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AZIZA MUSTAFA ZADEH


Aziza Mustafa Zadeh, hija del malogrado pianista Vagif Mustafa Zadeh ( de cuyas obras hay que destacar la obra "Aspiratión" y el cual inventó un tipo de fusión entre la música de jazz y la autóctona de Azerbaiján), nace en 1969, siguiendo los mismos pasos que su padre. Sus apariciones en varios eventos en Europa le llevaron para firmar por el sello Sonny. Con un ataque impetuoso, sobre todo en sus solos explosivos, su intensidad, más que su estilo, recuerda a los primeros pianistas de bebop. Ello se hace especialmente patente cuando canta en scat a gran velocidad consiguiendo una salvaje relación entre el piano y la voz, a menudo sobre métricas ajenas a la tradición occidental, pero comunes en Baku.

Esta nativa de Azerbaiján, es sin duda una de los dos grandes pianistas de jazz del continente asiático (la otra es la gran Toshiko Akiyoshi). Dotada de un gran virtuosismo, su música es emotiva, sentimental y ello sin renunciar a sus raíces, ni a su tierra. Con un talento que conjuga técnica y sensibilidad, Aziza Mustafa presenta en cada uno de sus discos sus propias composiciones, -es una consagrada maestra en la composición- siendo su segundo disco: "Always", con once temas propios el registro mas conocido y premiado en el extranjero. El acompañamiento de dos músicos de primer nivel en el ámbito jazzístico: el bajista John Patitucci y el baterista Dave Weckl, le dan realce a la Session.

Su entrenamiento como pianista clásica en el Conservatorio de Baku, su amor al jazz, su inclinación hacia el cante y los sonidos tradicionales de Azerbaiján, es una magnifica combinación para formar un estilo de música originalísimo y puente entre Oriente y Occidente. Aziza nació criada musicalmente hablando en el mundo del Mugham (se pronuncia MOO-GAM). En Azerbaiján, el Mugham tiene dos significados: uno que se refiere a un sistema modal de la música, y el segundo que se refiere a un trío que realice esta clase de música, conducida por un cantante y acompañada por los músicos. Uno de los fundadores de esta música tradicional e improvisada de Azerbaiján, fue el padre de Aziza: Vagif Mustafa Zadeh. Ésa forma de "jazz asiático" se desarrolló con fuerza a mediados de los años sesenta y setenta, y en 1978, su padre representó a la extinta Unión Soviética en el Festival de Jazz de Mónaco consiguiendo el primer premio y haciendo exclamar al mismísimo Dizzy Gillespie, que la música que había escuchado era lo mas espectacular que había oído y que sería el jazz del fututo.

En 1994, Aziza Mustafa Zadeh, ganó el premio de la Academia de Música, la concesión más prestigiosa de Alemania musicalmente hablando. Si lo que ella toca es realmente jazz, es algo a lo que ella nunca le ha dado importancia. Para ella el jazz, folk y la música clásica son simplemente categorías sin separar. Ella encaja en los tres tipos de música. Lo que ella evita es ser encasillada en una forma. Como Al Di Meola dijo el año pasado: "Aziza es tan brillante como compositora como lo es como pianista".

Nota: Antes de Vagif Mustafa Zadeh la sintetización del Mugham y del jazz, había sido incorporada ya en ópera en los trabajos del compositor azerbaijani, Uzeyir Hajibeyov en los primera década del siglo XX, cuando fue introducido en la música sinfónica occidental por primera vez por el compositor azerbaijani, Fikrat Amirov a mediados de los años cuarenta.
DAVID MURRAY

Entre los numerosos saxofonistas surgidos en los últimos años del siglo XX, David Murray, (Berkeley, 1955), ocupa un lugar singular. Mientras la juventud llegaba fácilmente a jóvenes promesas -como Branford Marsalis- o se refugiaban en el fácil terreno de las vacas sagradas del jazz, David Murray, irrumpió con una fuerza extraordinaria en el mundo del jazz.

Hijo de músicos, entró pronto en contacto con el mundo de las notas. Antes de dedicarse por completo al jazz, dirigió durante breve tiempo algunos grupos aficionados al Rhythm & Blues. Su encuentro a finales de los sesenta con el compositor Stanley Crouch, que entonces dirigía el grupo "Black Music Infinit" integrado entre otros por Wilbur Morris y James Newton, fue decisivo para el rumbo de su carrera profesional. A través de esa formación contactó con el "Pomona College", una magnifica institución donde estudió piano y sobre todo saxofón. Su actividad se incrementó notablemente y en 1974 interpretó el papel de saxofonista principal en el drama de Stanley Crouch, titulado "The Saxophone Man". En 1975 se trasladó a New York siguiendo los consejos de Cecil Taylor y allí conoció y tocó con lo mas selecto de la escena neoyorquina del jazz de los años setenta: Oliver Lake, Julius Hemphill y otros músicos asociados al freejazz y componentes por aquella época del "Word Saxophone Quartet", donde él también llegó a codirigirlo en alguna ocasión. En 1979, formó un excelente octeto que comenzó a actuar como versión reducida de su orquesta pues en pie un año antes. En ese formato, David Murray, encontró la mejor combinación posible entre vanguardia y tradición negra.

Es con la formula del octeto, donde David Murray consigue lo que hasta entonces fue su obra maestra, el el extraordinario álbum: "Hope Scope" grabado para el sello italiano "Black Saint" en 1987. En este disco aparecen con nitidez sus parejas cualidades como instrumentista y arreglista. En el tenor, combina el timbre robusto y el vibrato de Ben Webster o la avalancha expresiva de Paul Gonsalves. Cuando compone, aparece asimilado el poder de seducción de Duke Ellington o Charles Mingus.

David Murray, es pues uno de esos músicos extraordinarios, (lleva grabados a su nombre, mas de una cincuentena de discos, la mayoría de ellos excelentes) capaz de enlazar con perfección la tradición jazzistica con la modernidad y abriendo las puertas del futuro del jazz con una visión enriquecedora del mismo

MARK MURPHY


Mark Murphy, (Fulton. New York, 1932) rompió la tendencia descendiente en el apartado de cantantes masculinos de jazz en los años sesenta. Su voz, de orientación cool, trasluce alguna similitud con Mel Tormé, aunque con menor maestría.

Murphy, siempre citó entre sus cantantes favoritos a las sofisticadas cantantes blancas de jazz, Lee Wiley y Peggy Lee. Murphy saltó a la fama con el disco grabado para Riverside en 1961, titulado "Rah!. En ese disco mostró su habilidad para navegar entre deferentes estilos y fueron los arreglos de Ernie Wilkins y la colaboración de los pianistas, Bill Evans y Wynton Kelly, lo que hizo grande aquella grabación. En su siguiente disco en 1962 para el mismo sello: "That's How i Love the Blues" recorrió con el saxofonista tenor, AL Cohn, los diferentes sendereos entre el blus y el jazz.

Pocos cantantes como Mark Murphy, se han acercado con tanto fervor y tanta pasión al jazz como él. Oliver Nelson -y no fue el único gran instrumentista- lo requirió para componer el texto de "Stolen Moments" uno de los grandes éxitos de Oliver. Cuando llegó la década de los setenta y el pop empezaba a reinar en la cultura musical de todo el mundo, Murphy se trasladó a Inglaterra donde permaneció casi un decenio. En 1981 renace para grabar en el selecto sello "Muse" el disco "Bop for Kerouac", dedicado al celebre poeta y novelista y donde intercala sus textos con el vocalese de King Pleasure. Otro disco extraordinario donde Murphy demuestra su versatilidad para llegar a ser un intimista crooner blanco es el titulado "Sings the Nat King Cole Songbook" grabado para Muse en 1983.

Mark Murphy, ha conseguido a base de esfuerzo y tesón, incrementar su registro de voz con el que puede ir desde el falsetto (con sacudidas a la manera de una trompeta), hasta bajar a un elegante barítono. Su capacidad para trabajar los cambios de acordes a la manera de un instrumentista, le sitúan como uno de los grandes cantantes de jazz de los últimos tiempos.

CELIA MUR


Cantante de formación clásica, siempre estuvo animada por su padre, el compositor y guitarrista flamenco, Antonio Fernández de Moya. Fue alumna de la soprano lírica Maryan Bryfdir durante seis años en el Centro de Arte Lírico de Granada. Superó las pruebas de canto de 5º grado de la Associated Board of The Royal Schools of Music del Reino Unido. Entre 1989 y 1995 comenzó la primera etapa formativa y profesional en el universo del jazz de Celia Mur, dedicándose de forma exclusiva a ese lenguaje, a sus músicas afines y al estudio de la voz como instrumento.

Para perfeccionar sus estudios en el canto jazzistico, se inscribió como alumna en varios seminarios internacionales en Valencia,Sevilla y Castellón, teniendo como profesorado a músicos y cantantes importantes del mundo del jazz, entre ellos: Sheila Jordan, Perico Sambeat, Paolo Fresu, Javier Colina, Marc Miralta, Mark Turner o Jorge Pardo. Más adelante y como consecuencia de esa experiencia docente, fue profesora de canto en los seminarios del Palau de la Música de Valencia, en el de Motril y en el de la villa de la Zubia. Asimismo fue Jefa del departamento de canto en las escuelas Duetto de Valencia, durante 2001 y 2002 y en la Escuela de Jorge Lario "L' espai musical" y posteriormente en la escuela de música moderna y Jazz del contrabajista Mario Rossy, en Valencia.

Celia Mur es una de las cantantes de jazz mas interesantes de la generación actual en España. Su primer disco a su nombre, el magnifico "Footprints", dejó un grato recuerdo cuando los aficionados al jazz comprobaron la calidad de su canto improvisado a la manera habitual del scat. Su segundo disco "Las flores de mi vida" (Satchmo record 2003) es un recorrido intimista por aquellas canciones que a lo largo de su vida significaron algo para ella y cantadas en clave de jazz. Un disco que está guardado cariñosamente en mi colección firmado por el puño y letra de la cantante cuando Celia vino a Sevilla a actuar en el Teatro de San José de la Rinconada junto al magnifico pianista valenciano, Ricardo Belda.

Su actividad en los ultimos años es incesante y ha cantado con importantes músicos españoles y extranjeros. Cabe destacar su actuación en el marco del Festival de Jazz de Granada de 2004, cuando formando parte de la bigband granadina, actuó junto al saxofonista alto, Benny Golson, en una noche de jazz inolvidable. Sus actuaciones a lo largo ya ancho de la geografía española son muy frecuentes en clubes (Jamboree de Barcelona o Calle 54 de Madrid o Secadero de Granada); Festivales de Jazz (Almuñecar Calpe, Terrassa y Granada) y en otros tipos de eventos. Celia Mur, pues, tiene por delante un enorme futuro y con un poco de suerte será una cantante importante de jazz en este tercer milenio.

GERRY MULLIGAN


Gerry Mulligan, (1927-1996), fue uno de los músicos blancos de jazz mas importantes y mas respetados de la ultima mitad del siglo XX. Instrumentista dotado de impecable técnica, compositor de talento y arreglista original e inteligente, el saxo barítono, Gerry Mulligan a lo largo de su prolífica y extraordinaria carrera, ha participado en importantes movimientos estilísticos del jazz, ha dirigido numerosos grupos y orquestas de todos los tamaños y configuraciones y grabado una impresionante cantidad de discos a su nombre, y también en calidad de invitado, ha tocado con las mas notables figuras del jazz. Considerado como uno de los cuatro grandes saxo-barítonos de la historia del jazz, Mulligan dominaba también el soprano, el tenor, el clarinete y era un pianista correcto.

Nacido en New York el 6 de abril de 1927, se crió en Philadelphia en el seno de una familia irlandesa, católica y de clase media. Buen estudiante en sus años de colegio, su inclinación por la música hace que sus padres le compren un saxofón. Tras estudiar música, colaboró con la orquesta de Elliot Lawrence, antes de dirigirse a su ciudad natal con dieciocho años donde enseguida se enroló en la bigband del baterista, Gene Krupa. En 1947, traba amistad con Charlie Parker y entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al otro arreglista de la banda, Gil Evans, con el que comparte ideas, conceptos y teoría. Juntos en 1949, intervienen en la gestación del del histórico Noneto que dirigido por el trompetista, Miles Davis, marca un hito en el jazz de aquella época. En 1951 graba un primer disco a su nombre para el sello "Prestige" titulado: "Mulligan Plays Mulligan" y tras obtener el favor de la critica y del publico, se marcha a California en la Costa Oeste, donde comienza una nueva etapa en su carrera.

El ambiente musical y los músicos que encuentra allí, le gustan y empieza a escribir arreglos para Stan Kenton, el director de una bigband magnifica y un día conoce a un trompetista llamado, Chet Baker. Con el, va a formar uno de los grupos de mas éxito de la época, el famoso "Gerry Mulligan Pianoless Quartet", un cuarteto sin piano en el que los dos vientos (barítono y trompeta) son acompañados únicamente por contrabajo y batería, ofreciendo un sonido totalmente nuevo y diferente a lo que se escuchaba por entonces. Con el éxito de esa formula alcanza la fama y empiezan las giras por Europa, adonde acude regularmente en varias ocasiones y así en olor de multitudes, Mulligan cruza la década de los cincuenta consagrado como uno de los mejores músicos de jazz del momento.

Los años sesenta le verán organizar y lanzar su "Concert jazz Band", una agrupación de trece (a veces mas) músicos con los que da rienda suelta a su faceta de arreglista y le brinda la oportunidad de conferir a su música mas volumen y amplitud. En 1964 vuelve a la formula de cuarteto y sexteto con Bob Brookmeyer, Art Farmer y el guitarrista, Jim Hall con los que vuelve a salir de gira por Europa. En 1968 se integra en el cuarteto de Dave Brubeck en sustitución del saxo alto, Paul Desmond y con Brubeck, Mulligan permanece hasta 1972. En los años ochenta y noventa, Mulligan no dejó de grabar, producir y arreglar música. También participó en innumerables conciertos y festivales de jazz en Newport, Montreux, Niza, Japón y otros.

De su abundante y extraordinaria discografía hay que destacar necesariamente tres etapas: su participación en el Noneto Capitol con Miles Davis y Gil Evans recogidas en el disco: "Birth of The Cool" en 1949; las grabaciones en cuarteto con el trompetista, Chet Baker en los años cincuenta y recogida en el álbum: "Gerry Mulligan Quartet with Chet Baker"; y su etapa en la "Concert Jazz Band" de mediados de los años sesenta y su álbum "Gerry Mulligan '63 The Concert Jazz Band".

Gerry Mulligan, fue uno de los grande músicos blancos del jazz y su aportación a la historia de esta música fue impresionante.

IDRIS MUHAMMAD


Idris Muhammad nace en New Orleáns (1939) en el seno de una familia de músicos. Comienza a estudiar la batería a la edad de seis años y su primer trabajo como profesional lo hizo cuando tenía doce años tocando en el Mardi Grass Festival. A los quince años ya estaba trabajando con Fats Domino con el cual grabó un disco legendario titulado "Blueberry Hill". En 1959 graba junto a Joe Jones el disco "You talk too much", y más tarde acompaña en sus giras a Roberta Flack, participando también en las grabaciones de sus discos: "Feel Like Making Love", "Jessie Come Home" y "Revinlee". Fue uno de los pioneros del movimiento funky y de la fusión del jazz con otras músicas. Colaboró trabajando en los discos de Grover Washington Jr, Bob james, Herbie Hancock, George Benson, Lou Donaldson y Ron Carter. A partir de 1970 trabajó en diversas formaciones participando en grabaciones de discos importantes junto a Stanley Turrentine, Hank Crawford, Freddy Hubbard, Sonny Stitt, Horace Silver o Randy Weston.

Al mismo tiempo ha grabado varios discos a su nombre grabando, destacando el editado en 1974 para el sello Kudu y titulado: "Power of Soul". Idris Muhammad está reconocido por la crítica especializada como uno de los mejores baterías de jazz contemporáneos, y desde Viena, ciudad en la que reside en estos primeros años de 2000, viene realizando giras y grabaciones por todo el mundo. En España es conocido gracias a sus colaboraciones con el guitarrista, Ximo Tébar con el que ha grabado varios discos extraordinarios, entre ellos el último, titulado "The Champions" donde en el trío de Tébar, estaba, además de Idris Muhammad, el organista, Joey de Francesco.

PAUL MOTIAN

El maestro d de la batería, Paul Motian, debutó en 1949 en su localidad natal, Providence, como guitarrista y mas tarde estudió la batería. Después de licenciarse en el ejercito americano, en 1954, se trasladó a New York donde estudio en la "Manhattan School of Music". En 1956 obtuvo su primer contrato importante con el pianista, George Wallington y ese mismo año colaboró con Jerry Wald y Russell Jacquet. En 1957 trabajó durante un año con el clarinetista, Tony Scott y al año siguiente, en 1958, colaboró con dos importantes músicos adscritos al movimiento jazzistico de la Costa Oeste: Lenny Tristano y Zoot Sims.

A finales de 1959 conoció al pianista, Bill Evans, un hecho histórico en la historia del jazz y que supondría un giro espectacular en la carrera profesional de Motian. Bill Evans, tras escucharlo, lo invitó a formar parte de su histórico trío, junto al contrabajista, Scott LaFaro. Tras de si, Motian tenía ya en su haber grabaciones discográficas con George Russell; Eddie Costa; Don Elliot o Lee Konitz. Entre 1959, año en que se unió a Bill Evans, y 1963, año en que abandonó el trío tras la muerte del contrabajista, los tres dieron vida a una formación legendaria, única e irrepetible en la historia del jazz. En ese tiempo, Motian, LaFaro y Evans grabaron una serie de obras maestras del jazz imperecederas, destacando las grabaciones en el Village Vanguard de New York y el disco "Waltz for Debby" (Riverside 1961)

Tras la disolución del trío, Motian colabora con el pianista, Paul Bley y su esposa Carla con quien fundó en 1968 la "Jazz Composer's Orchestra Association" (JCOA), un organismo gestionado por los propios músicos y de donde salieron grandes proyectos musicales, entre otros el extraordinario disco "Escalator Over the Hill". Entre 1969 y 1979, Paul Motian colaboró estrechamente con el pianista, Keith Jarrett, otro músico extraordinario del jazz moderno. En el trío de Jarrett, estaba otro magnifico contrabajista, Charlie Haden quien utilizo al baterista para otro extraordinario proyecto jazzistico liderado por Haden y al que denominó: "La Liberation Music Orchestra", uno de los mas sólidos pilares de la improvisación jazzistica de nuestros tiempos. Tras dejar a Jarrett y a Haden, Paul Motian inició su carrera profesional como solista, colaborando con infinidad de músicos, grabaciones y conciertos.

En su etapa contemporánea, y ya superados los setenta años, Paul Motian ha venido a España en varias ocasiones y al frente de distintas formaciones, como cuando se presentó al frente de su "Electric Be Bop Band" (E.B.B.B.) en Madrid en el 2001, o en San Sebastián, el 29 de Mayo de 2002 con la International Sextet, formación conformada por dos saxofonistas, dos guitarristas eléctricos, un bajista y el propio Paul Motian a la batería. Motian, es por tanto, uno de los grandes musicos de jazz de todos los tiempos. Nada acomodaticio, asumiendo riesgos, siempre a la vanguardia de la música de jazz y sabiendo estar, a sus setenta y cuatro años, en primera línea.

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