JESÚS LAVILLA


Jesús Lavilla comienza a tocar el piano a la edad de 7 años, dos años después inicia sus estudios de clásico en el Conservatorio Manuel de Falla de la ciudad de Cádiz. No obstante su aprendizaje ha sido prácticamente autodidacta, mostrando una notable tendencia hacia la música moderna y una capacidad excepcional de mimetismo con el piano. Con 13 años entra a formar parte de su primer grupo musical, da comienzo así su dilatada trayectoria profesional. Desde entonces ha pertenecido a distintas formaciones y ha colaborado asiduamente en jam-sessions y festivales acompañando a músicos consagrados del panorama jazzístico.

En 1990, continuando con su formación se inscribe en un curso intensivo de jazz, con las enseñanzas de maestros de la talla de Lluís Vidal, Albert Cubero, Marc Miralta y Chano Domínguez. Tuvo lugar en Cádiz (Conservatorio Manuel de Falla). En 1992, esta vez en Barcelona realiza un segundo curso en el que imparten clases Brad Meldhau, Kurt Rosenwinkel y los hermanos Rossy, Jordi y Mario. Pronto comienza a colaborar con los más grandes artistas y músicos del país, atesorando un recorrido que le ha unido a Tito Alcedo, Nono García, Raúl Rodríguez, Pedro Sierra, Dani “El Niño de Pura”, Manolo Franco, Alfonso Gamaza, Alfredo Paixao, Pablo Martín, Javier Colina, Carles Benavent, José María Guillamó, Antonio Mesa, Xavier Paxariño, Bobby Martínez, Jon Robles, Jorge Pardo, David Moreira, Antonio Serrano, Jerry González, José Mena, Juan de la Oliva, Jimmy González, Antonio Coronel, Guillermo McGill o Pedro Barceló entre otros.

En su faceta de productor, arreglista, programador y pianista ha sido reclamado, tanto para grabaciones discográficas como para giras, por algunas de las figuras más relevantes de la música española. Ha trabajado con Martirio, José Manuel Soto, Rosana, Las Niñas, Javier Ruibal, David De María, Miguel Sáez, Pasión Vega, José “El Francés”, Miguel Aguilera, La Tobala, Deojananá, Los del Río, Chano Lobato o Tate Montoya por citar algunos. De la mano de Martirio ha recorrido España como integrante de sus distintas formaciones. Estas giras le han llevado también a países como Colombia, Puerto Rico, Venezuela, Cuba, USA (Miami), o Italia y Bélgica en Europa, teniendo así la oportunidad de compartir escenarios y música con artistas como Marta Valdés, Soledad Bravo, Claudia Gómez, Jerry González o Miguel Poveda.

Jesús Lavilla formó parte de la orquesta que acompañó a los artistas que homenajearon en Granada al desaparecido Carlos Cano. La Gala fue retransmitida por Antena 3 Televisión y contó con la presencia de Clara Montes, Azúcar Moreno, La Barbería del Sur, María del Monte, El Barrio, José Manuel Soto o Estrella Morente. Desde hace varios años y hasta la actualidad viene participando como pianista en diversos programas de televisión. A destacar "1001 Noches” y "1001 Músicas” de Canal 2 Andalucía presentado por Joaquín Petit, "Festival", "La llamada del Sur" y "Contigo" de Canal Sur TV. También en TVE colaboró en el programa "Gente de Primera”. Su paso por estos programas y otros especiales le permitió acompañar en directo a Lolita, Carlos Baute, Sergio Dalma, Niña Pastori, Marifé de Triana, Rocío Jurado, Rafael o María Jiménez.

Su trayectoria profesional avala a Jesús Lavilla como uno de los músicos andaluces más versátiles y con más interesante proyección en el panorama de la música nacional e internacional.

YUSEF LATEEF


El saxofonista, Yusef Lateef (Chatanooga, 1920) es uno de los saxofonistas tenores mas importantes del jazz de la llamada escuela de Detroit. Su capacidad como instrumentista es conocida en los ámbitos musicales de los Estados Unidos y de ello da fé su calidad con la flauta, el oboe y el fagot, instrumentos raros y heterodoxos en la música de jazz.

Yusef Lateef, adoptó ese nombre cuando se convirtió al Islam (su nombre de nacimiento era, William Evans) y intentó, no siempre con éxito, ser un pionero en la tentativa de hermanar el jazz con otras culturas musicales. Sus comienzos fueron en 1946 con la orquesta del vocalista, Lucky Millinder, y terminó la década de los cincuenta - su época dorada- con la participación en los grupos de Hot Lips Page, con el trompetista, Roy Eldridge y en la bigband del genial Dizzy Gillespie.

A principio de los años cincuenta, ingresó para profundizar sus estudios en la Wayne State University. En 1957, inaugura su extraordinaria carrera discográfica en solitario con los sellos, Savoy, Prestige y Riverside, fundamentalmente. En 1960, se acerca a las fuentes del jazz moderno y trabaja con el maestro del contrabajo, Charles Mingus, con el trompetista, Donald Byrd, y entre 1962 y 1964, con el sexteto de Cannonball Adderley. Firma un contrato con el sello Impulse! donde deja entre 1963 y 1966, algunos discos extraordinarios y luego es el sello Atlantic quien lo ficha donde grabaría en 1968, uno de su mejores discos de los últimos tiempos, el magnifico "The Blue Yusef Lateef".

Este extraordinario saxofonista, sigue todavía en activo y en sus ultimas colaboraciones con lo mas granado del jazz moderno como Archie Shepp o el también saxofonista, Von Freeman, así lo demuestran.

PETE LA ROCA

El baterista Pete La Roca empezó tocando los timbales en una formación adscrita al latín jazz y fue cuando contactó con el saxofonista Sonny Rollins en 1957 cuando decidió dedicarse al jazz profesionalmente. Su relación con Sonny Rollins duró dos años (1957-1959) y al año siguiente trabajó junto a varios músicos importantes como Jackie McLean y Slide Hampton en el seno del cuarteto de John Coltrane. En 1962 trabajó para la pianista, Marian McPartland y ese mismo año, decidió formar su propio grupo de manera estable, aunque la experiencia duró muy poco.

Entre 1964 y 1965 trabajó con el trompetista, Art Farmer y en 1966 varios jazzman importantes lo llamaron para colaborar en sus discos. Por fin en 1965 graba para Blue Note el primer disco a su nombre "Basra" con el que alcanza un notable reconocimiento de la critica especializada. El éxito del disco viene dado también por la magnifica aportación del saxo tenor Joe Henderson. Desde 1979 Pete La Roca aparece y desaparece ocasionalmente de la escena del jazz.

EDDIE LANG


Eddie Lang (1902-1933), es sin duda el primer gran guitarrista del jazz. Su verdadero nombre era Salvatore Massaro de raíces italianas, pero nació y se crió en Philadelphia.

Junto al violinista clásico de swing, Joe Venuti, realizó en los años veinte numerosas y extraordinarias grabaciones. En 1924 debuta con la formación liderada por Red McKenzie, los "Mound City Blue Blowers", un músico capaz de hacer música soplando cualquier cosa. Posteriormente, Eddie Lang estuvo en varias orquestas de jazz, empezando por la de Jean Goldkette, pasando por la de los hermanos Dorsey y terminando por la de Paul Whiteman.

Eddie Lang, fue además el primer gran solista de la historia del jazz, y ejerció una tremenda influencia en el gran guitarrista belga, Django Reinhardt. Una de sus mejores sesiones fue junto al también guitarrista negro, Lonnie Johnson. En aquella época, el racismo impedía ver juntos a un músico blanco tocando con uno negro, por lo que Eddie tuvo que cambiarse el nombre y aparecer en la grabación de varios discos bajo el seudónimo de Blind Willie Dunn. El álbum, "Steppin' on the Blues" es un ejemplo extraordinario de esa colaboración.

Eddie Lang, murió prematuramente en un hospital durante el transcurso de una trágica operación de tonsilectomía (extirpación quirúrgica de las amígdalas). Su música dejó escuela en la vieja Europa de la mano del gran Django, quien siempre se confesó admirador suyo.

HAROLD LAND


Harold Land (Houston, 1928) es uno de los grandes saxofonistas tenores de los años sesenta. Su saxofonista favorito era John Coltrane, pero su forma de tocar y su sonido no se parecía en nada a él. Nacido en Texas, pasó sus primeros años en San Diego (California) antes de trasladarse a Los Ángeles, donde en 1949, hace su debut discográfico para el sello Savoy.

En 1954 ingresó en el legendario quinteto del trompetista, Clifford Brown y el baterista, Max Roach. Con ese legendario combo, estuvo hasta mediados de 1955 cuando por razones familiares tuvo que regresar a Los Ángeles. Dueño de un sonido elástico e ideas originales, Harold Land, fue el saxofonista mas representatitivo del bebop en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Entre 1956 y 1958, trabajó para la formación del bajista, Curtis Counce, con quien grabaría para el sello Contemporary, dos álbumes memorables, y en 1959, grabó para el mismo sello, su obra maestra, el álbum: "The Fox" un disco extraordinario con la colaboración del trompetista, Dupree Bolton y el compositor y pianista, Elmo Hope.

Ya en la década de los sesenta ingresó en la formación del vibrafonista, Bobby Hutcherson, (1967-1971) y entre 1975 y 1978 en el grupo del trompetista, Blue Mitchell. Harold Land, continua en activo en la Costa Oeste de los Estados Unidos y está dedicado, además de tocar en festivales y conciertos varios, a la formación musical de su hijo, un pianista con mucho futuro.

DAVE LAMBERT


Dave Lambert, empezó a estudiar la batería con solo diez años y con ella debutó a finales de los años treinta tocando en el trío de Hugh McGuinness durante los meses de verano en Boston. Cuando se licenció en 1943 inició su carrera de cantante en la orquesta de Johnny Long y de ahí pasó a la orquesta de Gene Krupa, un magnifico baterista de la epoca del swing. Sus pasos en la orquesta le sirvieron para hacerse merecedor de una bien ganada fama de cantante poco ortodoxo, capaz de llegar a registros imposibles para otros compañeros y eso le permitió que en 1945 grabara el primer tema del bebop cantado: "What's This" para la Columbia.

Entre 1946 y 1947 dirigió un cuarteto vocal en un espectáculo de Broadway y grabó junto a la cante Jo Stafford y a su nombre, para los sellos Capitol y CBS. Carmen McRae lo contrató en una ocasión para que arreglaras sus canciones, y ya en 1957, se unió al cantante John Hendricks, iniciando así la etapa fundamental de su carrera en un trío vocal, con el añadido de la cantante inglesa Annie Ross, sustituida en algunas ocasiones por Yolanda Bavan, para conformar el trío fundacional del estilo llamado "vocalese", una genuina forma de canto jazzistico. Ya en el primer tema que el trío cantó fue todo un éxito y para la ocasión escogieron la canción de Jimmy Giuffre: "Four Brothers" y poco después, tras el éxito de ese primer tema, grabaron su primer disco con el sello: United Artist y titulado: "See Lambert, Hendricks & Ross".

El trío estuvo junto hasta 1963, justo antes de que participaran en el Festival de jazz de Newport, ya que Ross por problemas de salud tuvo que dejar su sitio a Yolanda Bavan. Un año después, Lambert abandonó definitivamente el grupo y solo reapareció tres años después de manera efímera al frente de un quinteto. Su alejamiento de la música fue un hecho cuando se dedicó a trabajar como director musical de coros y maestro de ceremonias en eventos de distinto tipo. Dave Lambert fue el primer cantante en ponerle música las canciones del bebop, Hendricks creaba los textos, y también fue capaz de adaptar al canto jazzistico arreglos complejos como los de Count Basie, para trabajarlos en grupo. Su disco "Sing a Song of Basie" es demostrativo de esa facultad.

En 1965 participó con una extraordinaria versión cantada en scatt del tema de Charlie Parker: "Donna Lee" en un concierto en tributo al gran saxo alto de Kansas en New York. Eso fue un año antes de su muerte, cuando en 1966 sufrió un fatal accidente de circulación que le costó la vida.

OLIVER LAKE


El saxofonista alto y compositor, Oliver Lake (Marianna, 1942) alternó sus estudios en la Lincoln University, con el aprendizaje del saxo alto y de la flauta, instrumentos ambos que sustituyó a la batería utilizada en su juventud. Nacido en Arkansas pero criado en San Louis, trabajó como maestro en una escuela pública donde pudo participar en la creación del Black Artists Group (BAG), una organización de similar concepto musical a los del AACM de Chicago.

A comienzos de los años setenta, se marchó de San Louis y viajó a Paris donde dirigió un quinteto que exploró las ideas del jazz de vanguardia. En 1976 se estableció en New York y su estancia en la Gran Manzana, no pudo ser mas provechosa. Fundó junto con otros músicos, el "World Saxophone Quartet", una formación emblemática del jazz moderno y que hoy, con alguno cambios lógicos en su composición, sigue siendo una referencia indiscutible del jazz de vanguardia. Con el WSQ, Oliver Lake, grabó extraordinarios álbumes, y participó siempre de forma brillante en festivales, conciertos y giras por todo el mundo.

Compositor inventivo y superactivo, Oliver Lake, diversificó fuera del WSQ sus ideas musicales. A comienzos de lo años ochenta dirigió un segundo grupo de claras influencias reggae y compuso varias piezas para producciones teatrales. Uno de sus trabajos mas memorables fueron sus dos álbumes, a finales de los años noventa, en homenaje a las composiciones de Eric Dolphy, un reto musical que sólo un músico atrevido y ambicioso como el era capaz de realizar.

BIRELI LAGRENE


De entre todos los cientos de seguidores que el gitano belga, Django Reinhardt, ha tenido en el jazz europeo, es el francés, Bireli Lagrene (Paris, 1966) el que ha producido mayor impacto, y probablemente el discípulo de Django, mas capacitado para seguir la estela del extraordinario "dedos de oro", como se conocía a Django Reinhardt.

Bireli, ya desde muy joven empezó a tocar la guitarra en publico con la influencia de Django inyectada en la sangre gitana de su etnia. Frecuentó en Paris ambientes jazzisticos donde Django era idolatrado casi, y llegó a conocer y tocar con el extraordinario bajista, Jaco Pastorius, un músico emblemático en el contrabajo moderno de jazz y creador de sonoridades musicales hasta entonces nunca conocidas.

Con Jaco Pastorius, graba vario discos que le sirven para profundizar en los entresijos de una música exuberante y vaporosa. Incluyó en su repertorio la guitarra eléctrica escuchando los discos de Charlie Christian, otro músico con una enorme influencia en Lagrene. Hasta el momento, Bireli Lagrene, ha grabado mas de una treintena de discos para los sellos, "Jazzpoint"; "Blue Note"; "Dreyfus" y "Antilles", principalmente. Entre sus registros mas destacados por la critica y público, están, además del primer disco suyo grabado en directo como líder en 1980 para "Antilles", titulado "Routes to Django", el extraordinario "Gipsy Project" en 2001 para el sello "Dreyfus".

En cualquier caso, este talentoso guitarrista, tiene por delante una extraordinaria carrera por desarrollar en los próximos años, que seguro le llevaran a ocupar uno de los grandes sitios del jazz.

SCOTT LAFARO


Como le había pasado a Jimmy Blanton antes que a él, el contrabajista Scott LaFaro, (1936-1961), dispuso de muy poco tiempo para alterar radicalmente la forma de tocar el contrabajo en el jazz, pero lo consiguió con elegante facilidad.

LaFaro se inició en la música con el clarinete mientras cursaba estudios en el instituto en Nueva York, adonde se había trasladado su familia, y eligió el contrabajo en la adolescencia. Trabajó originalmente en bandas de Rhythm & Blues, pero desde 1956 hasta 1957 estuvo tocando con el trompetista, Chet Baker en Los Ángeles. Después de una breve estancia en Chicago en 1957, regresó al Oeste, donde trabajó con el guitarrista, Barney Kessel en el Lighthouse de Hermosa Beach. Posteriormente apareció en compañía de Cal Tjader y grabó con Victor Feldman antes de salir a la carretera con Benny Goodman en 1959.

Poco después abandonó la gira de Goodman para establecerse en Nueva York y formar su propio trío al tiempo que trabajaba de forma independiente con Stan Getz y otros músicos. Antes de que acabase el año, dió un paso trascendental en su carrera cuando se unió al nuevo trío del pianista Bill Evans. Con Evans al piano, desarrolló rápidamente una profunda armonía con el pianista y el batería Paul Motian, que sigue siendo una de las más admiradas del jazz. La música creada por el grupo en los dieciocho meses de su existencia permanece como una de las más influyentes de todos los tríos de piano del jazz: la asombrosa facilidad de LaFaro y su capacidad de construir contrapuntos a los de Evans, además de sus inusuales y característicos modelos rítmicos, supusieron una contribución fundamental a ese logro. LaFaro continuó trabajando fuera del grupo de Evans, tocando y grabando con Ornette Coleman, apareció en el impresionante álbum de dos cuartetos Free Jazz (Atlantic, 1960) con Charlie Haden y fue un complemento melódico y rítmico asombroso para Coleman en un álbum grabado por su cuarteto, Ornette! (Atlantic, 1961). No hay duda de que Coleman le apreciaba, ya que incluso tituló uno de los temas: "The Alchemy of Scott LaFaro". No obstante, su inmensa promesa se quedaría sólo en eso, ya que, en el verano de 1961 y después de abandonar la casa de su madre para dirigirse a un ensayo con el trío de Evans, LaFaro se mató cuando su coche se salió de la carretera y chocó contra un árbol.

TOMMY LADNIER

El trompetista, Tommy Ladnier (1900-1939), se trasladó a Chicago con apenas diecisiete años recién cumplidos para tocar en los barcos fluviales que llegaban y salían de la ciudad. Así fue como se enroló en la orquestas de Charlie Creath y del popular Fate Marable, en esta ultima a comienzos de los años veinte. En 1924, se enroló con el grupo del clarinetista, Jimmie Noone y posteriormente cubrió la baja de Louis Armstrong, en el grupo del cornetista, King Oliver.

Ladnier, permaneció con Oliver entre 1924 y 1925 con quien grabaría varias sesiones de estudio. También actuó en aquella época con algunas cantantes de blues, en concreto con Lovie Austin, hasta que en 1925, viajó a Europa con el grupo del pianista y arreglista, Sam Wooding. Una breve estancia en New York, le sirvió para enrolarse con la orquesta de Fletcher Henderson con quien estuvo dos años entre 1926 y 1927, y que precedería a otro viaje a Europa con el mismo grupo en 1928. En 1930 trabajó con la orquesta del vocalista, Noble Sissle, realizando con su grupo, giras a uno y otro lado del atlántico.

Por aquellos años, Tommy Ladnier, hizo una gran amistad con el clarinetista de New Orleáns, Sidney Bechet, y al mismo tiempo comenzó a abusar del alcohol. Con Bechet, formaría en 1932 la New Orleáns Feetwarmers, una banda que luchaba por encontrar un público que apreciara su música. Con aquella formación grabaría para RCA algunos discos importantes del jazz primitivo. Ladnier y Bechet se retiraron durante un par de años de la escena musical y acordaron asociarse para regentar una ..sastrería! en Harlem. Con la salud deteriorada, Ladnier volvió en 1935 para tocar en New York y New Orleáns junto a Mezz Mezzrow, Sidney Bechet y otros músicos criollos.

Tommy Ladnier, tenía una forma de tocar la trompeta brillante y firme y su música sobrevivió a duras penas en una época donde Armstrong reinaba en la era del swing. En el verano de 1939, su compañero de correrías y aventuras musicales, Mezz Mezzrow lo encontró muerto en su domicilio.

STEVE LACY

Steve Lacy (New York, 1934), es un instrumentista singular en la historia del jazz. Su instrumento, el saxo soprano, ha sido y es por lo general, un elemento secundario para la mayoría de los saxofonistas, que veían en él algo complementario al sonido de los otros saxos. No obstante, Steve Lacy, es junto con el genial Sidney Bechet y el no menos extraordinario, John Coltrane, uno de los tres mejores saxofonistas sopranos que ha dado el jazz, y desde luego el músico vivo que mejor lo practica.

Sus comienzos fueron junto al guitarrista de dixieland, Dick Sutton en 1954, un músico que quiso revitalizar ese estilo de los años treinta, pero tuvo la fortuna de conocer al excelente pianista, líder del jazz de vanguardia por aquella época, Cecil Taylor. Con Taylor, Steve Lacy estuvo dos años, entre 1955 y 1957, y su colaboración se cerró ese ultimo año con la actuación en el Festival de jazz de Newport. Tras la experiencia con el pianista, Steve Lacy, conoció al arreglista, Gil Evans con quien permaneció todo el año 1957. Posteriormente perteneció brevemente al quinteto de Thelonius Monk con quien tocó en 1960 durante un periodo de seis semanas. Entre 1961 y 1964, estuvo trabajando con el cuarteto de Roswell Rudd, un trombonista también escorado hacia el freejazz.

Steve Lacy, está considerado como el primer instrumentista moderno del saxo soprano, un músico creativo y con capacidad para crear sonidos y melodías fascinantes. Maestro del solo absoluto, Lacy es uno de los grandes conocedores de la música de Monk, una música que se convertiría en obsesiva para el saxofonista, hasta el punto de que fue un gran investigador de los acordes con los que Monk expresaba sus melodías. En noviembre de 1961, Steve Lacy grabaría para el sello New Jazz una obra maestra absoluta del jazz. El álbum llevaba por titulo una composición de Thelonius Monk, titulada "Evidence" y su éxito se debe, mitad a los temas elegidos - hay dos composiciones de Ellington, y mitad a la configuración del grupo de músicos; Don Cherry a la trompeta, Carl Brown, al contrabajo y Billy Higgins, a la batería.

Steve Lacy, continua en la actualidad ofreciendo conciertos y actuaciones en todo el mundo y ha visitado varias veces nuestro país para participar en diversos festivales de jazz.

FRANK LACY

Frank Lacy, un poderoso trombonista de Texas, es una de las figuras claramente consolidadas en el jazz moderno. Como buen ascendente tejano, defiende visceralmente su idea de la música y el jazz que toca conecta rápidamente con el publico que va a escucharle. Comenzó su aprendizaje en la Berklee School of Music de Boston, donde coincidió con otros músicos que pronto serían grandes artistas del jazz contemporáneo: Branford Marsalis, Greg Osby o Marvin Smith.

Sus comienzos profesional como miembro de la "Brass Fantasy" del trompetista Lester Bowie - con la que visitó en los años noventa España- o con la Bigband de Carla Bley, sin dejar atrás su estancia en la Mingus Bigband, dejaron ver a un brillante solista sin límites técnicos o conceptuales visibles, y su evolución hacia terrenos mas comprometidos, comprobadas también por el publico de Madrid en directo, permitieron descubrir a todo un músico, original y fresco, capaz de garantizar el goce físico escuchando jazz. El trombón en el jazz moderno tuvo serias dificultades para adaptarse a la nueva situación hasta que llegó el maestro Jay Jay Johnson y consiguió de forma extraordinaria que ese instrumento, típico de las grandes bandas de swing, sonora en el bebop con fuerza propia y Frank Lacy es su digno seguidor en estos primeros años del tercer milenio.

Frank Lacy, sin ningún tipo de complejos, ha abarcado con su trombón todo el amplio calidoscopio musical que ha sido posible: desde el "reage" hasta el "bebop", el "freejazz", la música criolla de Nueva Orleáns o incluso el "jazz-rock". Frank Lacy ha trazado con su trombón una carrera estelar en los más diversos ámbitos de la música negra. Los "Jazz Messengers" de Art Blakey o la "Brass Fantasy" de Lester Bowie son algunos de los testimonios musicales de este magnifico artista que con apenas treinta y pocos años ya ha alcanzado notoriedad para seguir siendo protagonista en el jazz del futuro.