiento al Jazz y decidió estudiar flauta, armonía y composición, en la Escuela Superior de Música "José Ángel Lamas" de Caracas. Ingresó en la orquesta de Chucho Sanoja y posteriormente formó parte de la agrupación musical del bajista y cantante, Oscar de León, donde propuso y se aceptó cambiar el nombre de "Oscar y sus Estrellas" por el más apropiado "Dimensión Latina".

Tras un periodo alejado de la música, vuelve a finales de 1976 para dirigir la Coral de la Universidad de Santa María durante tres años. En 1978, compone e interpreta la banda musical de la película: "El Mar del Tiempo Perdido", basada en el relato del mismo nombre de Gabriel García Márquez. (Solveig Hoogesteijn, Venezuela, 1978). En 1979, consolida su grupo: "Víctor Cuica y su Jazz Latino" presentándose por primera vez en el Teatro Alcázar de Caracas y es invitado a dar un concierto en el Teatro Nacional de San José de Costa Rica, con gran éxito de público y crítica. En 1980, compone e interpreta la banda musical de la película "Manoa", y se presenta con su grupo en Curacao y Aruba. Para esas fechas, Víctor Cuica, ya es considerado por la crítica como el más destacado intérprete de Jazz clásico y original innovador en la fusión de Jazz y música afro-caribeña.

En 1981, se presenta con gran éxito en el Festival
"Memphis in May", cuna del jazz en Memphis, Tennessee. El éxito obtenido le permite volver al año siguiente como invitado especial y tambien se presenta en el "Domicile" de Munich, Alemania, donde se dan cita los mejores intérpretes del Jazz europeo y americano. En 1984, graba su primer disco titulado: "Que sea para siempre", cuya venta se agota en breves semanas. Realiza la gira "Rutas Libertadoras" por toda Venezuela, y se presenta en el Poliedro de Caracas alternando con "Preservation Hall Jazz Band", con un rotundo éxito de público. En 1985, Víctor Cuica y su grupo tienen el honor de ser la primera formación venezolana en ser invitado a tocar en el prestigioso Festival Internacional de jazz de Montreal. El grupo continúa su viaje a Québec, donde se presentan en el Festival de verano de la ciudad canadiense donde obtiene un gran éxito de público y crítica cuando alterna con el vibrafonista, Lionel Hampton y su orquesta, terminando ambos aclamados por la audiencia.

En 1988, clausura el Primer festival de Jazz de Caracas, donde regresa al año siguiente para inaugurar el mismo. En 1990, uno de los directores y compositores más prominentes del continente suramericano,
Eduardo Marturet, compone para Víctor Cuica y la Sinfonietta Caracas la obra: "Música para seis y saxo" que es estrenada con gran éxito y que después en 1992 se utilizaría como parte de la música oficial del pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Sevilla de 1992. Se presenta en el V Festival Latinoamericano de Música alternando con grandes de la salsa y posteriormente actúa con su grupo en el II Festival Internacional de Música de "El Hatillo". En 1993, graba su segundo disco, titulado: "Noctámbulo", distribuido por Sony Music International, y al año siguiente es el primer venezolano invitado a participar en el Festival "Mar del Jazz" en Buenos Aires, Argentina, mereciendo fuertes elogios de la crítica local. Sus éxitos continúan y en 1995, es distinguido con el Premio al mejor músico del año por la Casa del Artista de Venezuela, y se presenta como solista acompañado por la Gran orquesta de Jazz de Andy Duran en el marco del VI Festival Internacional de Música de El Hatillo. En 1996, alterna con el guitarrista flamenco, Paco de Lucía en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, en dos conciertos aclamados por el público. Al año siguiente compone e interpreta la banda sonora de la película "Santera" de la cual es protagonista. Esta banda musical le merece el premio a la mejor Banda Sonora de 1997. Es invitado al Festival Iberoamericano de Gramado en Brasil. En 1998, graba su tercer CD titulado: "Just Friends" acompañado por Alberto Lazo al piano. Sus ideas están frescas y produce al año siguiente su cuarto CD titulado: "Los Locos de Caracas" donde comparte con Carlos “Nené” Quintero (percusión), Roberto Jiron (guitarra) y Gerardo Chacón (bajo); distribuido por Sony Music. Ya en el tercer milenio, en 2001, se presenta en el "Festival de Jazz de Barquisimeto" y en el "Festival de jazz de Valencia", y al año siguiente toca en diversos centros nocturnos en New York y Montreal. En el 2003 es homenajeado en el "Festival de Nagua Nagua" y su actividad musical prosigue en la actualidad llena de vitalidad y fuerza.

YOIO CUESTA


En 1987 comienza en Barcelona, la ciudad en que reside, sus primeras incursiones en la danza como bailarina principal de la compañía New Face con quien actúa en diferentes salas como Scala, Trauma y otras. En 1988 comienza una aventura con el teatro que dura dos años, trabajando con la compañía "Cosas de casa". Continua con la música entrando a formar parte del grupo Tzaboo como corista, con quienes edita dos discos en la compañía Dro East-West, esto les conducirá a hacer varias televisiones y competir en el Festival de Benidorm.

En 1992 marcha a Almería y se adentra en el mundo del jazz con la ayuda del maestro Paco Ribas guitarrista de reconocido prestigio, con quien amplia notablemente sus conocimientos musicales. Con él y con Diego Cruz forman el Acoustic Soul trío, donde hacen versiones de standars de jazz y soul. Alterna este grupo con grabaciones como corista para artistas como Los Sencillos, Ea, Ópera Prima y otros, además de numerosos jingles para publicidad. En 1995 realiza una gira como solista del grupo Short -Fuse acompañando al mítico bluesman Henry Grey, con quien recorre Inglaterra e Irlanda, finalizando dicha gira en el Festival de Cork de éste último país. En 1997 junto a Paco Ribas y Diego Cruz, inician un proyecto discográfico llamado Insólito Club que desembocaría en el primer disco de esta joven artista con Dro East West, fusionando estilos como el funk”, o el acid jazz.

En 2001, tras la separación del grupo vuelve a Madrid y comienza a participar en espectáculos de House cantado y bailando como solista en salas como Cool (Madrid), Pin Up (Ibiza), Imagine (Bilbao), Shaman (Jordania) y otras. Ha participado en innumerables Jam sessions junto a músicos como Jorge Pardo, Paco Ribas, Larry Martin, Alejandro Vaquerizo, Tony Aguilar, Richie Ferrer, y Moisés Sánchez entre otros. En la actualidad trabaja con la banda de Raúl Marques (salsa-funk) alternando con sus espectáculos de HOUSE y prepara su próximo disco en solitario. En la primavera de 2005 se integra como voz solista en Larry Martin Band para cantar algo le apasiona, el Jazz & Blues.

BING CROSBY


Bing Crosby, nace en el entorno afelpado de la música ligera de Tin Pan Alley y las orquestas comerciales del momento. Se convirtió en el primer cronner de la historia tras aprender de cantantes como, Gene Austín, Rudy Vallee o Russ Columbo una serie de "susurradores" llamados así por su forma de cantar en voz baja y sin esfuerzo. Crosby siempre reconoció su deuda de gratitud con el jazz en general y con Louis Armstrong en particular. La orquesta de Paul Whiteman, le ofreció un contexto adecuado para desarrollar su talento y a finales de los años veinte vivió una etapa de sincero romance con el jazz hasta que en 1929 decidió iniciar su carrera en solitario.

En los años treinta y ya como artista independiente, se convierte en una figura de la radio y ello le permite grabar en 1932 con la orquesta de Duke Ellington el tema: "St.Louis Blues" que no cubre las expectativas creadas. Abundan no obstante los trabajos bien hechos con Isham Jones, con los Mills Brothers o incluso con los hermanos Dorsey. Es tanta la calidad que atesora Bing Crosby, y tanta la facilidad para el "scat" que sin ser exactamente un cantante de jazz, sitúa su arte a la vanguardia de aquella época junto a su héroe y maestro, Louis Armstrong. Firma un contrato con la DECCA a mitad de los años treinta y ello es un obstáculo para el desarrollo de su faceta jazzistica. El cine llama a sus puertas y en la era del Lp, Crosby continua poniendo su impecable voz en toda clase de proyectos siendo el mas notable de todos ellos, el álbum grabado para Verve en 1956 titulado: "Bing Sings While Bregman Swings". Los temas son de primera categoría y los arreglos de Bregman son un ejemplo de funcionalidad y simplismo aunque recuerda con frecuencia a los discos de Frank Sinatra para Capitol. Bing Crosby ya retirado de los escenarios y de la vida artística, falleció en Madrid el 14 de Octubre de 1977 en su domicilio de la Moraleja donde había fijado su residencia.

HENRI CROLLA


El extraordinario guitarrista napolitano, Henri Crolla, debutó en la música muy joven tocando el banjo, un instrumento de la primera época del blues afroamericano, en las terrazas de los cafés parisinos y frecuentando un ambiente bohemio donde el arte y la cultura se manifestaba con profusión en la ciudad del Sena, donde residía desde que su familia se trasladó a Francia.

En aquel ambiente, el maestro del jazz europeo, Django Reinhardt, lo escuchó tocar en una ocasión y le propuso que cambiara el banjo por la guitarra, una decisión que cambió toda su posterior carrera musical y por la que estuvo eternamente agradecido a Django. Aunque ya tocaba en 1938, no fue hasta 1944 cuando su carrera se consolidó al lado del gran Yves Montand, con quien estuvo tocando hasta la muerte de este. Henri Crolla venía de tocar en cabarest, boites parisinas y otros garitos del Paris bohemio, por lo que era muy popular y admirado en aquellos ambientes.

En 1948 acompañó al violinista, Stéphane Grapelli en el club St. Germain de la capital francesa y tuvo la habilidad de ser un músico que descubrió el potencial del cine, participando en decenas de bandas sonoras de los años cincuenta. Músico casi desconocido para la generación actual, Henri Crolla fue un guitarrista excelente, dotado de un swing vibrante y un virtuoso de la guitarra. Tuvo no obstante la mala fortuna de ser coetáneo de otro gran músico que en cierta manera eclipsó su carrera: Django Reinhardt.

CHICK COREA


Chick Corea, es un pianista singular dada su formación musical simultanea entre el jazz y la música clásica. Se introdujo en los ambientes profesionales a mediados de los años sesenta de la mano de los percusionistas, Mongo Santamaría o Willie Bobo y guiado por su pasión por la música latina, acompañó a numerosas figuras del momento como Cal Tjader, Stan Getz o Woody Show.

Su participación en el disco conceptual del "jazz rock" de Miles Davis: "Bitches Brew" le reportó enormes beneficios en el aspecto musical y de popularidad y ello le animó a emprender una carrera en solitario que le llevaría a terrenos musicalmente insospechados. Su primera grabación "Piano Improvisación" para el sello ECM ya dejó mostradas sus cartas y su capacidad para tocar jazz moderno. Formo el grupo "Return to Forever" con el que se situó en la estela de la fusión del jazz con la bossa nova ya explorada con éxito por el saxofonista Stan Getz.

Sus dúos con los pianistas, Herbie Hancock, Keith Jarrett o Friedrick Gulda; sus incursiones esporádicas en la música europea de la mano de Roy Haynes, Gary Peacock o Michael Brecker, hasta llegar a las actuales experiencias eléctricas con su "Electrick Band" o la más actual "Akoustic Band" son muestras del camino recorrido por este extraordinario pianista, referencia indiscutible del jazz moderno y con una capacidad indiscutible para atraerse a un publico heterogéneo mas allá de las fronteras del jazz.

En 1968, grabó para Blue Note su trabajo mas logrado en las orillas del jazz con su álbum: "Now He Sings, Now He Sobs" y en el se resume la carrera de este gran pianista. Un disco y una carrera caleidoscópica

IDA COX


Natural de Georgia, Ida Cox, también hizo el obligado aprendizaje en los circuitos de mainstrel y vodevil propios de las cantantes de blues del siglo XIX. Su voz era menos potente que las dos grandes del blues, Ma Rainey o Bessie Smith, pero sabia cargar de intención las letras de los blues, en su mayoría compuestos por ella. Su primer gran éxito fue el tema "Any Woman Blues" en 1922 junto a Lovie Austin y en aquellas fechas grabó abundantemente para la casa Paramount con el grupo de músicos de la plantilla y especialmente con Tommy Ladnier y con su marido el pianista y organista, Jesse Crump.

La gran depresión del 29 también le afectó y no fue hasta diez años mas tarde, cuando actuando irregularmente en el Café Society de New York, en 1939, John Hammond la sacó a la luz para grabar en el Carnegie Hall junto al gran James P. Johnson, Buck Clayton, Lester Young, Freddie Green, Walter Page y Jo Jones, en un concierto grabado en disco titulado: "From Spiritual To Swing" y reeditado recientemente en un doble CD para Vanguard. Durante los años cuarenta continuo sus grabaciones con la elite del jazz y mostrando sus habilidades. Enferma del corazón se retiro a vivir a Knoxville en Tennessee y sólo reapareció en los estudios en 1961 para grabar junto al quinteto de Coleman Hawkins, un magnifico disco para Riverside titulado "Blues for Rampart Street" reelaborando algunos de sus mas inolvidables blues como el titulado: "Wild Woman Don't Have the Blues". Fue su ultima sesión hasta su muerte ocurrida seis años mas tarde.

CURTIS COUNCE


El excelente contrabajista, Curtis Counce, obtuvo su primer contrato profesional en 1941 con Nat Towles, con el que trabajaría hasta Diciembre de 1944. Tras fijar su residencia en Los Ángeles, estudió composición y arreglos con Lyle Murphy y trabajó durante cuatro años en el grupo del pianista, Edgar Hayes. Continuó su carrera con solistas de talla como el saxofonista alto , Benny Carter, el saxo tenor, Wardel Gray, en la orquesta del cantante, Billy Eckstine y también acompañó al maestro del piano bebop, Bud Powell. Ese pedigrí le convirtió en apenas un par de años en uno de los sideman mas solicitados en toda la Costa Oeste de los Estados Unidos.

En 1954, realizó una gira con el grupo del trompetista, Shorty Rogers, otro de los grandes músicos representativos del jazz que se hacía en la Costa del Pacifico; en 1956 colaboró con con el clarinetista, Buddy de Franco y en marzo de ese mismo año, realizó una gira por Europa que duró hasta mayo con la extraordinaria orquesta de Stan Kenton. Algunos meses después formó un grupo propio con el maestro, Harold Land y el pianista, Elmo Hope. Colaboró en varios discos junto a Art Pepper, Chet Baker y Maynard Ferguson. En 1959, trabajó con Coleman Hawkins interviniendo en una de las ediciones del Festival de Jazz de Monterrey.

Contrabajista dotado de una excelente técnica, de un agudo sentido del ritmo y de un gusto exquisito en sus composiciones, Curtis Counce fue uno de los primeros músicos negros que intervino, y de manera decisiva en la consolidación del llamado estilo "cool", un movimiento esencialmente caracterizado por músicos blancos.

PEDRO CORTEJOSA

Comienza a interesarse por el estudio del saxofón de forma autodidacta en 1990, tras haber sido guitarrista de algunas bandas de blues y acompañante de cantautores. Muy pronto alternará su labor musical, en bandas locales, tanto de Granada ("Mais que nada Quinteto", "Blues Band de Granada") como Cádiz ("Los Trapecistas", "Nota im Blues", "Azul"), con la formación académica en distintos conservatorios hasta obtener el grado profesional en la especialidad de Saxofón. Ha realizado grabaciones y colaboraciones en directo para numerosos grupos y solistas tanto fuera del ámbito jazzístico (El Barrio; Los Trapecistas; Levantito; Mª José Santiago; Los Cucas; Raphael, Angel Corpa, Manolo Carrasco; Pasión Vega, Javier Ruibal, Diego Carrasco) como dentro de él (Sasobongo cuarteto; Sonora Big Band, Alfonso Gamaza, Azul ;Antonio Mesa y Confirmation Quinteto).

Completa sus estudios de saxofón , armonía y música moderna en seminarios con profesores nacionales e internacionales: Mikel Andueza (Taller de músicos de Barcelona); Antonio Mesa; Bobby Martinez; Perico Sambeat, Paolo Fresu y Mike P. Mossman (Seminario de jazz de Sevilla), Zé Eduardo y Frank Tiberi (Workshop Internacional de Tavira) Julián Argüelles, Mark Turner, (Seminario Internacional de Sevilla); Jerry Bergonzi, Dave Santoro (Primer Seminario Internacional de Jazz de Cádiz) etc..

Actualmente imparte el curso de introducción al jazz de la Universidad de Cádiz y su actividad musical se ha desarrollado en los último años en las siguientes formaciones: Confirmation Quinteto (mejor grupo de jazz andaluz – Festival de Jazz de Punta Umbría), Orquesta de Jazz de Andalucía, dirigida por Perico Sambeat, ocupando el atril de primer saxo tenor solista, al igual que en la Gaditana "Sonora Big Band"; y liderando su propio cuarteto, con el que edita un primer trabajo a su nombre con material compositivo original: "Mosaico", presentado en el teatro Central de Sevilla dentro del IV Seminario Internacional de Jazz. En Mayo de 2005, dentro de la programación de Tanjazz (Festival Internacional de jazz de Tánger) se presenta su segundo trabajo discográfico, "Numen", que se realiza a través del Primer Premio al mejor grupo de Jazz Andaluz obtenido en el Concurso Internacional de Jazz del Festival de Granada.

TINO CONTRERAS

El baterista mexicano, Tino Contreras, es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda. Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta "Los cadetes del swing" en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe. Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época.

En 1954 graba el disco "Jazz en México" y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: "Jazz Tropical" (1962); "Misa en jazz" (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, "Jazz mariachi" (1973); "Sinfonía Tarahumara Jazz" (1984); y "Betsabe Jazz fantasía" (2004) entre otras. Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de "The Emmy Awards" en 1997 y "Bravo" en 1999.

Con motivo de sus cincuenta años de profesión,
Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros 'Mi amor al jazz' o 'La historia del jazz en México'.
Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O'Farrill ofreció su famosa "Aztec Suite" con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: "Orfeo en los Tambores", acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio.

HARRY CONNICK JR


Harry Connick Jr. (New Orleáns 1967) ya fue con veinte años un precoz profesional del piano y del cante curtido en los barrios de su ciudad natal o de New York. El sello Columbia que lo descubrió creyó ver en él al soñado y añorado sucesor de Frank Sinatra. Connick es cierto que se acercaba al jazz con interés pero sus primeros trabajos discográficos fueron hechos a piano solo en 1985 y aparecía tocando, mitad el estilo stride, mitad a lo Thelonious Monk.

Su segundo trabajo titulado genéricamente "20", incluía ya algunas piezas vocales, pero la consagración definitiva le vino del cine cuando hizo la banda sonora original de la película: "Cuando Harry encontró a Sally" dirigida por Rob Reiner, en 1989. A partir de ahí grabó discos con frecuencia, realizó varias giras internacionales y se convirtió en un símbolo sexual para el publico juvenil, como ya lo fuera en su día, Frank Sinatra o Dick Haymes. Connick es un barítono de caudal limitado y timbre velado en la línea de Bennett o Mél Tormé a quienes ocasionalmente recuerda.

En 1991, grabó un buen disco titulado: "Blue Light, Red Light" de estilo romántico que tuvo un notable éxito, pero su consagración discográfica vino con el álbum "25" grabado en 1992 para Columbia y en el que incluía varios temas de Johnny Mercer. En él su voz se escucha asentada y mejor colocada y su interpretación es mas rica y cálida que nunca. Harry Connick, continua en la actualidad grabando para Columbia y sacando al mercado un disco año tras año y aunque la calidad es pareja y generalmente buena, falta en su canto la capacidad de embriagar que tenía el citado "25".

CHRIS CONNOR


Recomendada por June Christy, para que ocupara su lugar en la orquesta de Stan Kenton, Chris Connor, permaneció con Kenton hasta el verano de 1953. En sus comienzos cantó en los "Snowflakes" de Claude Thornill y en la formación del clarinetista, Jerry Wald, cuyas emisiones radiofónicas se escuchaban con interés en toda América. En la ciudad de Missouri, cantó en la banda de la Universidad que dirigía el celebre trombonista, Bob Brookmeyer en sus tiempos de estudiante. Con Kenton consiguió el éxito con el tema: "All About Ronnie" grabada por primera vez para Capitol en 1953.

El prestigio conseguido afirmó su carrera como solista y firmó un contrato con la pequeña casa "Bethelehem" y en diciembre de 1953 graba varias sesiones con Sy Oliver, Ellis Larkin y Vinnie Burke recopiladas en un disco de larga duración de diez pulgadas titulado: "Chris Connor Sings Lullabies of Birdland" que fue un éxito de ventas absoluto. En 1956 fichó por la poderosa Atlantic aunque no obtuvo el éxito que sus productores esperaban. Atlantic le dio la oportunidad de codearse con los músicos de la Costa Este y así sus apariciones con los trombonistas, Jay Jay Johnson y Kai Winding dieron lugar a un excelente disco titulado "This Is Chris", donde la cantante pudo realzar sus virtudes sobre todo en el fraseo relajado de la grabación.

Chris Connor, también sucumbió a la moda de los "soongbooks" y le dedico uno al genial compositor George Gershwin en su doble álbum: "Sings the George Gershwin Almanac of Song" de 1957 y con diversas formaciones en trío, quinteto, sexteto, etc. A la cancelación del contrato con Atlantic, siguió un periodo de desorientación bastante común para todas las cantantes de jazz en los años sesenta y solo un par de discos para el sello "ABC" muy mal arreglados por Don Sebesky, le sirvieron para apartarse de los escenarios hasta que en los años ochenta y noventa relanzó su carrera grabando para Contemporary. El paso del tiempo ha jugado a favor de esta magnifica cantante y su expresión y profundidad en el canto ha ganado enteros.

EDDIE CONDON

Eddie Condon, nació en Goodland (Indiana) en un pueblo de doscientos habitantes cerca de la frontera del estado de Illinois y por tanto próximo a Chicago, la ciudad a la que estaría unido musicalmente para toda su vida. Criado en una familia irlandesa y en un ambiente católicamente radicalizado, su padre fue aficionado a la música y de pequeño tocó el ukelele en un grupo familiar. A los dieciséis años abandonó sus estudios y el colegio y se hizo músico profesional. No sabia leer partituras, pero tenia un oído muy fino y dominaba el banjo y la guitarra tenor de cuatro cuerdas. En aquella primera época se unió al grupo de un tal, Hollis Peaveay, los "Jazz Bandits" que se limitaba a reproducir el repertorio de la "Original Dixieland Jazz Band".

Los jóvenes blancos de Chicago oían blues y jazz por todas partes y Eddie tuvo la oportunidad de tocar a esa temprana edad con el mismísimo Bix Beiderbecke. Creó junto a otros jóvenes el grupo "Chicagoans" que en 1962 se presentan como los "Husk O'Hare Wolverines" en clara alusión a la orquesta estudiantil con la que Bix se hizo famoso. Allí confluirían músicos que estarían presentes durante la carrera musical de Eddie Condon: Pee Wee Russell, Gene Krupa, Mez Mezzrrow o un jovencísimo, Benny Goodman.

Sus grupos empezaron a grabar dada la facilidad para liderarlos que tenia Eddie. Así en 1928 lo hicieron para el sello "Brunswick" como los "Chicago Rhythm Kings". Posteriormente grabaría entre 1932 y 1935 con el trompetista Bunny Berigan en el "Famous Door", o con Bud Freeman en New York. Era sabido que a Eddie Condon, le gustaba tocar en pequeños grupos a pesar de que era el apogeo de la época del swing y a pesar de todo lo consiguió. Sus actuaciones diarias en en el "Jimmy Ryan's" o en el "Nicks" dos locales famosos de la Calle 42, fueron seguidas con gran interés por el publico.

A finales de los años treinta un hecho significativo daría un cambio a su vida. Eddie se hizo socio del productor, Milt Gabler, propietario de "Commodore" un pequeño pero selecto sello discográfico que acogía la música de pequeños grupos de New York ignorados por las grandes compañías. Gracias a ello, las grabaciones de Eddie Condon, proliferaron y su presencia en la vida nocturna y musical de New York adquirió una gran popularidad. Sus solistas, en especial el trombonista, Jack Teagarden, se convierten en verdaderos ídolos. Aquel éxito le permitió abrir su propio club al que llamó "Condon's" que se convertiría en un centro de reunión para los músicos que tocaban un jazz afin al suyo. Graba para Columbia ocho extraordinarios discos entre los que destacan: "Jammin' at Condon's" considerado una de las joyas del movimiento Dixieland.

Alcohólico empedernido (una vez declaró en alusión a la capacidad de su local y a preguntas de un periodista, que en su club cabrían al menos, unas doscientas cajas de whisky) viajó a Inglaterra en 1957 y a Japón en 1964 en compañía de sus músicos amigos pero su salud empezó a pasarle factura y murió el 4 de agosto de 1973 en un hospital de New York.

JOHN COLTRANE

John Coltrane, era uno de esos pocos hombres, en arte o en otras cosas, que son capaces de hacer la revolución. Con su saxo se convirtió en uno de los creadores mas importantes de toda la historia del jazz.

Coltrane, había comenzado a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.

Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".

A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo forman el pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno.

Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos a la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la música y ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales. Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum (Crescent) que indica el desplazamiento espiritual en su música que llega luego con su álbum quizás más conocido por el gran publico: "A Love Supreme". Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz".

John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años otra actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las ultimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresión de que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.

LLUIS COLOMA


Nacido en Barcelona (1973), Lluís Coloma es uno de los pianistas más activos y reconocidos de la escena estatal en el campo del Blues y el Boogie Woogie. Influenciado desde temprana edad por los discos de Jerry Lee Lewis, Roosevelt Sykes y Alan Price, Lluís se aleja poco a poco de los estudios de piano clásico para dedicarse, de manera autodidacta, exclusivamente al Rock & Roll. Muy pronto muestra una sorprendente habilidad para el Blues y el Boogie Woogie. Su doble faceta como pianista y organista de Hammond B3, con el que ha desarrollado la técnica del pedalier, su excepcional mano izquierda y su virtuosismo creativo e interpretativo, hace que Coloma se gane en cada actuación la admiración tanto del público como de la crítica especializada.

Desde sus inicios este pianista ha ido creando un toque personal en la interpretación de este estilo, hasta crear composiciones propias, algunas de las cuáles se recogen en su primer disco como líder, "Remember" (Omix Records 2002). Considerado un especialista, ha dado conferencias y clases magistrales sobre la historia del Blues y Boogie Woogie piano, siendo uno de los pocos pianistas en España capaces de recrear los estilos primitivos de este género. Sus más recientes apariciones en festivales nacionales e internacionales son: Festival de Blues de Cerdanyola en diversas ocasiones, Festival de Jazz de Terrassa (2000, 2001, 2002, 2003), Festival de Blues de Viana do Castelo (Portugal, 2001, 2002), Festival de Jazz de Milán (Italia, 2000), Festival de Jazz de Toledo (2002), Festival de Blues de Roses (1997, 2002), Festival de Jazz de Cádiz (2004), Festival de Jazz de Tiana (2004), Festival de Jazz de Orense (2003)

Durante sus actuaciones en festivales internacionales ha tenido la oportunidad de tocar con: Koko Taylor, James Cotton, Axel Zwingenberger, Jimmy Rogers, Corey Harris, Tom Principato, Bob Kirkpatrick, Big Time Sarah...
Colabora con las bandas y músicos como: Amadeu Casas, Tandoori Lenoir
, Ximo Tébar, August Tharrats, Steve de Swardt y Julián Vaughn entre otros.
JAVIER COLINA



El contrabajista Javier Colina comienza a destacar a principios de los 90 en conciertos y grabaciones del denominado jazz flamenco. Forma, junto a Chano Domínguez y Guillermo McGuill, el trío del pianista gaditano, y con ellos participa en festivales de jazz por todo el mundo y en la película Calle 54 del director Fernando Trueba. Su formación jazzística la acreditan conciertos y grabaciones con músicos de gran experiencia, como George Cables, Hank Jones, Barry Harris y, especialmente, con Tete Montoliú.

La aportación de su contrabajo al flamenco queda también avalada por sus actuaciones y grabaciones con Tomatito, Joaquín Cortés, Diego 'El Cigala', Ketama y otros. Igualmente habría que destacar sus encuentros musicales con músicos de Mali, entre los que destaca el maestro de kora, Toumani Diabaté, con quien grabó su disco Djelika. Posteriormente se une a los proyectos de Juan Perro, quien influye en su punto de vista musical sobre la experimentación en el pop, el rock y el son cubano. Con él colabora en la gira "flamenca" y en la posterior grabación y gira de "Raíces al viento".

Una de las giras que le hace sentirse más orgulloso es la que realizó con la Fort Apache Band, con la que encuentra una de las mejores combinaciones de jazz y música latina junto al líder de la banda, el trompetista y conguero Jerry González con el que ha colaborado en muchos otros proyectos. En la presentación de la película Calle 54 en París, toca por primera vez con el pianista Bebo Valdés. Posteriormente realizarán un concierto en el Teatro Albéniz de Madrid, en el que participaría también Diego 'El Cigala'. A partir de ese momento Javier Colina se convierte en uno de los tres pilares en la grabación del disco Lágrimas Negras de gran proyección internacional. Esto le lleva a realizar conciertos y presentaciones con Bebo Valdés, Chucho Valdés y 'El Cigala' alternando esta actividad con actuaciones a dúo y en cuarteto con Bebo. En noviembre de 2005 actúa a dúo junto a Bebo Valdés durante una semana en el prestigioso club neoyorquino Village Vanguard , grabando las actuaciones para un disco de próxima aparición del sello de Fernando Trueba

Recientemente ha salido al mercado su disco Si te contara, que cuenta con la participación imprescindible de Pancho Amat en el tres cubano, a quien conoció en La Habana en 1994 trabajando con Juan Perro. Esta formación de septeto atípico propone una música sustentada en espíritus jazzísticos a ritmo de son cubano. Su grupo se ha presentado con éxito en los festivales internacionales de jazz de San Sebastián y Madrid entre otros.

JOHNNY COLES

El trompetista Johnny Coles, comenzó a estudiar el instrumento a los diez años. Su primer trabajo profesional fue con la Carolina Cotton Pickers en Omaha, Nebraska. En 1948 se unió al grupo de Eddie Vinson con el que permaneció hasta 1951. Desde entonces tocó junto a una larga lista de grandes músicos: Earl Bostic y Philly Joe Jones (1951); la banda de blues liderada por Bull Moose Jackson (1952), James Moody (1956-1958); Gil Evans (1959); Charles Mingus y George Coleman (1964) y en 1965, los críticos especializados de la revista "Down Beat" le proclamaron el mejor trompetista del año en su votación anual. En 1968 entró a formar parte del sexteto liderado por el pianista, Herbie Hancock con quien participo en numerosas grabaciones, entre ellas el extraordinario disco "The Prisoner".

En 1969 trabajó con la orquesta de Ray Charles abandonándola poco después para incorporarse a la de Duke Ellington. Tras la muerte del Duke, Coles volvió con Ray Charles. Sus grabaciones como líder, aunque muy escasas, son apreciado objeto de colección. La primera de ellas, "The Warm Sound of Johnny Coles" (Epic), data de 1961 y en ella le acompañaba un grupo en el que Kenny Drew y Randy Weston se alternaban en el piano. Le siguió en 1963 "Little Johnny C", un clásico del catálogo Blue Note, con la presencia del saxofonista Joe Henderson y el pianista y arreglista Duke Pearson. Tras un periodo más oscuro en el que registra el casi desconocido "Katumbo" (Mainstrean, 1972), diez años más tarde publica en el sello Criss Cross el excelente "New Morning", grabación en cuarteto con Horace Parlan, Reggie Johnson y Billy Hart.

A Johnny Coles se le recuerda sobre todo por su paso a finales de los 50 por la orquesta de Gil Evans, de la que fue uno de sus solistas más destacados participando en discos tan excepcionales como la obra maestra "Out Of The Cool", o por la grabación del clásico de Bix Beiderbecke: "Davenport Blues". Recientemente había intervenido en algunos temas del concierto que la pianista Geri Allen ofreció con motivo de la concesión del Jazzpar Price, editado bajo el título "Some Aspects Of Water", donde una vez más dejaba constancia del lirismo por el que algunos le habían definido como un trompetista poeta. Johnny Coles falleció el 21 de Diciembre de 1996 en Filadelfia a consecuencia de un cáncer. Fue un estilista que se distinguió por su tono cálido y suave, que no ocultaba la admiración por Miles Davis, y por su discurso austero pero lleno de matices.

STEVE COLEMAN



El saxofonista, Steve Coleman, es una de las figuras del jazz mas emblemáticas de los últimos años. Dotado de una gran técnica y formado en los pupitres de las orquesta de Thad Jones, Mel Lewis o la de Slide Hampton, encabezó el movimiento musical denominado "M-Base" (Macro-Basic Array of Structured Extemporization) creado en torno a su grupo: "Five Elements", una formación con profundas raíces en el jazz y en el hip-hop.

Por los "Five Elements" han pasado grandes músicos y artistas del jazz contemporáneo: Greg Osby, Graham Haynes, Cassandra Wilson, Lonnie Plaxico, Geri Allen, Robin Eubanks o Reggie Washington entre otros muchos. Los planteamientos musicales y estéticos de "M-Basic" se aproximan a la de otras agrupaciones musicales anteriores y su labor no está muy alejada del concepto de "Great Black Music" al que tantos esfuerzos dedicó el "Art Ensemble Of Chicago".

Tras las carreras en solitario del saxofonista, Greg Osby o de la cantante, Cassandra Wilson, Steve Coleman es la figura mas representativa del movimiento "M-Base" y en sus trabajos se dan citas los estilos de la música afroamericana, desde el bebop, hasta el funk, pasando por el Rap impregnado de jazz. Su amalgama estilística, su rigor y su reputada fama como instrumentista, han hecho de Steve Coleman una de las referencias importantes del jazz moderno.

ORNETTE COLEMAN


Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas.

En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.

Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón.

Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.

GEORGE COLEMAN


El saxofonista, George Coleman, (Memphis-Tennessee- 1935), debutó en los años cincuenta en la banda del genial bluesman, B.B. King y ese espectacular comienzo de carrera musical, marcó su destino y su estilo como saxofonista de jazz. Adscrito al movimiento Hardbop, de la mano del baterista, Max Roach (1958-1959) o del octeto del pianista, Slide Hampton, (1959-1961) despuntó en varias formaciones adquiriendo prestigio y calidad.

Su mayor momento de gloria como músico lo alcanzó a principios de los años sesenta cuando formó parte del quinteto del trompetista, Miles Davis, grabando entre otros temas el mítico: "All Blues". Junto a el, estuvieron en aquél quinteto, además del propio Miles, Herbie Hancock, al piano, Ron Carter al bajo, y Tony Williams a la batería. A partir de aquel momento su prestigio y su caché como músico aumentó notablemente y ello le valió que participara en numerosas grabaciones al lado de los grandes del jazz, entre ellos, Elvin Jones o Lionel Hampton. George Coleman, también intentó aunque con menor éxito, consolidar su propio grupo donde intentaba fomentar su creatividad y su capacidad imaginativa para la improvisación. En 1974, reapareció junto a su antiguo compañero de quinteto, Herbie Hancock para participar en el álbum: "Maiden Voyage" una autentica obra maestra.

EARL COLEMAN


Hay quien compara a Earl Coleman (Port Huron-Michigan 1925) con el excepcional cantante, Johnny Hartman, y desde luego que a veces lo recuerda y se asemeja, aunque la principal similitud de ambos, es su deuda con el gran Billy Eckstine y su infructuosa lucha por reeditar un éxito compartido con otra estrella. Si Johnny Hartman, tuvo en Coltrane y su disco grabado con el saxofonista el cenit de su arte, Earl Coleman, alcanzó el reconocimiento a su canto cuando grabó con su amigo Charlie Parker, recién salido el genio de Kansas City del hospital Psiquiátrico de Camarillo un par de temas: "Dark Shadows" y "This Is Always" en 1947.

Ni siquiera el tema grabado con Sonny Rollins en el disco "Tour de Force" (Prestige 1956) le devolvió ese éxito y tampoco los discos grabados a su nombre como por ejemplo: "Earl Coleman Returns" su mejor grabación junto a Hank Jones, Art Farmer y Gigi Gryce. En definitiva, un cantante esforzado, voluntarioso, pero no de demasiadas escuchas. Al contrario que otros y otras, la edad no le ha beneficiado, solo lo ha hecho mas extravagante. Falleció en 1995.

BILL COLEMAN



Como tantos otros trompetistas crecidos durante el imperio absoluto del genial Louis Armstrong, Bill Coleman, convivió con ese peso en la época que la trompeta era el instrumento rey del jazz. Nunca nadie ha reconocido en este músico su capacidad y su calidad dentro de la música afroamericana y su estilo, elegante, sólido y de buen gusto que imprimía a su trompeta. Sus grabaciones con Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Benny Carter o la orquesta de Andy Kirk así lo atestiguan.

Olvidado por sus paisanos y alejado de los circuitos importantes del jazz en los Estados Unidos, Bill Coleman, emigró a Europa donde se instaló para siempre y fue un modelo y un maestro para centenares de músicos del viejo continente que veían en el las raíces del jazz. En 1967 grabó para el sello Black Lion, lo que es una de las joyas del swing. Un mano a mano entre él y el saxofonista Ben Webster que fue una pura delicia.

Bill Coleman falleció en Toulouse (Francia) en 1981.

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