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VANESSA RUBIN


Bajo la influencia de Carmen McRae, se encuentran muchas jóvenes y prometedoras cantantes de jazz, y sin duda, la mejor de ellas en la actualidad es Vanessa Rubin (Cleveland, Ohio) propietaria de una voz y titular de una discografía -al menos por el momento- absolutamente irreprochables.

En Cleveland inició sus estudios de periodismo que abandonó para dedicarse a la música. En 1982, muy joven, se desplazó a New York donde tomó clases de piano y composición con el pianista Barry Harris y Frank Foster. Empezó a trabajar con músicos locales y durante algún tiempo aprovecho su presencia en las orquestas de Lionel Hampton y Mercer Ellington para madurar un estilo que se intuía ya como extraordinario. Con aquella experiencia orquestal se lanza a grabar su primer disco "Soul Eyes" (Novus, 1991) un éxito extraordinario producido por Onaje Allan Gumbs, y donde ya se disfruta, no solo de la belleza de un timbre carnoso, sino la amplitud vocal y la homogeneidad en el tratamiento de las canciones

Su segundo disco: "Pastiche" (Novus, 1993), es hasta el momento su disco mas conseguido. En él inicia su colaboración con el trompetista Cecil Bridgewater y el pianista Aaron Graves, que también actúa como arreglista. La versión, nada sentimental, de "In a Sentimental Mood" es una maravilla y su repertorio posee ya una inhabitual personalidad para alguien que estaba empezando. En su tercer disco, zanja una deuda pendiente con su, homenaje vocal a Carmen McRae "Im Glad There is You" (Novus, 1994) la confirma como una extraordinaria cantante. En 1997, sale de gira por Europa y llega a España por primera vez. Actúa en el Festival de jazz de la provincia de Sevilla y allí en Valencia de la Concepción, un pueblo del Aljarafe sevillano, Vanessa Rubin realiza un concierto extraordinario del que afortunadamente apoloybaco, pudo estar presente.

Vanessa Rubín, tiene firmado en la actualidad un contrato para el exquisito sello "Telarc" y continua ofreciendo un repertorio jazzistico extraordinario, oscurecida eso si, por el boato, la fama y la publicidad de una contemporánea suya: Diane Krall.

GONZALO RUBALCABA


Gonzalo Rubalcaba (La Habana, 1963), es uno de los grande músicos cubanos de jazz. Pianista versátil, instrumentista hábil y elegante, Rubalcaba es una de las grandes figuras contemporáneas emergentes representativas del jazz afro cubano.

Estudió música en el conservatorio de su ciudad natal desde 1971 a 1983 y ya en los años ochenta salió de gira por Europa y algunos países africanos dentro de la Orquesta Aragón, una de las mas importantes del país. Su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando el contrabajista, Charlie Haden, que ya lo había escuchado con anterioridad en Cuba, lo llamó para que se incorporara a su grupo. Con Haden, Gonzalo Rubalcaba, debutó en el Festival de jazz de Cuba en 1986 y posteriormente en el Festival de Jazz de Montreux en 1990. Grabada en disco aquel debut, "Discovery" supuso el espaldarazo definitivo para Rubalcaba. Su perfecto conocimiento del trío de jazz quedo de manifiesto y critica y publico vieron en el a uno de los grandes pianistas del jazz contemporáneo.

En 1987 graba su primer disco a su nombre para el sello "Messidor" titulado "Mi gran pasión" un autentico éxito de critica y publico. El disco le abre las puertas del sello "Blue Note" con quien firma un contrato que le permite grabar su primer disco en 1990 en directo desde el Festival de Montreux, donde volvió en trío junto a Paul Motian a la batería y Charlie Haden al contrabajo. Con una sólida educación musical y un gran talento, Gonzalo Rubalcaba, produce en 1999, su disco "Inner Voyage" (Blue Note), posiblemente el disco de Jazz más importante de su amplia discografía. En su repertorio encontramos estándares clásicos del jazz, como "Caravan", donde demuestra el dominio de la estética formalista y las acariciadas influencias de la música de su origen, la cubana, creando una versión llena de Jazz tradicional y el sentimiento de música Afroantillana aprovechada al máximo por sus conocimientos de la materia e instrucción académica.

El éxito de ese disco, hizo posible que Rubalcaba fuera elegido ese mismo año por la prestigiosa revista "Piano & Keyboard" entre los sesenta pianistas mas importantes del Siglo XX, compartiendo ese honor con Duke Ellington, entre otros. Actualmente Gonzalo Rubalcaba, reside en Florida y su actividad musical es además de intensa, extraordinariamente buena. Recientemente ha sacado junto a su amigo, Charlie Haden, un disco de boleros titulado "Nocturne" que al margen de purismos formales, sobre si la música es jazz o no, es una delicia escuchar.

JIMMY ROWLES


Jimmy Rowles, (Spokane, 1918) estudió canto y piano por su cuenta y debutó con el saxofonista tenor Ben Webster, a principios de los años cuarenta. En ésa década también tocó con los hermanos Gaillard (Slim & Slam), con Lester Young, y con la cantante, Billie Holiday, algo que muy pocos pianista de jazz han conseguido.

En 1942 trabajó durante cinco meses con la orquesta de Benny Goodman, pasando después a la de Woody Herman, con la que estuvo hasta 1943, cuando fue movilizado por el Ejercito Americano. Licenciado en 1946, volvió con Herman y al año siguiente estuvo con Les Brown, Tommy Dorsey, Benny Goodman y Butch Stone, todos ellos excelentes directores de bigband. En los cincuenta estuvo durante cuatro años participando en programas radiofónicos y televisivos, entre ellos en el show de Bing Crosby. Pasada aquella etapa, se marcha California para trabajar con la cantante Peggy Lee, con Stan Getz, Chet Baker, Benny Carter y Zoot Sims, aunque su mayor éxito fue la de acompañante al piano de la gran cantante, Carmen McRae con quien grabó varios álbumes memorables.

A finales de los cincuenta formó su propio trío para actuar en varios clubes de jazz y también para grabar varias sesiones de grabación en estudio junto a: Barney Kessel, Bob Brookmeyer, Buddy de Franco y otros instrumentistas de categoría. Sus discos se vendían con facilidad y es muy destacable el grabado con Stan Getz al saxo tenor titulado: "The Peacocks" (Columbia, 1977) y el grabado en homenaje a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn, titulado: "Plays Ellington and Billy Strayhorn" (Columbia, 1981).

Pianista inspirado e influenciado por Art Tatum, Jimmy Rowles, es uno de los grandes pianista del jazz y su contribución a los grandes discos de Billie Holiday, de Carmen McRae o de Peggy Lee, son incuestionables y decisivas.

CHARLIE ROUSE


Después de cursar estudios musicales en la Howard University debutó como saxofonista en 1944 con la orquesta de Billy Eckstine, y posteriormente colaboraría con las formaciones de Duke Ellington y Dizzy Gillespie entre otros. Cuando abandonó la orquesta de Ellington en 1950, se comprometió en tocar junto a Oscar Petifford, Clifford Brown y Fats Navarro. Tras un efímero paso por el octeto de Count Basie en 1950, grabó algunas sesiones de grabación con Clifford Brown en 1953 y en 1956, junto al trompetista francés, Julius Watkins formó el grupo: "Les Jazz Modes" y en esa misma epoca grabó con Art Farmer y Joe Gordon.

En 1959 inició su etapa jazzistica mas interesante cuando se enroló en la formación del pianista, Thelonious Monk, con quien permaneció en su cuarteto hasta prácticamente la retirada de éste del circuito jazzistico en 1970. Saxofonista predilecto de Monk, Charlie Rouse se ganó el prestigio de sus compañeros de profesión alcanzando una espléndida madurez artística. Tras la retirada de Monk del escenario actuó durante algunos años como sideman acompañante de otros grandes músicos en la zona de Chicago, Washington y Detroit. En 1975 formo el grupo Sphere (en homenaje a Monk) y con el recorrió durante los años ochenta clubes, festivales y actuaciones en medio mundo. Antes de fallecer participó con gran brillantez en el álbum que la cantante Carmen McRae, dedico al genial pianista.

ANNIE ROSS


Nacida en Inglaterra pero trasladada junto con su familia a los Estados Unidos con solo tres años, la cantante, Annie Ross (Mitcham, 1930), estudió pronto música y con solo dieciocho años apareció con la gran Judy Garland, en una comedia de éxito. Después de algún tiempo a caballo entre Europa y América, Annie Ross, tuvo la oportunidad de aprender interpretación, revista, teatro y por supuesto perfeccionar su sentido natural para el canto. Acompañó a Lionel Hampton y su grupo en una gira por Europa en 1951 y al año siguiente grabó una peculiar versión de "Twisted" en la que supo copiar con su voz el famoso solo de Wardel Gray con su saxo tenor.

Tras ese éxito, saltó a la fama del jazz y pasó a la historia cuando formó junto a Dave Lambert y John Hendricks, el famoso trío vocal que aun hoy permanece como el mejor exponente del vocalese, una forma originalisima de cantar basada precisamente en la fiel reproducción de frases instrumentales con el apoyo de textos poéticos. Con el trío conocido internacionalmente como "Lambert, Hendricks y Ross", Annie Ross, participó en conciertos, festivales, eventos musicales y actuaciones por todo el mundo grabando discos tan importantes como "Sing a Song of Basie" (Impulse, 1957). Al año siguiente graba para World Pacific, lo que está considerado como su mejor trabajo con el cuarteto sin piano de Gerry Mulligan y en dos sesiones diferentes que contaban con Chet Baker y Art Farmer a la trompeta en cada una de ellas. "Annie Ross sings a song with Mulligan" que así se titulaba el disco, fue una prueba de fuego pasada extraordinariamente por una cantante que tenia una tesitura de voz extraordinariamente amplia en el agudo.

En 1959 graba "A Gasser" para el sello Capitol, pero su acompañante, en esa ocasión, el saxofonista tenor, Zoot Sims, le superó. Annie Ross, se retiro del trío formado con Lambert y Hendricks por motivos de salud en 1962 y se estableció en su país natal, Inglaterra, donde abrió un club de jazz durante un breve periodo de tiempo. Volvió al teatro y reanudó su carrera cinematográfica, pero su aguda voz ya estaba resentida para el jazz.

SANTY ROQUE


El guitarrista Santy Roque se cría desde pequeño entre guitarras laúdes y timples y su padre se convierte en su primer maestro hasta que en 1963 comienza su andadura profesional con el grupo: Los Improvisados, formado por su padre y hermanos. En 1965 ingresa en el Real Conservatorio de las Palmas de Gran Canaria para completar sus estudios de música, incluyendo piano, guitarra, flauta, coral, canto y armonía clásica. Pronto empieza a cosechar sus primeros éxitos consiguiendo algunos premios importantes como el recibido en 1967 al mejor timplista joven de la Peña Majorera.

En 1973 consigue su primera guitarra eléctrica y empieza a conocer a los grandes guitarristas de la época como Joe Pass o Joao Gilberto. Influenciado por estos y otros músicos, comienza una carrera imparable tocando con muchas de las figuras del panorama Nacional e Internacional como: Héctor Costita, Lou Bennett, Wim Overgauw, Óscar Stagnaro, Chucho Valdés, Julio Barreto, Horacio Icasto, George Adams, David Sánchez, Perico Sambeat o Tito Duarte. Asimismo participa en Festivales Internacionales de Jazz, en grabaciones para programas de Jazz en TV, comparte escenarios junto a figuras de talla mundial como: Leo Sayer, Julio Iglesias o el grupo cubano Irakere. Su participación en el Festival de Jazz de Canarias es frecuente y en su haber tiene mas de 800 actuaciones, en los más prestigiosos escenarios musicales de Europa. A lo largo de estos últimos 20 años muchas de sus composiciones están aun sin ver la luz, no es menos cierto que muchas de sus composiciones están siendo tocadas en diferentes lugares del planeta.

LEON ROPPOLO
CLARINETE

Nacido en una familia de músicos de origen siciliano, su padre y su primo eran clarinetistas, Leon Joseph Roppolo, aprendió pronto a tocar la guitarra y el clarinete, debutando a los quince años en algunas salas de fiestas de Lago Pontchartrain con Georg Brunis. Poco después, trabajo con el pianista, Eddie Shields en varios clubes de New Orleáns y a continuación se fue de gira con una compañía de vaudeville de la cantante y bailarina, Bea Palmer. En Davenport, terminada la gira, lo contrataron para uno de aquellos barcos de vapor que cruzaban el Mississippi con la orquesta de Carlisle Evans.

En Chicago formó la "Friars' Inn Society Orchestra", poco después conocida como "New Orleáns Rhythm Kings" en 1921. A finales de 1923 se trasladó a New York contratado por la orquesta de Al Siegal que actuaba en el "Mills Caprice" del Greenwich Village. Trasladado a Texas, entró a formar parte del grupo del pianista, Pete Kelly en 1924. Cuando se encontraba en Minnesota de nuevo con el grupo de Carlisle Evans, cayó enfermo, pero no le impidió tocar de nuevo en New Orleáns con una nueva formación de los "New Orleáns Rhythm King" dirigidos entonces (1925) por Paul Mares. Afectado por una fuerte depresión nerviosa, tuvo que abandonar la música para pasar una larga temporada en un sanatorio psiquiátrico. Aunque fue fugazmente dado de alta, recayó y tras varios intentos fallidos por volver a su profesión, murió en un manicomio de Louisiana, tres años después.

Leon Roppolo, fue uno de los mejores clarinetistas de la primera época del jazz, y tuvo la virtud de crear una de las mejores bandas de jazz de su tiempo. Fue con la New Orleáns Rhythm King, cuando se inauguraron las primeras grabaciones interraciales del jazz con la incorporación ocasional de Jelly Roll Morton. En Leon Roppolo, se inspiraron, en mayor o menor medida, casi todos los clarinetistas blancos del jazz. Desde Nick Vitalo a Fud Liwingston, de Benny Goodman a Jimmy Dorsey.

WALLACE RONEY
TROMPETA

Wallace Roney (Philadelphia, 1960) saltó a los escenarios al mismo tiempo que su contemporáneo, Wynton Marsalis, y sus comienzos fueron de la mano del gran Sonny Stitt. Trabajó con los "Jazz Messengers" y su progresión fue tal que pronto fue considerado uno de los grandes trompetistas del jazz actual.

A lo largo de varios años, trabajó con el quinteto del batería, Tony Williams y participó en una sesión homenaje a Miles Davis en 1992. En su papel interpretando a Miles Davis, Wallace Roney, consiguió una gran aceptación de la critica cuando recreó el ambiente de su popular quinteto. Fue justo su participación con el trompetista de Alton, en el Festival de Jazz de Montreux, lo que hizo que saltara a la fama. El disco testigo de aquel hecho, se titula: "Miles Davis and Quincy Jones at Montreux" (Warner Bross, 1991).

En su todavía corta carrera discográfica, Wallace Roney, ha grabado mas de una docena de álbumes para los sellos: "Muse", "Warner" y últimamente con "Concord Jazz" con quien grabó en el año 2000 un excelente registro titulado: "No Room for Argument"

SONNY ROLLINS
SAXOFÓN TENOR

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.

Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio.

Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.

Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).

Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.

ADRIAN ROLLINI
SAXOFÓN BAJO

Adrian Rollini, (1904-1956), fue un músico de excepcional precocidad y talento, pues ya a los cuatro años actuaba en publico como pianista de obras de Chopin y a los catorce dirigía su primera orquesta. A principios de los años veinte entró a formar parte de los "California Ramblers" que necesitaban un saxo bajo, instrumento que aprendió a tocar en solo un mes y que introdujo y adoptó en el jazz.

En 1927 viajo por primera vez a Europa y en Inglaterra estuvo con la formación de Fred Elizalde hasta 1929. De vuelta a New York, se unió a la orquesta de Bert Lown donde estuvo un periodo de seis años, entre 1927 y 1933. Dejó el saxo bajo y empezó a tocar en sus actuaciones el vibráfono. En 1935, formó un trío para actuar en el Hotel President de New York, al que denomino "Adrian's Tap Room" y donde tocaba el vibráfono, el piano y la batería. Durante los años cuarenta se dedicó a actuar en pequeños grupos y en locales igualmente pequeños, y fue en 1950 cuando se trasladó a Florida contratado por el "Driffwood Lodge", un club local. En Florida incrementó su actividad musical, tocando en varios clubes de Miami o en Hoteles como el "Eden Rock Hotel".

Este fue su ultimo contrato ya que falleció el 15 de mayo de 1956 a causa de una afección hepática con complicaciones pulmonares. Adrian Rollini, tiene en el jazz un sitio de honor por haber sido, además de un instrumentista excelentemente versátil, -llegó a tocar determinados instrumentos creados por el mismo- el músico que introdujo el saxo bajo al jazz y adoptarlo como su primer instrumento.

JERRY ROLL MORTON
PIANO

En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe.

Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.

En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.

Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

SHORTY ROGERS TROMPETA


Después de estudiar música, el trompetista y arreglista, Shorty Rogers (1924-1994), se especializó en composición y arreglos en el Conservatorio de Los Ángeles y debuto en 1942 en la orquesta de Will Bradley. Antes de ser llamado a filas en el ejercito americano, tocó durante todo un año en el grupo de Red Norvo. Entre 1945 y 1951 colaboró como arreglista e instrumentista, en la orquesta de Woody Herman y después de grabar algunos temas compuestos por él, se trasladó a California tocando sucesivamente con Butch Stone y Charlie Barnet.

En 1950, con una bien ganada reputación entre los músicos de la Costa Oeste americana, entró a formar parte de la orquesta de Stan Kenton, donde estuvo durante un año y medio como músico de sección y también como arreglista. Sus trabajaos para la orquesta de Stan Kenton , le dio tal prestigio, que fue el arreglista mas solicitado en el mundo del jazz en aquella zona. A lo largo de su carrera colaboró con con casi todos los músicos de jazz de California y es mas brillante en la composición y en los arreglos que como instrumentista. Su carrera discográfica para los sellos, RCA, y Atlantic, principalmente, está jalonada de grandes éxitos, siendo sus álbumes todos parejos en calidad.

De entre sus discos clásicos destaca el titulado: "Cool and Crazy" (RCA, 1953) al estilo del sonido apuntado por Maynard Ferguson. Shorty Rogers, murió en el invierno de 1994.

TOMMY RODRÍGUEZ


El saxofonista tenor Tommy Rodríguez aprendió clarinete a los 13 años de edad y se inició tocándolo con las grupos musicales locales de marimba. Asimismo, descubrió la música norteamericana y cubana, escuchando las estaciones de radio locales de Tampico, que retransmitían la música de las Grandes Bandas y los shows de radio de La Habana. Un año después recibió una beca de las comunidades locales (ciudades de Poza Rica y Papantla en Veracruz) para estudiar en la Escuela Libre de Música en la Ciudad de México. Se convierte en profesional a la edad de 15 años, tocando saxofón alto con orquestas en Xochimilco, donde conoce a Cuco Valtierra quien lo influenció para cambiar al saxofón tenor. Tres años después ya estaba tocando en el Cabaret Bremen en la Ciudad de México.

En 1951, después de un breve retorno a Veracruz, donde tocó principalmente con la Orquesta de Armando López, Rodríguez regresa a la Ciudad de México y fue contratado por la Orquesta de Ismael Díaz. En la banda conoce al trompetista César Molina, de quienes se convirtió en amigo inseparable. Durante el mismo período, Rodríguez ya es ejecutante y solista con las grandes Orquestas de Pablo Beltrán Ruíz y Everett Hogland. Un par de años después, trabajando en clubes nocturnos en Ciudad Juárez y en El Paso, Texas, tuvo la oportunidad de conocer a Dizzy Gillespie, Ray Brown, Charlie Parker, Lester Young e Illinois Jacquet, quienes junto a Chuck Berry y Ben Webster, se convirtieron en una enorme influencia en su vida y en su música. De regreso en la Ciudad de México en 1955, Tommy Rodríguez se unió a la Gran Orquesta de Luis Arcaraz, y la banda fue nominada por la revista norteamericana "Down Beat" como una de las cuatro mejores del mundo. Entre los músicos de esta orquesta estaban Tino Contreras, Héctor Hallal, Mario Patrón y el bajista Víctor Ruíz Passos.

Un significativo paso en la carrera de Tommy fue la grabación, en 1954, de los álbumes: "Jazz en México". Los tres volúmenes son parte de los mejores álbumes de jazz grabados en México en todos los tiempos. El jazz estaba en su cúspide en México, cuando Tommy y fundaron el 16 de diciembre de 1956, el famoso Jazz Bar, que rápidamente se convirtió en el lugar favorito para escritores, políticos, músicos y fanáticos del jazz. Louis Armstrong visitó México en varias ocasiones al final de los años cincuenta y acostumbraba presentarse en el Club Social Ritz en el centro de la Ciudad de México. José "Pepe" León, el dueño del lugar , le presentó a Tommy Rodríguez, Mario Patrón y Víctor Ruíz Passos. Tommy desarrolló una buena amistad con Armstrong, visitando juntos varios lugares y participando en jam sessions, pero lamentablemente ninguna de estas sesiones fue nunca grabada.

A principios de 1957, el compositor y arreglista cubano Arturo "Chico" O'Farrill, se afincó en México y estableció una estrecha amistad con Tommy, hasta el punto de que éste le ayudó a seleccionar músicos para formar una big band. En ella, Tommy fue durante muchos años su primer saxofonista y participó en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en los conciertos celebrados en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica mexicana. Tommy Rodríguez es también conocido por su trabajo en los estudios de grabación como solista; entre los años cincuenta, sesenta y setenta, estrellas internacionales como Benny Moré, Libertad Lamarque, The Carpenters, Tom Jones, Diana Ross, Barry White, Ray Conniff, Sammy Davis Jr. o The Jackson Five, siempre buscaron a Tommy cuando hacían giras en México.

En 1977, Tommy Rodríguez fundó el "Sax Sexteto de Cámara" un original proyecto integrado por dos tenores, dos altos, un barítono y un barítono bajo; la banda ejecutaba composiciones de música clásica y estándares del jazz como "Lover Man" ó "A Night in Tunisia". La orquesta se disolvió en 1983 sin haber efectuado grabaciones. En los años ochenta, Tommy Rodríguez participó en dos importantes grabaciones como arreglista y solista: "Jazz Mariachi" y "La Sinfonía del Quinto Sol", ambos álbumes con Tino Contreras. El primero era una tentativa de fusionar una sección rítmica de jazz con un mariachi completo, mientras que el segundo, una idea de la pintora Estrella Newman, era un tributo a las tradiciones de los aztecas. Durante más de 25 años, Tommy grabó música para varias películas en colaboración con varios compositores, como Sergio Guerrero, Rubén Fuentes, Manuel Esperón y Raúl Lavista, entre otros.

Además de sus contribuciones a la Historia del Jazz en México, y de su aporte al desarrollo de las grandes Orquestas durante su época dorada en su país, Tommy Rodríguez deja un legado sonoro permanente en su amplísima discografía, en su participación en el cine, en el teatro y en la televisión mexicana. Su creatividad sigue intacta como lo demuestra que a sus 74 años, actué todos los fines de semana al frente de su súper banda, un cuarteto, en el Restaurante Bar New Orleáns de la capital mexicana.

TITO RODRÍGUEZ


El reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, Tito Rodríguez, ya tocaba maracas con 16 años, y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johny quien se había mudado allí en 1935. El primer trabajo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista se alistó en el Ejército de los Estados Unidos.

En 1946 el pianista y compositor cubano Curbelo reclutó a Rodríguez y a Tito Puente para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido del mambo en Nueva York. En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdes. Después dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, llamado los "Mambo Devils" en 1948. En 1949 firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada. En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello: "Live at the Palladium" fue un éxito magnífico.

En 1963 él lanzó el disco de jazz latino: "Live at Birdland" que incluyó a los músicos de jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohn y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un éxito extraordinario con su álbum : "From Tito Rodríguez with Love" en el cuál, Israel "Cachao" López, como acompañante dio una lección maestra al contrabajo. Malos contratos de negocios y el constante choque con sus músicos lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Sintiéndose rechazado por su propia gente, Tito Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. Rodríguez demostró los primeros signos de su enfermedad en 1967 al hacer uno de su últimos programas de televisión. La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Garden de New York el 2 de febrero de 1973. Poco despues la leucemia le quitó la vida.

RED RODNEY


El trompetista, Red Rodney, pasó a la historia del jazz cuando se unió en 1949 al quinteto de Charlie Parker. Estudió música en Mastbaum, y a los quince años empezó a tocar profesionalmente pasando por varias orquestas como las de Jimmy Dorsey, Tony Pastor, Les Brown, Claude Thornill y Gene Krupa. En 1948, entró en la formación de Woody Herman con quien grabó "The Crickets" y More Mon".

En 1949, Charlie Parker, lo llamó para que sustituyera en su quinteto a Kenny Dorham y durante mas de un año, Red Rodney, vivió junto a Parker la eclosión del bebop actuando en infinidad de locales y clubes. Con Parker, inauguró el "Birdland" y también realizó giras por el Sur de los Estados Unidos y Europa. Sus problemas con las drogas le apartaron de la actividad musical y fue ingresado en un Hospital de Lexington. Reaparece con fuerza y se une a los grupos de Charlie Ventura, de Oscar Pettiford, y mas tarde con el de Stan Kenton. Durante algunos años estuvo en pequeños grupos locales y en algún que otro programa televisivo como el dirigido por Sammy Davis, Jr.

En los sesenta, y tras alguna veleidad con la música pop, se enroló en la orquesta de Count Basie (1964-1965) y tras otro paréntesis forzado por su salud, organizó en la compañia de George Wein, un espectáculo musical titulado: "Musical Life of Charlie Parker" que recorrió el viejo continente entre 1974 y 1975. Su participación, tanto como músico como actor en la película homenaje a Charlie Parker, dirigida por Clint Eastwood (Bird, 1988) fue uno de sus ultimas apariciones.

BETTY ROCHE


Criada en Atlanta City y trasladada a New York en 1939, la cantante Betty Roche, perteneció entre 1941 y 1942 al grupo los "Savoy Sultans". En una de sus actuaciones la oyó cantar Duke Ellington, y Betty Roche se convirtió en 1943 en la primera mujer cantante que interpretó la parte del Blues en la suite Black, Brown and Beige, durante un concierto en el Carnegie Hall en 1944. Ocupó en la banda de Ellington el lugar dejado por otra magnifica cantante ellingtoniana: Ivie Anderson.

Su excelente interpretación en la banda de Ellington y su repercusión publica posterior al concierto, le permitió granjearse la estima de la critica especializada que siempre la consideró como una de las mejores cantantes que tuvo la gran orquesta de Ellington. Tras su paso por la banda del "Duke", Betty Roche empezó a trabajar en solitario, y al año siguiente grabó una versión del tema "Trouble Trouble" para la serie "V-Disc" la marca discográfica que la compañía RCA-Victor sacó especialmente para divertimento de la tropa americana desplazada en Europa con motivo de la II Guerra Mundial. Una vez terminada la contienda y pasada la depresión económica, Betty Roche colaboró a lo largo de la década de los cincuenta con la orquesta del pianista, Earl Hines, con quien llego a grabar algunos álbumes de gran interés, entre ellos: "I Love My Lovin' Lover".

Tras un breve paso por la orquesta de Earl Hines, volvió a colaborar con Ellington en 1952 durante todo el año y a partir de mediados de los años cincuenta desapareció de la escena musical. Ya solo reaparecía fugazmente para acompañar a Mel Tormé en alguna ocasión. En esa nueva etapa, grabó con Ellington el disco: Ellington Uptown para Columbia en 1953. Su lugar en la orquesta de Ellington, fue ocupado por la cantante Joya Sherrill. Sólo grabó a su nombre cuatro álbumes, siendo el ultimo de ellos, el realizado en 1961 un disco con el contrabajista, Wendel Marschall para el sello Prestige, siendo ésta su ultima visita a los estudios de grabación.

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