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ABE RÁBADE
Fotografía de Sergio Cabanillas
Pianista y compositor nacido en Santiago de Compostela el 8 de septiembre de 1977, Abe Rábade, se ha formado en el Conservatorio de Santiago de Compostela (1982-1986), Estudió en la Escola de Música (1986-1995) y en el prestigioso, Berklee College of Music (1995-1999) donde obtuvo una Licenciatura doble cum laude en Jazz Composition y Piano Performance. Ha estudiado con músicos como Suso Atanes, Dave Frank, Joanne Brackeen, Ray Santisi, Barry Harris, Paul Schmeling, Hal Crook, Greg Hopkins, Ken Pullig, Jamey Haddad.

Desde 1996 desarrolla el proyecto "Abe Rábade Trío" junto a Paco Charlín (contrabajo) y Ramón Ángel (batería con el que actúa en España, EE.UU., Cuba o Portugal. Desde el año 2000 lidera el grupo "GHU! Project" compuesto por su trío y Jesús Santandreu (saxos) y Chris Kase (trompeta).
IKE QUEBEC


El saxofonista tenor, Ike Quebec (1918-1963), decidió dedicarse al mundo del espectáculo cuando siendo aún un adolescente, trabajó como bailarín. En el Harlem de los años treinta era fácil contactar con los músicos de jazz y decidido a ser músico estudio piano. En 1940 se unió a la banda "Barons opf Rhythm" con la que estuvo un par de años y fue en el seno de esa orquesta donde se decidió por adoptar el saxo tenor para siempre.

Tocó en el Minton's Playhouse, con los grandes del bebop hasta que comenzó a atrabajar de manera profesional con Frankie Newton, Ella Fitzgerald y Roy Eldridge. Con un sonido inspirado en el maestro del tenor, Leon "Chu" Berry, y discípulo confeso del gran Coleman Hawkins, Ike Quebec, se adaptó magníficamente a esa escuela. En 1944, actuó y grabó con Sammy Price y Hot Lips Page, antes de unirse a la orquesta de Cab Calloway, con quien de una u otra forma, estuvo hasta los cincuenta años. 1944 fue también el año en que entró por vez primera en el estudio de grabación de la Blue Note, pero no fue hasta 1959 cuando graba a su nombre el primer disco. El álbum se tituló: "From Hackensack to Englewood Cliffs" y fue el primero de los nueve que grabó con el sello de la etiqueta azul entre 1959 y 1998.

Su relación con la Blue Note, se amplió hasta convertirse en una especie de cazatalentos y a su labor en ese terreno le debemos que llevara a Dexter Gordon a grabar con ellos. Ike Quebec, era un músico directo y vigoroso y contrariamente a casi todos los seguidores de Coleman Hawkins, no era suave, sino mas bien cortante pero con una claridad de contornos muy agradable. Su potencia, su swing y especialmente su tratamiento en los blues, le conferían un sonido particularisimo que se truncó cuando en 1963 un cáncer de pulmón terminó con su vida.

DON PULLEN


Nacido en una familia de músicos, el pianista, Don Pullen, empezó en 1954 a estudiar piano clásico. A principios de los años sesenta conoció al compositor, pianista y arreglista, Muhal Richard Abrams trabajando junto a él durante un buen tiempo. influenciado por Abrams, decidió trasladarse a New York para iniciar su carrera profesional entre los músicos mas importantes de la vanguardia jazzistica neoyorquina. En 1965 debutó discográficamente con un disco liderado por el flautista y saxofonista, Giuseppi Logan. Acompañó a la cantante Nina Simone entre 1970 y 1971, y en 1974 formó efímeramente parte de los Jazz Messengers del baterista, Art Blakey. Su carrera dio el espaldarazo definitivo cuando el genial contrabajista, Charles Mingus, lo incluyó en su grupo. En la formación de Mingus, Don Pullen tuvo la oportunidad de participar en la grabación de dos discos: " Moves at Carnegie Hall" y el espectacular " Changes One, Changes Two" para el sello Atlantic.

En 1975, tras abandonar la formación de Mingus, Pullen grabó tres álbumes en colaboración con Sam Rivers. Formó posteriormente su propio grupo, junto al saxofonista de Mingus, George Adams, del que salió el álbum mas importantes de su discografía como líder, el extraordinario: Breakthrough (1986 Blue Note). En los años ochenta dirigió junto a Beaver Harris, el grupo de jazz experimental "360 Degrees Music Experience"

TITO PUENTE


Nacido en 1923 en Harlem, (New York, USA), Tito Puente, estudia el piano, el órgano, el vibráfono, la batería, los timbales y la conga y desde los trece años trabaja como un profesional en diversos grupos locales.
Después de haber pasado por la orquesta de
Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial, lo lleva a la marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la "Julliar School" de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la cual se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York.

Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, "Ran Kan Kan", "Oye como va" y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y practicamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Cosby y en 1992, protagoniza el film, "El rey del Mambo". Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: "Oye cómo va" y "Para los rumberos" han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes "El número 100", "El Rey del Timbal", "Cuban Carnaval", "Puente in Percusión", "Dance Manía" y "Top Percusión", conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latín jazz.

Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. Obtuvo 11 nominaciones a los
Premios Grammy y logró 4 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, el "Tito Puente Scholarship Fundation", encargado de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó "50 Years of Swing", una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Rey Charles y Anita O’Day.

Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el "Rey del Timbal" un músico que con la sonrisa siempre en los labios se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada "Calle 54". Apenas unos meses después su sonrisa se truncó para siempre.

LOUIS PRIMA


Hermano menor del también trompetista, Leon Prima, Louis empezó a tocar la trompeta muy joven y de forma autodidacta, en Texas cuando la orquesta de Pet Kelly estaba en aquella localidad y su hermano formaba parte de ella. En 1922 formó su primer grupo en el que también estaba Irving Fazola. Tras unos tres años de actividad, a finales de los años veinte reformó su grupo y logró actuar en el "Saenger Theatre" y en otros locales de New Orleáns. En 1934 se traslada a New York para actuar en la famosa Calle 52 y mas en concreto, en el club "Famous Door" uno de los siete clubes de jazz que en aquella epoca existían en la "Swing Street", como era conocida en los ambientes musicales de Harlem.

Por su grupo fueron pasando grandes solistas , entre los que cabe destacar, George Brunis, Sidney Arodin, Claude Thornill, George Van Eps, Pee Wee Russell, o Eddie Miller. Su éxito, debido no tanto a sus cualidades como trompetista, dado que en la mayoría de las ocasiones se limitaba a imitar los sonidos de la trompeta de Louis Armstrong, se fraguó por su capacidad de showman dentro de un escenario. Su característica voz ronca, y sus dotes de interpretación, agradaban al publico que noche tras noche, pasaban por los clubes en busca de diversión , por encima de la calidad de la música. Sus discos mas representativos, desde el punto de vista jazzistico, son los primeros de su carrera, grabados en su mayoría para el sello Capitol, y en especial el grabado en 1957 y titulado: "The Wildest". Dos años mas tarde grabaría en directo desde el club Tahoe, uno de sus discos en directo importantes, titulado: "The Wildest show at Tahoe"

A partir de mediados de los años cincuenta, formó pareja profesional con su mujer, Keely Smith, actuando en los mas elegantes night clubes de New York, Los Ángeles, Hollywood y Las Vegas. Louis Prima tuvo también la habilidad de ser el autor de algunos temas celebres, como "Robin Hood", "Angelina" y sobre todo el maravilloso "Sing, Sing, Sing", uno de los temas del swing mas electrizantes de la historia y que popularizó el clarinetista Benny Goodman en el celebre concierto de Enero de 1938 en el Carnegie Hall. Años después, "Sing, Sing, Sing" sería utilizado con profusión en numerosas películas del cineasta Woody Allen, como por ejemplo la espectacular "Asesinato en Manhattan".

VÍCTOR PRIETO


Víctor Prieto nació en Orense en 1975. A la edad de 9 años influenciado por su madre Víctor empezó a tocar el acordeón. Continuo sus estudios en Acordeón Clásico en el Conservatorio de Orense, al mismo tiempo que empezaba con sus primeros estudios de jazz en la Escola Estudio en Santiago de Compostela. Dos años mas tarde la prestigiosa y reconocida escuela de Jazz: Berklee College of Music le otorga una beca para cursar estudios en Jazz Performance bajo la supervisión de la afamada pianista Joanne Brackeen. Víctor es el único acordeonista en especializarse en Jazz Performance en el Berklee College of Music. Durante su estancia en Berklee, Víctor se hace amigo de uno de sus mentores, Oscar Stagnaro, quien le presenta a músicos con los que tocaría en el futuro, entre ellos están: Paquito D’Rivera, Diego Urcola, Mark Walker, Dave Samuels, Raúl Jaurena, y Lionel Louke, entre otros.

Víctor se gradúa de Berklee y se traslada a New York donde se convierte en el Profesor de acordeón jazz en el prestigioso Brooklyn Conservatory; a renglón seguido Víctor imparte Master Clases en USA, España, Italia, y Portugal. Él tiene en su poder mas de veinte premios destacando el 1er Premio Citta de Castelfidardo (Italia), Artista Creativo dado por la Asociación Española de Interpretes y Ejecutantes, 1er premio en composición otorgado por la Revista argentina CMZK’s, 1er premio en el concurso de jazz acordeón de Ciudad Real (España), por nombrar algunos de ellos.

Acordeonista y compositor, Víctor Prieto está revolucionando la manera de tocar el acordeón, creando nuevos sonidos y técnicas para este instrumento. Su música abarca diferentes tendencias, que vienen del Jazz, Tango, Música clásica y raíces celtas enriquecidos con nuevos ritmos y colores. Él es el creador de una nueva técnica para el acordeón llamada "aproximación de acorde en ambas manos" la cual crea armonías no interpretadas anteriormente.

Víctor Prieto ha actuado en prestigiosos clubes, Festivales y Teatros tales como: Blue Note de New York; Berklee Perfromance Arts Center de Boston; Jazz at Lincoln Center de New York; New Jersey Performing Arts Center de New Jersey; Three Rivers Musical Festival de Columbia; en el Williamsburg Jazz Festival de New York; o en el prestigioso Mary D’Angelo Performing Arts Center de Erie (PA). Actualmente Víctor Prieto ha grabado su primer trabajo discográfico, un álbum titulado "Persistencia" editado por el sello "Foxhaven Records" y vive en New York liderando un trío a su nombre entre otras formaciones.

CHANO POZO


Ejemplo de creador para las nuevas generaciones de percusionistas cubanos, Chano Pozo nació en La Habana el siete de enero de 1915, y desde pequeño vivió en carne propia el rigor de la discriminación racial en la Cuba anterior a la de Fidel Castro. Limpió zapatos y vendió periódicos, tocó música en muchos lugares y hasta bailó en la conocida comparsa habanera de "Los Dandy". Fue calificado por el etnólogo e investigador de la cultura afrocubana Don Fernando Ortiz como un revolucionario musical por su influjo directo, inmediato y eléctrico. Su pertenencia a la Sociedad Secreta Abakuá, explica el dominio perfecto que tuvo de los tambores propios del rito. En el libro ¡Caliente! del investigador belga, Luc Delannoy se señala que cuando Chano vivía en La Habana, tenía costumbre de tocar ritmos sagrados en sus congas, así como de cantar temas abakuás y yorubás.

Chano Pozo era hermano del famoso trompetista Félix Chapotín, admirador de Rita Montaner, e imán de las transmisiones públicas de la estación de Radio Cadena Azul. En la década de los cuarenta, Chano Pozo, cubano inyectó al jazz norteamericano de una nueva y vigorosa energía, gracias a la visión del músico Mario Bauzá. Trabajó junto a figuras de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, siendo con Dizzy cuando popularizó el conocido tema de "Manteca". La fulgurante carrera de Chano Pozo, en Estados Unidos comenzó en 1942, cuando abandonó la Orquesta de Machito, para unirse en Chicago al conjunto de los "Jack Cole Dancers". "Manteca" se dio a conocer en el mundo del jazz en 1947, durante la presentación de una bigband a nombre de Pozo y Gillespie. En aquel concierto intervinieron otras dos glorias del Jazz mundial, el pianista John Lewis, quien fundaría luego el Modern Jazz Quartet, y el baterista Kenny Clarke, uno de los padres del Bebop. En "Caliente", otra de las grandes composiciones de Chano Pozo, Delannoy recuerda que el estilo de Chano llevó gradualmente a Gillespie a correr cada vez más riesgos musicales, lo cual desembocó en una fusión perfecta: la de un genio de la armonía del Jazz con un genio de los ritmos afrocubanos.

En el mismo año de su llegada a New York, Chano Pozo, abrió un club latino en el Palladium que se llamó como una canción suya, "Blen Blem", tema que ha sido usado en varios textos literarios y musicales de Guillermo Cabrera Infante. Fue la opinión y la influencia de Mario Bauzá, la que inclinó a Dizzy Gillespie a contratar a Chano Pozo, con lo que se logró uno de los momentos estelares en la historia del jazz latino. Miguelito Valdés, en Nueva York, y Rita Montaner, en La Habana, le dieron impulso para que continuara en EE.UU. su carrera de compositor, tamborero, cantante y bailarín de rumba, pero repentinamente y en medio de un gran misterio se da a conocer el fallecimiento del percusionista.

Hay varias versiones de como ocurrió, pero lo seguro es que Chano Pozo no pudo actuar la noche del 3 de diciembre de 1948 junto a Mario Bauzá y Miguelito Valdés. Leonardo Padura llamó a Bauzá para comunicarle el asesinato de Chano Pozo en Lenox, entre las calles 111 y la 112. Sea como ocurriese, lo cierto es que Chano Pozo, a pesar de su juventud, está en la historia del jazz latino por meritos propios y de su estilo como percusionista, han bebido varias generaciones de músicos cubanos como, Angá, Tata Güines, o Patato Valdés.

BUD POWELL


Del mismo modo que Thelonious Monk, acertó a iluminar la escena del jazz moderno a través de composiciones no sujetas a modelo concreto alguno, Bud Powell (1924-1966), dictó las claves fundamentales del nuevo lenguaje pianístico sin necesidad de asirse a referencias palpables. Todavía hoy en día, constituye la cumbre técnica insuperada del piano "bebop" y se le recuerda como el músico mas influyente de este movimiento, después de Charlie Parker, pero por delante de todos los demás, Dizzy Gillespie, incluido.

Su infancia estuvo saturada de música, su hermano mayor tocaba profesionalmente la trompeta y el violín y su abuelo, Zachary, fue el mejor guitarrista flamenco de Estados Unidos. Su padre, pianista adscrito al estilo "stride" apoyó su temprana vocación y le dio las primeras clases. Su progreso fue espectacular y en aquellas fechas, era frecuente verle interpretar junto a su amigo, Elmo Hope, composiciones de Bach y otros clásicos. No fue hasta 1939, cuando Powell, consiguió su primer contrato importante con los "Sunset Royals" de la cantante, Valaida Snnow, y en 1939 grabó su primer disco titulado "Reverse The Changers" para el sello "Duke" y bajo el liderazgo del saxofonista, Frank Sokolov.

No fue hasta 1944, cuando animado por Thelonious Monk, ingresó en la orquesta de Cootie Williams y grabó un solo muy breve sobre "Blue Garden Blues", primera muestra real de su colosal talento. Ese mismo año sufrió su primera detención por escándalo publico y al años siguiente recibió una brutal paliza de la policía de Philadelphia que presumiblemente lo dejó tocado para siempre. Sus trastornos psíquicos se reprodujeron y fue enviado a un Hospital Psiquiátrico de Long Island. En 1946, recuperado, se incorporó al pequeño combo del contrabajista, John Kirby y la casualidad hizo que esa pequeña formación fuera contratada en el Minton's Playhouse de Harlem, el "templo" del bebop donde Powell entró en contacto con la plana mayor de aquel movimiento, lo que le permitió participar entre 1946 y 1947 en un buen numero de jam sessions con Dexter Gordon, Jay Jay Johnson, Sonny Stitt, Kenny Clarke y Sarah Vaughan, entre otros.

Su debut como líder se produjo el 10 de enero de 1947 para el pequeño sello "Three Deuces", y en mayo de ese año, grabó el único registro en estudio para la Savoy con Charlie Parker. Un largo paréntesis de dos años, consumidos en su mayor parte internado en el "Creedmore Sanatorium", donde llegó incluso a recibir tratamiento de electrochoque, dio paso, paradójicamente, a su periodo mas fértil y artístico. A partir del 8 de agosto de 1949, bajo la supervisión de Alfred Lion y Francis Wolf, Bud Powell, dejó en las arcas del sello Blue Note, otra visión del pianismo moderno perfectamente compatible con la que apenas dos años antes había aportado, Thelonious Monk. Nuevamente ingresado durante diecisiete meses en en otro Hospital Psiquiátrico, cuando en febrero de 1953, recibió el alta, formo un trío estable con el contrabajista, George Duvidier y el batería, Art Taylor.

El 15 de mayo de 1953, se produce un hecho histórico en la vida profesional de Bud Powell. Junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y Max Roach, participó en un multitudinario concierto celebrado en el Massey Hall de Toronto en Canadá, considerado el canto del cisne del bebop y quizás el mejor concierto de jazz de todos los tiempos. A partir de entonces, Powell, comenzó a entrar en una fase de profundo deterioro mental casi irreversible, pero en 1956 realizó un gira por Europa junto a Miles Davis, Lester Young y el Modern Jazz Quartet de Milt Jackson. Repitió visita al viejo continente en 1959, pero esta vez se quedó cinco años. Le acompañó Altevia Edwards, mas conocida como "Buttercup" y eligió Paris como lugar de residencia.

Recibido con los honores de un grande del jazz, formó un trío regular conocido como los "Three Bosses" con el contrabajista, Pierre Michelot y el baterista, Kenny Clarke, que fueron la principal atracción del club parisino, "Blue Note". Fue un periodo de su vida importante gracias al cuidado que le proporcionó, Francis Paudras, un extraordinario aficionado al jazz y posterior autor de la biografía de Powell "The Dance Of The Infidels". Pero aquejado de tuberculosis aguda, incapaz de dejar la bebida, y nostálgico de New York, Bud Powell, regresó a los Estados Unidos. Su reaparición en el mítico "Birdland" provocaron uno de los momentos dulces de su carrera. Siete minutos de ininterrumpido aplauso demostraron que sus incondicionales no le habían olvidado, pero aquélla reaparición fue un cruel espejismo. Sus dos últimos años los pasó en un apartamento de Brooklyn acompañado por su hija Celia.

Ya casia al final de su vida, participó en 1965 en sendos conciertos celebrados en el Town Hall y en el Carnegie Hall, este ultimo en homenaje al décimo aniversario del fallecimiento de Charlie Parker, pero el 31 de julio de 1966 falleció en el "Kings County Hospital" de Brooklyn. Más de cinco mil personas se echaron a la calle espontáneamente para homenajearle y en su entierro, Barry Harris y Lee Morgan, tocaron en su honor. Como decía Francis Paudras: ".... Bud Powell tenía dos personalidades. Una le impulsaba a luchar y superar sus problemas, para tocar y crear música. La otra le arrastraba a la autodestrucción, a la falta absoluta de respeto hacia si mismo y esta ultima ganaría la partida".

En 1986, el Director de cine francés, Bertrand Tavernier, produjo una extraordinaria película que recoge con absoluta pulcritud y fidelidad la etapa parisina de Bud Powell. Su película: "Round Midnight", interpretada en su papel estelar por el saxofonista, Dexter Gordon, es una de las grandes películas relacionada con el jazz.

JEAN-LUC PONTY

Hijo de profesores de música, el violinista, Jean-Luc Ponty, empezó a estudiar seriamente violín, piano y armonía a los cinco años, y a los diecisiete entró en el conservatorio Superior de música de Paris, del que salió en 1960 con su primer premio de violín. Empezó entonces a tocar en las orquestas sinfónicas como la de la "Conciertos Lamourex" entre 1960 y 1962. Su interés por el jazz le vino como consecuencia de su amistad con el violinista, Stephane Grapelli y en diciembre de 1961 entró formar parte del primer grupo de jazz cuando ingresó en la orquesta de Jef Gilson, con la que estuvo regularmente hasta 1964. Ese mismo año consiguió un importante éxito en el festival de Jazz de Antibes, lo que de alguna forma marcó su futuro profesional en los ámbitos del jazz.

En 1966 la revista Down Beat lo situó a la cabeza de los solistas con instrumentos poco habituales en el jazz. Toco en el Blue Note de Paris, en el club Camaleón con el organista Eddy Louiss y el baterista, Daniel Humair. Tras una breve estancia en los Estados Unidos, tocó con George Duke, y con el famoso grupo del guitarrista Frank Zappa: "Mothers of Invention", y mas adelante con la Mahavishnu Orchestra liderada por el guitarrista, John McLaughin. Pese a su afición por la música pop, Ponty fue siempre fiel al jazz, encontrando en la música de John Coltrane su particular influencia. Aparte de su extensa carrera en solitario, también ha colaborado con gente como John McLaughlin o Chick Corea.

Desde 1975, Jean-Luc Ponty, está al frente de su propio grupo, y posee un virtuosismo que le permite colocar semicorcheas sobre tempos muy elevados, un fraseo rebosante de golpes de arcos enormemente ágiles y una capacidad de inventiva y de renovación melódica que le identifican rápidamente. Al violín eléctrico, se revela como un experto en la mezcla de sonoridades que utiliza la tecnología con parsimonia y ha descubierto sonoridades con su instrumento que resisten bien la prueba del tiempo. Este violinista, teclista y compositor francés, se alejó bastante pronto de la gran tradición violinista del jazz francés para confirmarse, en Estados Unidos, como uno de los guías del movimiento jazz-rock.

VALERY PONOMAREV


Aparecido musicalmente en el mundo occidental a mediados de los años setenta, el trompetista, Valery Ponomarev, se ha convertido con el paso del tiempo en el mejor instrumentista de jazz ruso de todos los tiempos. Su aprendizaje autodidacta en su ciudad natal, Kiev, le sirvió para en la primera ocasión que tuvo, trasladarse a Europa y visitar Italia en donde tocó durante un par de meses con los trompetistas, Romano Mussolini y Flavio Ambrosetti.

Con la experiencia europea a sus espaldas y con la confianza precisa en sus posibilidades, Ponomarev da el salto y viaja a New York donde entre lo singular del caso, (un ciudadano de la Unión Soviética tocando jazz) y por supuesto por sus cualidades artísticas, encuentra fácilmente trabajo en el grupo de Art Blakey, "The Jazz Messengers". La presencia de Ponomarev en los Messengers duró cuatro excelentes años y participó en ése tiempo en varias giras que el celebre grupo ofreció en varios países europeos. Sus grabaciones han sido registradas en varios sellos de segunda fila, entre ellos "Timeless", "Vedette" y también en alguno mas conocido como Philips, Reservoir Record y Roulette.

En 1988 graba el álbum: Trip To Moscow para Reservoir con Ralph Moore, y Larry Willis al piano; Dennis Irwin al bajo; y Victor Jones en la batería. Mas adelante en diciembre de 1991 participa en el Clifford Brown Memorial Concert, en la localidad de Wilmington, Delaware, actuando junto a músicos legendarios del jazz como el quinteto de Max Roach y Clifford Brown que contaba en sus filas con el saxo tenor, Harold Land; el bajista George Morrow y el pianista Sam Dockery. También en 1991, y en pleno periodo de madurez, graba Profile para Reservoir Record con Victor Jones a la batería; Essiet Essiet al bajo; Kenny Barron en el piano y Joe Henderson en el saxo tenor. En 1993 graba en directo desde el famoso club, Sweet Basil's de New York, el álbum Live At Sweet Basil's. En 1995 formó su propio grupo al que llamó "Universal Languaje" actuando en multitud de conciertos, festivales y eventos en todo el mundo. Destacan su participación en el club de Jazz Vartan de Denver del que salió el álbum: Live At Vartan Jazz grabado en febrero de 1995 con un quinteto formado por Valery Ponomarev a la trompeta; Francesco Bearsetti al saxo tenor; Sid Simmons, al piano; Kenny Walker, en el bajo y Ben Riley, a la batería.

PONY POINDEXTER


El saxofonista Pony Poindexter, estudió clarinete en la escuela primaria de su ciudad natal, perfeccionándolo después en un Conservatorio de California. En 1940 obtuvo su primer contrato profesional con Sidney Desvignes. Entre 1946 y1947 realizóo una gira con la orquesta de Billy Eckstine a la que mas tarde, en los años cincuenta, volvería a enrolarse. En 1950 se trasladó a San Francisco para firmar un contrato con el cuarteto de Vernon Alley, pero al año siguiente tuvo la oportunidad de firmar con la orquesta de Lionel Hampton con quien tuvo la oportunidad de grabar varios discos. Tras dejar a Hampton regresó a San Francisco donde en 1953 formó su propio grupo actuando en el club "Bop City" donde por aquella epoca también tocaba Charlie Parker.

Permaneció en la Costa Oeste de los Estados Unidos hasta 1959 alternando sesiones de grabaciones con actuaciones en clubes y festivales. Es destacable su trabajo en el "Jazz Cellar" de San Francisco donde consiguió reunir de forma estable un cuarteto con el que tocó hasta bien entrado los años sesenta. En 1961 fue llamado para tocar con el grupo vocal de Lambert-Hendricks y Annie Ross y con ellos estuvo dos años en plena forma. En 1964 cruzó por primera vez el Atlántico y realizó una gira por Europa donde participó en numerosos eventos y festivales en 1964, destacando los de Berlín y Bolonia. La acogida que tuvo en el viejo continente le ganó para siempre y prácticamente la recorrió entera, incluida España. En 1970 echó raíces en Alemania donde tuvo la oportunidad d grabar varios discos para el sello MPS.

Aunque su discografía no es muy extensa, es destacable el primer disco que grabó a su nombre para el sello Epic en 1962 titulado: "Pony's Express"; o el grabado en directo en Barcelona en junio de 1972. Ya antes había grabado un extraordinario disco en directo en 1967 en el marco del Festival Saba de Berlín con la cantante Annie Ross. Pony Poindexter fue un músico muy preparado, de gran formación y dominaba los saxos a la perfección.

KING PLEASURE

La vida y trayectoria de Clarence Beeks,(1922-1982), verdadero nombre de King Pleasure , esta repleta de periodos oscuros. Pleasure, abrió un camino nuevo en el canto jazzistico cuando en febrero de 1952, interpretó, cantó y grabó el tema "Moody's Mood For Love", una canción popularizada un poco antes por Eddie Jefferson, un ex-bailarin de claqué que tuvo la brillante idea de poner letra a la bella improvisación que el saxofonista, James Moody, había realizado de la balada "I'm In The Mood For Love" en 1949. Nació así una nueva modalidad del jazz cantado: el "Vocalese".

A ese éxito inicial de King Pleasure, le siguieron otros para Prestige, también en 1952 con la cantante, Betty Carter y al año siguiente, con la colaboración vocal de Dave Lambert, cantó y grabó "Sometimes I'm Happy" y "This Is Always", basadas respectivamente en las versiones instrumentales de Lester Young y Charlie Parker. Inmediatamente después vino, "Parker's Mood" una versión cantada del extraordinario tema de "Bird", cuya letra irritaba sobremanera al saxofonista de Kansas City. En la cima de la popularidad, King Pleasure, se retira misteriosamente durante dos años sin que nadie sepa nada de el. Reaparece de la misma inesperada forma en el otoño de 1956 grabando varios discos sencillos para las casas Aladdin y Jubilee.

Después de grabar otros tres discos mas en un periodo de diez años (1952-1962), desaparece de la escena definitivamente, entregado por completo a su pasión fuera de la música: La astronomía. Jamás actuó en ningún club de jazz, nunca supo capitalizar el éxito de sus discos y se retiró a su residencia de California, donde siempre rechazó cualquier contacto con la critica, la prensa y la publicidad. King Pleasure, dejó su influencia en cantantes postreros que siguieron el camino que el inició. De manera directa o indirecta, Jon Hendricks, Annie Ross, Bob Dorough, Mark Murphy, AL Jarreau, Lou Lanza o el grupo The Manhattan Transfer, han bebido de sus fuentes musicales.

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