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DICK HYMAN


Dick Hyman, nació en Nueva York, el 8 de marzo de 1927. Compositor y músico polifacético, virtuoso del piano, y capacitado para tocar todos los estilos del jazz, desde el ragtime, hasta el bebop y de interpretar la música de Scott Joplin o la de Cecil Taylor. Estudió en la Universidad de Columbia y tocó con figuras del jazz de renombre, como Teddy Wilson, Red Norvo (1949) o Benny Goodman (1950).

En los años cincuenta, empezó a trabajar en radio y televisión, donde adquirió más prestigio. En 1976, formó el grupo: "Perfect Jazz Repertory Quintet" y junto a Leonard Feather, colaboró para conferenciar sobre la historia del jazz a la que el le ponía música al piano. Su capacidad creativa y su forma de generar swing, le valió para colaborar en el cine y de forma habitual en las películas del genial director norteamericano, Woody Allen.

Dick Hyman, tiene grabados cerca de una treintena de disco donde repasa hábilmente las distintas etapas dl piano en jazz. Sus últimos trabajos fueron junto al trompetista, Ruby Braff en dúo.

BOBBY HUTCHERSON

Escuchar al vibrafonista, Milt Jackson, miembro fundador del magnifico grupo "The Modern Jazz Quartet" despertó en Bobby Hutcherson (Los Ángeles, 1941) la pasión por el jazz y en particular por el vibráfono, instrumento del que se ha consagrado como un verdadero especialista. Antes había estudiado piano conducido por su hermano quien había tocado con Dexter Gordon y Eric Dolphy.

Su primer trabajo serio fue en 1960 con Curtis Amy y Charles Lloyd en California justo antes de llegar a New York en 1960. Nada mas llegar pudo tocar con el grupo de Al Grey, en el mítico club "Birdland" y el sello Blue Note, interesado como siempre en los músicos de calidad, le firmó un contrato para grabar discos siendo el primero de ellos editado en 1965 bajo el titulo de "Dialogue" un álbum que llegó a ser destacado como uno de los discos de la década por la prestigiosa revista, "Down Beat". La relación de Bobby Hutcherson, con Blue Note, duró hasta 1977 de forma ininterrumpida grabando cerca de una veintena de discos. Tuvo asimismo la oportunidad de grabar con artistas del sello una serie de discos espléndidos y sobre todo estuvo junto a Eric Dolphy en la grabación de una obra maestra del jazz moderno titulada "Out to Lunch" en 1964.

Años mas tarde, Hutcherson formó su propio grupo, utilizando para el jazz la marimba y asumiendo un enfoque mas convencional en el que la delicadeza del detalle trascendía su repertorio. En el quinteto que formó con Woody Shaw, como principal instrumentista, se presentó en el Festival de jazz de Montreux (Live in Montreux, 1974). Ficha por el sello Columbia donde graba dos discos en 1978 y 1979 y todavía hoy permanece en activo.

ALBERTA HUNTER


Alberta Hunter (1895-1984) se traslada con su familia a Chicago desde su ciudad natal, Memphis, cuando solo tenia 14 años, y tres años después comenzaba su carrera actuando en el "Dreamland Café" y otros clubes con los pianistas, Lil Hardin, futura esposa de Louis Armstrong y Lovie Austin. En 1921 grababa cuatro canciones para el sello "Black & Swan" uno de los característicos "race records" de la época con el líder de orquesta y pianista, Fletcher Henderson.

En 1922, firmaba un contrato con la casa "Paramount" para la que grabó treinta y cinco canciones, entre ellas su famoso "Downhearted Blues", con Austin Love y sus "Blues Serenaders". Al año siguiente grabaría con Fats Waller al órgano para el sello RCA y se embarcaría a renglón seguido para Europa. Actuó en Londres con Paul Robertson en sus espectáculo "Show Boat" en el "London Palladium" y luego se estableció en Paris, reemplazando brevemente a la famosa, Josephine Baker, en su show antes de viajar a Dinamarca. En esos años, Alberta Hunter, ya era una estrella del music-hall, alternando entre Europa y América, e incluso Oriente Medio, sus actuaciones.

En 1938, la llegada del fascismo a Europa le obligó a regresar a los Estados Unidos y se ofreció voluntaria para actuar para las tropas norteamericanas durante la II Guerra Mundial. A la finalización del conflicto bélico, se retiró de los escenarios hasta bien entrada la década de los cincuenta y el infatigable, Chris Albertson la recuperó para la canción y los escenarios en 1961 para que grabara para la serie del sello "Riverside" titulada: "Chicago: The Living Legends" dejando un disco espléndido titulado: "Alberta Hunter with Lovie Austin & Her Blue Serenaders" con nuevas versiones de sus antiguos éxitos. Durante ese periodo de actividad tardía, compuso e interpretó la banda sonora de la película de Robert Altman: "Remember My name" (Columbia 1978).

Alberta Hunter, falleció el 17 de Octubre de 1984 y hasta ese momento, y con ochenta y dos años, estuvo en activo en el "Cookery Club" del Greewich Village neoyorquino cantando blues y baladas de evidente sesgo jazzistico.

HELEN HUMES


La cantante de blues, Helen Humes (1913-1981), sabía demás tocar el piano y el órgano y participó en la primera grabación de un disco de blues en 1927 con sólo 14 años. En los años treinta trabajó con las orquestas de Stuff Smith y de Al Sear y tuvo la suerte de grabar con la orquesta de jazz del trompetista Harry James durante 1937 y 1938.

Fue en 1938 cuando sustituyó en la orquesta de Count Basie a la inigualable, Billie Holiday, que la había abandonado pocos días antes. Se quedó con Basie hasta 1942 participando como es lógico en infinidad de actuaciones y grabaciones con la misma, junto al gordo cantante, Jimmy Rushing. Inició mas tarde una exitosa carrera californiana como cantante de rhythm and blues. En 1943 vuelve a New York para trabajar con Clarence Love.

En los años cincuenta, el productor Norman Granz la recupera para el jazz y el blues cuando la contrata para la organización "Jazz at the Philarmonic" con quien realizaría además de numerosa giras, un buen numero de grabaciones destacando entre ellas, el disco grabado para el sello Contemporary titulado "Tain't Nobody's Biz-Ness if i do" en 1959. La década de los sesenta empieza muy bien dado que para el mismos ello graba en 1960 el álbum: "Songs i Like To Sings" con arreglos de Marty Paich y solistas de la talla de Ben Webster. Al año siguiente repite éxito y disco con el magnifico "Swingin' with Humes".

Helen Humes, siguió activa hasta el final de la década de los setenta, falleciendo en 1981.

DANIEL HUMAIR



Daniel Humair (Ginebra-Suiza 1938) es uno de los músicos europeos mas famosos del jazz y en la batería es una verdadera figura. De claras influencias norteamericanas y concretamente del tipo de jazz que se hacia en los años cincuenta en la Costa Oeste y cuyo máximo representante en la batería fue Shelly Manne.

En 1958 ya participó con mucho éxito en el Festival de jazz de Zurich y eso le permitió ese mismo año grabar con músicos de talla como Don Byas, Guy Lafitte, o Jacques Pelzer. En el invierno de 1958, se desplazó desde Bélgica a Paris, invitado por el saxofonista, Barney Wilen y trabajó con Lucky Thompson, Oscar Pettiford y Bud Powell. En 1960 grabó para el sello "Vogue" el primer disco a su nombre titulado "Hum!!" en formato de trío junto al contrabajista francés Pierre Michelot y el pianista René Urtreger y en 1968, se unió al saxofonista Phil Woods y su grupo: "Phil Woods & His European Rhythm Machine" donde llegó a grabar un disco en 1970 en directo desde el Festival de jazz de Frankfurt.

Su carrera musical ha continuado en esa línea de trabajar con músicos europeos como Martial Sola, Michel Portal, Franco Ambrosetti o Enrico Rava. Recientemente estuvo en España, mas concretamente en Sevilla en la programación del Teatro Central de la capital andaluza en el invierno de 2002 junto al trío de Philip Catherine.

FREDDIE HUBBARD


Freddie Hubbard, (Indianápolis 1938) nació en el seno de una familia de músicos. Practicó el melófono en la "John Hope Junior High School", pero apenas un año después cambio a la trompeta, compatibilizando ese instrumento con el corno francés. En aquella época, trabajo con el grupo "The Contemporaries" y con la banda de los hermanos Montgomery -Wes a la guitarra, Buddy al vibráfono y Monk al bajo eléctrico).

En 1958 se traslado a New York y superada la primera impresión de su visita a la Gran Manzana, tocó en el "Turbo Village" primero con el saxofonista Joe Cameron y después con su propio grupo. En 1959 viajo a San Francisco como miembro de la banda de Sonny Rollins con la que estuvo dos escasos meses. En 1660 estuvo con el octeto de Slide Hampton y el sexteto del trombonista J.J. Johnson y ya entonces era un asiduo de los famosos lunes del "Birdland". Ese mismo año debutó como líder de session grabando para "Blue Note" un álbum de cinco estrellas titulado "Open Sesame" un disco que le permitió franquear la entrada al Olimpo de los grandes de la trompeta y solo con 21 años.

Ese maravilloso debut discográfico le permitió grabar en 1961 con el maestro del saxo tenor Dexter Gordon (Doin't Alright-Blue Note) con Oliver Nelson en otra obra maestra (The Blues and the Abstract Truth-Impulse!) con Quincy Jones (The Quintessence-Impulse) y con el saxo alto, Jackie McLean (Bluesnik-Blue Note) entre otros grandes músicos. Sustituyó a Lee Morgan en los "Jazz Messengers" de Art Blakey permaneciendo tres años en el grupo del maestro de la batería y en algunos círculos jazzisticos de New York, se le empezaba a llamar el "nuevo Miles Davis". En 1966 firma para el sello Atlantic donde dejó un magnifico disco titulado "Baclash" y en 1976 ficha por el sello del productor Cred Taylor "CTI" donde deja algunos títulos magníficos , entre ellos, "Red Clay" un disco que además de lanzar a la popularidad a Freddie Hubbard como a ningún otro músico de jazz, fue una grabación con la que muchos músicos de jazz han crecido influenciados

Freddie Hubbard, sigue en la actualidad en activo participando en diversos proyectos, grabando discos, acudiendo a festivales de jazz (el último en Varsovia) y transmitiendo su música a las nuevas generaciones.


SHIRLEY HORN


Shirley Horn comenzó a estudiar piano muy temprano, con sólo cuatro años. Después de estudiar en la Universidad de Howard, Horn forma su primer trío en 1954, y a comienzos de los años sesenta, ya atrae la atención de Quincy Jones y Miles Davis. Este último se interesó por su primer trabajo, Embers and Ashes, y la invitó a abrir sus conciertos en el Village Vanguard de Nueva York. Shirley grabó tres discos entre 1963 y 1965 para Mercury y Paramount, pero decidió formar una familia en lugar de continuar con su carrera.

A principios de los 80 retomó su camino musical y comenzó a grabar para Steeple Chase, aunque su salto más importante lo daría cuando firmó con Verve. Fue en los años 90 cuando consiguió el merecido prestigio internacional gracias a una sucesión de grabaciones maestras para esa compañía. Ocho nominaciones consecutivas a los Grammy y un premio en 1998 en la categoría de Mejor Disco de Jazz Vocal por su: I Remember Miles atestiguan por qué cada vez se la considera más como una de las mayores estilistas de la canción que hayan existido. En 1990, no mucho antes de su muerte, Miles Davis añadió las grandiosas notas de su trompeta a la canción: You Won’t Forget Me. Ocho años más tarde, ella correspondió a ese gesto con el álbum citado, maravilloso tributo por el que recibió un merecido Grammy. Con Verve también ha grabado You’re My Thrill en el año 2001 y su último disco editado hasta la fecha, en 2003, May the Music Never End, donde por primera vez canta sin su piano y cede ese instrumento a George Mesterhazy y al maestro Ahmad Jamal.

En You’re My Thrill, Horn aplica su particular alquimia a once canciones clásicas y contemporáneas con una habilidad tal que transmite una inmensa sensación de paz. Ejemplos de ello son la balada que da nombre al álbum, capaz de cortar la respiración, I Got Lost in His Arms. Este disco permitió de nuevo el encuentro de Horn con Johnny Mandel, que produjo y orquestó también su anterior trabajo, Here’s to Life.

En May the Music Never End, Horn vuelve a brillar a través de una impecable selección de temas originales y standards. La canción que da título al disco fue escrita especialmente para ella por Norman Martin, quien ya compusiera para ella uno de sus temas más conocidos, Here’s to Life, que fue también el título de su álbum de 1992, el más vendedor de sus lanzamientos hasta la fecha. Su delicioso homenaje a Duke Ellington tiene como invitado al fiscornio a una de las más jóvenes estrellas del jazz contemporáneo, Roy Hargrove. Otro invitado de lujo en el álbum es el mítico pianista Ahmad Jamal, el cual rinde homenaje a Horn al acompañarla al piano en dos de los cortes del disco. Es la primera vez que Jamal acompaña a un/una vocalista al piano. Otros temas incluidos en May the Music Never End son una maravillosa versión del Yesterday de los Beatles, o la estremecedora versión en inglés del Ne me quitte pas de Jacques Brel.

Cuando Shirley Horn canta, es capaz de cambiar nuestra manera de escuchar una canción. Es una de las últimas grandes damas del jazz vocal de siempre, el imperecedero, que sabe crear de una forma magistral y sutil una sensación de intimidad con el público. Ha sido reconocida en muchos ámbitos como la mejor cantante-pianista desde Nat King Cole, demostrando en todo momento una gran capacidad para combinar melodías y letras y para sacar todo el jugo a los standards inmortales.

LENA HORNE

La bellísima, Lena Horne (New York 1917), no tuvo demasiadas oportunidades para demostrar sus habilidades para cantar. Era negra bajo su piel clara, y el racismo junto a la caza de brujas defendida por el senador McCarthy, se coaligaron para impedir que accediera plenamente al status de estrella del cine.

Sus inicios artísticos comenzaron formando parte del coro de bailarinas del Cotton Club en 1933 y en uno de los shows de la gran Adelaide Hall, se estrenó como cantante con el tema "As Long As i Live", de los compositores, Harold Arlen y Ted Koechler. Ellos mismos suministraban canciones para la gran Ethel Waters y demás cantantes negras. Sin ir mas lejos, "Stormy Weather", de tanta significación en la carrera de Lena Horne, fue uno de ellos. Mayor importancia tuvo su trabajo como vocalista con la orquesta del cantante y líder, Noble Sissle entre 1935 y 1936. Grabaron discos, fueron de giras y el renombre que adquirió le abrió las puertas al mundo negro del espectáculo. La película "The Duke is Tops" y el musical "Blackbirds of 1939" fueron producto de esa fama.

Contratada como cantante por la bigband de Charlie Barnet (1940-1941), sufrió muy pronto la dolorosa experiencia de ser la única mujer negra que viajaba en el mismo autobús de una orquesta blanca. Su primer gran éxito con Charlie Barnet, fue el tema "Good-For Nothin' Joe" grabado para Bluebird en 1941. En el verano de ese mismo año, Lena Horne, es acompañada por una excelente formación de estudio dirigida por el clarinetista y líder de orquesta, Artie Shaw que incluía al trompetista, Henry "Red" Allen, y al saxofonista Benny Carter, como mejores solistas. Al mismo tiempo, su estancia en el Café Society - el mismo club donde se dio a conocer, Billie Holiday- le da la oportunidad de conocer a una audiencia mixta e intelectual, grabando con el pianista, Teddy Wilson, entre otros.

El año 1941, se cierra con su interpretación de "Stormy Weather", una versión menos dramática que todas sus antecesoras pero igualmente efectiva y expresiva. Participó en dos películas dirigidas exclusivamente al emergente público negro y que contaba con actores exclusivamente de color. Fueron: "Cabin In the Sky" de Vicente Minnelli (1942) y "Stormy Weather" de Andrew Stone (1943). Entre sus grabaciones destaca un recopilatorio de un material muy representativo entre 1941 y 1958 para Bluebird-RCA titulado "Stormy Weather" y un disco arreglado por Marty Paich en 1962 para RCA titulado: "Lovely and Alive".

El sistema americano no la dejó ser una gran estrella del cine por el color de su piel, y eso le permitió dedicar todas sus energías en el arte del jazz vocal, algo que sus aficionados siempre se lo agradecerán.

ELMO HOPE



El compositor y pianista, Elmo Hope (1923-1967), dio sus primeros pasos como pianista en la banda de Rhythm and Blues de Joe Morris entre 1948 y 1951. Amigo personal de Thelonius Monk y Bud Powell, su calidad como compositor y pianista era similar a ambos. No grabó su primer disco hasta 1953 (Trío and Quintet. Blue Note) y su eschua evidencia su afinidad musical con Powell, aunque de sonido mas liviano y menos áspero.

El sello Blue Note, le permite grabar con músicos de la casa ya consagrados como: Sonny Rollins, Lou Donaldson, Clifford Brown o Jackie McLean. En 1959, graba su gran disco en trío con Percy Heat al bajo y Elvin Jones a la batería. En 1957, graba con Chet Baker, en Los Ángeles, con Lionel Hampton en 1959, y un gran disco con el saxofonista Harold Land (The Fox-Contemporary 1959) y con Curtis Counce en ese mismo año.

Elmo Hope regresó a New York en 1961, asediado por la enfermedad que le produciría la muerte seis años mas tarde.

RICHARD HOLMES


Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann.

En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.

En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.

DAVE HOLLAND

El bajista, Dave Holland, se interesó por la música a una edad muy temprana. Con sólo 4 años empezó a tocar el ukelele, a los 10 años empezó a aprender la guitarra y a los 13 años continuó con el bajo. Toma
algunas lecciones de piano y se entusiasma leyendo libros de música y escuchando la radio. Forma entonces una pequeña banda con sus amigos para tocar en pequeños clubes, hasta que a los 15 años abandona la escuela para intentar aprender y vivir como músico interpretando el bajo y escuchando a los grandes bajistas,
Ray Brown y Leroy Vinnegar.

A pesar de que Dave Holland estaba trabajando aún con el bajo, él comenzó a frecuentar clubes de jazz con su doble bajo. Estos intensos contactos con grandes músicos, lo llevaron a integrar desde muy joven una serie de bandas, entre las cuales llega a acompañar al cantante Johnny Ray. Se traslada a Londres y comienza sus estudios con James E. Merritt, quien fue el bajista principal de la Orquesta Filarmónica de Londres. Todo este bagaje de conocimientos lo llevan a relacionarse pronto con lo mas selecto de la sociedad jazzistica de Londres. Sus tempranos trabajos en bandas de jazz que interpretaban el estilo de New Orleáns de King Oliver y Louis Armstrong, no le satisfacen y experimenta con grupos que manejaban un estilo de música mas moderno.

1966 es una año estelar para Holland. Comienza a tocar con John Surman, John Mclaughlin, Evan Parker, Kenny Wheeler, John Taylor, Chris MacGregor y otros músicos de Londres que comenzaron a influenciarlo por las innovaciones del jazz contemporáneo. En julio de 1968, Miles Davis visita uno de los clubes en donde tocaba Holland, y queda impresionado, invitándolo a unirse a su banda para hacer unas giras por New York. Interviene entonces en dos discos claves del periodo eléctrico de Miles, "In A Silent Way" y "Bitches Brew". A finales de los 70’s Holland abandona el grupo de Miles Davis para formar una banda propia llamada "Circle", junto a Chick Corea, Anthony Braxton, y Barry Alschul. Es en esa formación donde Dave Holland comienza a interpretar el cello, aparte del bajo. La banda dura solo un año y en 1972 se une al grupo de Stan Getz.

A fines del 72, Dave Holland graba su primer álbum como líder de una banda para el sello ECM - de donde ya no se movería- titulado "Conference Of The Birds" y es aclamado por toda la prensa. En 1975 forma parte de la creación del grupo "Gateway", un trío con John Abercrombie, y Jack DeJohnette, viejos integrantes de la banda de Miles Davis. Su carrera como bajista solista definitivamente comenzaría con su disco "Emerald Tears" en 1977. En 1982 grabaría "Life Cycle", esta vez interpretando el cello. A partir de entonces, Holland se concentra en formar su primera banda. La integración original fue un quinteto con Kenny Wheeler, Julián Priester, Steve Coleman, y Steve Ellington. Hasta 1987 el quinteto grabó tres álbumes y realizaron extensas giras. En 1988 Dave forma una nueva banda, esta vez un cuarteto con Steve Coleman, Kevin Eubanks y Marvin "Smitty" Smith y en 1989 el grupo graba el disco "Extensions", donde consigue ser el álbum mas votado del año por los lectores de la revista "Down Beat" y que le supone el reconocimiento internacional de su musica.

En los 90, Dave fue parte de un tour mundial con Jack DeJohnette y su banda "Parallel Realities", integrada por Herbie Hancock y Pat Metheny entre otros. Dave también toca en el álbum "Question And Answer", que es nominado para ganar un Grammy como mejor álbum jazz. Regularmente aparece como integrante del trío de Herbie Hancock y también toca en el álbum de Joe Henderson "So Near, So Far" que gana el premio Grammy. Reúne un nuevo cuarteto con Steve Nelson, Eric Person, y Gene Jackson y las giras por Europa y los Estados Unidos están a la orden del día. En 1995 graba con su trío otro disco titulado "Dream Of The Elders". El resto del año realiza tours con su propio grupo y como miembro del trío de Herbie Hancock y con Gene Jackson. En 1996, Holland esta muy ocupado en los estudios de grabación para tocar en tres álbumes que fueron nominados para los premios Grammy: "Tales From The Hudson" de Michael Brecker, "The New Standard" de Herbie Hancock y "The Child Within" de Billy Childs. En 1997 Dave Holland forma otro nuevo grupo, un quinteto en el que se destacan Steve Wilson, Robin Eubanks, Steve Nelson, y Billy Kilson.y con esa formación graba "Points Of View" en 1998.

El tercer milenio empieza para Dave Holland con unas magnificas perspectivas para regocijo de los aficionados del jazz.

BILLIE HOLIDAY


Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte.

Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.
En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.

Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.

También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.

En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta.

Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young.

Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.

JOHNNY HODGES

Johnny Hodges (1906-1970), fue un músico extraordinario e inigualable. Su nombre permanecerá escrito en la historia del jazz, como uno de los solistas mas importantes de la gran orquesta de Duke Ellington en la que ingresó en 1928 con apenas veintidós años, y que salvo un periodo tiempo (1951-1955), no abandonaría hasta su muerte en 1970.

Sus primeros pasos en el jazz los dio con el clarinetista de New Orleáns, Sidney Bechet. De Bechet, aprendió a usar el saxo soprano, instrumento que Hodges tocaría alternativamente con el saxo alto hasta 1940 en el que adoptó definitivamente este último. Posteriormente pasó efímeramente por las bandas de Lloyd Scott, Chick Webb, Luckey Roberts y Willie "The Lion" Smith. Después llegaría Ellington con quien pasó toda su vida siendo un elemento indispensable en su orquesta durante los años treinta y cuarenta. En los pupitres de Duke Ellington, Johnny Hodges, enriqueció con su sonido la ya de por sí, impecable sección de vientos de la orquesta con un sonido innovador, original y de una pulcritud innegable.

Fuera de la orquesta de Ellington, abanderó números grupos o combos con miembros inclusive de la propia orquesta ellingtoniana que resultaron ser igualmente magníficos. Sus encuentros con otros músicos también son importantes, dando muestras de que era capaz de generar swing con su saxo con independencia de la formación en la que tocara. Así es destacable sus encuentros con el organista, Wild Bill Davis, con el pianista Earl Hines, con el trompetista, Dizzy Gillespie o el también pianista, Teddy Wilson. Grabó a su nombre cerca de una treintena de discos y de ellos dos sobresalen con luz propia. El primero grabado con la orquesta de Ellington - su orquesta- y en la que el "Duke" le permitió liderar la sesión y editar el disco a su nombre, un privilegio nunca concedido a ningún otro miembro de la orquesta. El titulo: "Side by Side" grabado para "Verve" en 1958. El segundo grabado en 1964 para el sello "Impulse!" y titulado: "Everybody Knows" con practicamente la sección de vientos de Ellington al completo.

Con su fallecimiento en 1974, Johnny Hodges parecía anunciar el fin de la orquesta de Ellington que fallecería también cuatro años mas tarde.

ART HODES


Pianista de origen ruso, (Nikoliev 1904), su familia emigró siendo él un niño de su localidad natal a Chicago. En la ciudad de los vientos, el pianista Art Hodes, se familiarizó muy pronto con la música de Chicago, una ciudad rebosante de música en los años veinte y treinta y una de las ciudades mas jazzisticas de los Estados Unidos.

En 1928, hace su debut discográfico con el cantante y pianista, Wingy Manone con quien se mantuvo hasta la mitad de los años treinta cuando decidió trasladarse a New York. Allí participa en la banda de Joe Marsala y Mezz Mezzrrow, dos músicos endiabladamente comprometidos con el jazz negro aunque de piel blanca. En 1941 deja a ambos y en 1944 firma un contrato con el sello Blue Note donde graba varios disco de dixieland importantes a su nombre.

En 1950 retorna a Chicago donde se mantiene activo actuando en clubes y local de jazz. Participa en el programa televisivo Jazz Alley y la prestigiosa revista Down Beat lo destaca como un gran educador del jazz. En los años setenta y ochenta establece en Chicago su centro educativo donde enseña a generaciones de músicos jóvenes los secretos de la música Dixieland. Como pianista poseía una gran facilidad para interpretar el blues con mucha dignidad y salvando algunas lagunas técnicas su música era puro sentimiento.

AL HIRT


Nacido en la cuna del jazz y de la trompeta, este fornido trompetista conocido artísticamente como Al Hirt (New Orleáns 1922-1999) tuvo de joven una formación jazzistica muy clásica, tras estudiar durante tres años en el "Cincinnati Conservatory" (1940-1943). Influenciado por el maestro de la trompeta, Harry James, rápidamente entró en contacto con el mundo del swing tras enrolarse en las bandas de los hermanos Dorsey y posteriormente en la de Ray McKinley.

Siempre escorado a tocar "dixieland", Al Hirt, fue durante los años cuarenta un apasionado seguidor de esa música de blancos que sonaba en la ciudad de Chicago. En 1955 conoció casualmente al clarinetista, Pete Fountain, un músico que también amaba el estilo dixieland y con quien estuvo hasta 1960. Practicamente desaparecido del escenario musical en los siguientes veinte años, AL Hairt, volvió al jazz de la mano de algunas formaciones orquestales, trabajo que no fue muy apreciado ni por la critica, ni por los ortodoxos del jazz.

MILT HINTON


Milton John Hinton (1910-2000) fue un bajista extraordinario de la época del swing que tuvo la habilidad y la capacidad para llegar en activo hasta los albores del siglo XXI. Sus comienzos fueron en la banda del legendario cornetista, Freddie Keppard, con quien debutó discográficamente en 1930.

Entre 1936 y 1951, permaneció en la orquesta del extravagante pero genial músico, Cab Calloway y su estilo siempre se le consideró muy próximo al bajista de la orquesta de Duke Ellington, Jimmy Blanton. Hilton era en la orquesta de Calloway, lo que Blanton en la de Ellington. A renglón seguido, estuvo durante algún tiempo con la orquesta de Dizzy Gillespie.

Tras la II Guerra Mundial, se enroló en los "All Stars" de Luis Armstrong, consolidándose como un gran músico de sonido y ritmo brillante. Participó en numerosas "jam sessions" y en ellas siempre terminaba entre los mejores bajistas. Los años sesenta pasaron por encima de él como a la mayoría de los músicos de jazz, sepultados por el olvido popular y arrinconados tras el empuje del rock y el pop. Tras varios años de ostracismo, es recuperado para el jazz en los años setenta donde participa en numerosa giras, festivales y actuaciones en clubes y locales de jazz.

En 1995, casi al final de su carrera, fue contratado por el grupo, "The Statesmen of Jazz" una formación organizada y subvencionada por la "American Federation of Jazz Societies" para fomentar el jazz para que realizara una gira por todo el país. Fue su último gran trabajo, ya que fallecería cinco años mas tarde.

TERUMASA HINO


El jazz es una música sin frontera y en Japón su expansión es un fenómeno de masas y hay infinidad de músicos del país del Sol Naciente que son auténticos especialistas. Terumasa Hino (Tokyo 1945), es uno de los últimos músicos que han impactado en la escena del jazz internacional.

Como trompetista - también es un virtuoso del fliscornio - ha estudiado detenidamente a los grandes del género, desde Louis Armstrong a Dizzy Gillespie, desde Roy Eldridge a Freddie Hubbard, desde Henry "Red" Allen hasta Miles Davis. Se hizo profesional con apenas trece años en 1955 y muy pronto se trasladó a Estados Unidos donde ha recorrido varias ciudades y actuado en innumerables clubes y festivales de la escena del jazz americano. Habitual artista del sello Columbia, para quien ha grabado mas de una docena de discos - es muy destacable el grabado en 1983 titulado "New York Times" su carrera ha basculado también entre los sellos: "Blue Note" y "Enja".

Ha compartido escenarios y estudios con el arreglista, Gil Evans, con el baterista, Elvin Jones, con el saxo alto, Jackie McLean y también con Dave Liebman. Terumasa Hino, desde el punto de vista de su estilo musical, está mas próximo a Miles Davis, su verdadera influencia jazzistica, que a cualquier otro trompetista.

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