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DONALD BYRD

Formado en sus inicios musicales en diversos grupos de Rhythm and Blues, el trompetista, Donald Byrd, comenzó su carrera profesional junto al extraordinario saxofonista, Jackie McLean y posteriormente en 1955 sucedió a Kenny Dorham, en el seno de los maravillosos "Jazz Messenguers" del batería, Art Blakey.

Consagrado como un brillante instrumentista, colaboró a partir de entonces con numerosos y estupendos músicos, entre los que cabe citar a: Art Taylor, Lou Donaldson, Sonny Rollins, Lionel Hampton o el mismísimo, John Coltrane. Con este curriculum, era evidente que no pasaría mucho tiempo antes de que decidiera independizarse musicalmente hablando y formara su propio grupo

Antes, en 1966, tras doctorarse en música, y dada su experiencia, pasó a presidir el Departamento de música negra de la Universidad de Howard, en Washington. Uno de su álbumes mas exitosos de venta y su primer gran éxito acogido no obstante con frialdad en los cenáculos jazzisticos por sus galanteos con el soul y el pop - fue el titulado: "Black Byrd" para el sello, Blue Note.

DON BYAS

A pesar de su incuestionable importancia histórica, Don Byas (Muskogee-Oklahoma) no es un hombre que ocupe grandes espacios en las enciclopedias del jazz. Su exilio voluntario a Europa, donde pasó gran parte de su vida y de su carrera musical, y también ese encasillamiento al jazz clásico que algunos le achacaban, fuese el motivo de que no se le reconozcan sus meritos.

Este alumno del gran Coleman Hawkins, pero lo suficientemente creativo para adornar su música con ribetes parkerianos, tenía una técnica depurada muy cercana a los mejores instrumentistas del bebop. Nacido de madre española experimentó sus primeras sensaciones jazzisticas como miembro de la orquesta de Bennie Motten y Walter Page, dos nombres ligados de diferentes maneras a Count Basie en cuya orquesta, Byas alcanzaría el grado de solista mas adelante. En 1930, fundó su primer grupo, "Don Carlos And his Collegian Ramblers" activo hasta 1933 cuando el saxofonista se traslada a California. Allí tuvo un paso efímero pero productivo en la bigband de Lionel Hampton (1935), en la de Eddie Barefield y en la de Buck Clayton (1936).

Se traslada a New York y en un par de años, se encontraba sustituyendo al genial Lester Young, en la orquesta de Count Basie. Con Basie estuvo dos años y algo cansado de las grandes orquestas, dio un giro radical a su carrera artística y se dispuso a participar en la frenética actividad jazzistica que se desarrollaba en la calle 52 de Harlem. Los clubes de la calle 52, vieron pasar por su escenario a este magnifico saxofonista tenor y Don Byas, tuvo el honor de participar en la primera sesión discográfica del bebop, el 16 de febrero de 1944. Grabó una versión, hasta hoy nunca superada del inmortal tema de David Raksin: "Laura".

En 1946, se embarca con la orquesta de Don Redman, rumbo a Europa, la primera gira que realizaba una orquesta de jazz al viejo continente después de la II Guerra Mundial. Fijó su residencia en Paris para el resto de sus días y desde el viejo continente participó en numerosos proyectos musicales cuando alguien de los EE.UU. aparecía por Paris. Alentó la creatividad musical del pianista, Tete Montoliu, con quien grabó un magnifico disco junto al maestro, Ben Webster, grabó en Barcelona con músicos y orquestas locales y cuando el cáncer acechó, falleció en Ámsterdam el 24 de agosto de 1972.

JAKI BYARD

Jaki Byard, nació en el seno de una familia de músicos y comenzó a estudiar piano y trompeta cuando era niño. Profesionalmente comenzó su trabajo a mediados de los años treinta con una banda de su ciudad natal en Worcester. Después de la guerra se paso al piano con el grupo de Earl Bostic. Como miembro del grupo de Herb Pomeroy tocaba no obstante el saxofón. Se trasladó a Boston para formar parte de la bigband de Maynard Ferguson en 1959 y su talento no tardó en ser apreciado en New York, donde trabajó en los grupos de Mingus y Dolphy, donde alcanzó gran popularidad con sus disco, para Candid, el sello habitual del genial contrabajista, antes de formar el suyo propio.

La gran diversidad de estilos y la prolífica música grabada con distintas formaciones, hicieron de este magnifico pianista, un músico original y su calidad y fama como compositor no hizo mas que acrecentar. Después de una tumultuosa gira con su propio grupo llamado: "The Jaki Byard Experience" - del que formaba parte el multiinstrumentista, Roland Kirk - Jaki Byard, volvió a las aulas a enseñar música como profesor del "New England Conservatory" desde finales de los sesenta hasta mediados de los años ochenta. Posteriormente a esa experiencia educativa, enseño música en la "Manhattan Shool of Music" y en la "New Shool of Music" de New York. Ambas instituciones, formaban bandas de estudiantes capaces de actuar profesionalmente en Boston y New York.

GARY BURTON

El vibrafonista, Gary Burton, nació en Anderson (Indiana) y llegó a la escena del jazz a los diecisiete años en medio de una gran campaña de publicidad promovida por las compañías discográficas. Vendido como el sucesor de Milt Jackson, tuvo que esperar unos años a que su música se consolidara para que la critica y el publico se convenciera de que no estábamos ante un montaje publicitario.

Estudió música en el famoso y privilegiado "Berklee College of Music" de Boston y nuestro vibrafonista evolucionó hacia el jazz de la mano del pianista y compositor, George Shearing y posteriormente entre 1964 y 1966 con el saxofonista, Stan Getz. Ya incluso, antes de lanzarse a su carrera en solitario, su estilo era poco dado a seguir líneas ya exploradas por otros músicos. Su abandono de la formación de Stan Getz, le permitió crear un cuarteto que constituyó un primer intento de fusionar el jazz y el rock. Para ello contó con la colaboración del guitarrista, Larry Coryell, el contrabajista, Steve Swallow, mas el compositor y amigo personal de Burton, Mike Gibbs.

En los setenta, la carrera de Gary Burton, se volvió mas pausada aunque tuvo un notable éxito con otro cuarteto en el que la figura estelar era, Mike Goodrick. Grabó un par de magníficos conciertos a dúo con Chick Corea y con el guitarrista, Ralph Towner y en aquellos años, concretamente en 1971, grabó un excepcional disco con el pianista, Keith Jarret para el sello Atlantic, que constituyó lo que hasta ahora es su obra cumbre.

KENNY BURRELL

Kenneth Earl Burrell, nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Pronto empezó a tocar semiprofesionalmente con orquestas locales y estudiaba las composiciones de sus ídolos, Charlie Christian y Django Reinhardt.

En 1951, le llega el primer contrato serio de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la "Wayne University" donde termina graduándose en 1955 con un diploma de "Bachelor of Music".

Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los "Jazz Prophets" de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note.

Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note. Ya consolidado, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época. En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: "Guitar Forms". Abre un local de jazz al que bautizó como: "The Guitar" y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad.

MILT BUCKNER

El pianista y organista, Milt Buckner, quizás sea una de las figuras del jazz mas injustamente olvidadas y relegadas en el tristemente famoso panteón de los olvidos del jazz. Al piano o al órgano, su música poseía una frescura, una originalidad y un swing difícilmente superables. Creador del estilo llamado "bloque chords" (acordes en bloque), que fue posteriormente imitado hasta la saciedad por todos los organistas que vinieron tras de él, en sus manos, el instrumento se convertía en una autentica orquesta y en una inagotable fuente del mejor swing.

Milt Buckner, no posee en su abundantisima discografía (ver web recomendada), ni un solo tema, ni un solo álbum, en el que el swing no impere de manera absoluta y prodigiosa. Oírle interpretar su famosísimo: "Hamp's Boogie Woogie", dedicado a Lionel Hampton, constituye una experiencia inolvidable. Fue precisamente junto a la orquesta del extraordinario vibrafonista, donde alcanzó momentos memorables en la historia del jazz. Sus álbumes con el baterista Jo Jones, o con el saxofonista, Illinois Jacquet, constituyen auténticos momentos mágicos en la historia de esta música.

DAVE BRUBECK

Dave Brubeck, nació en el seno de una familia burguesa y muy religiosa. Su madre era pianista, sus dos hermanos mayores estudiaban música clásica y el joven David, estudiaba piano y violonchelo desde los nueve años. Profundiza sus estudios de piano, teoría y composición en el "College of Pacific" tras renunciar a sus estudios de veterinario. El ejercito lo envía en 1944 a combatir con las fuerzas aliadas en Francia y tras el armisticio, dirigió una pequeña orquesta militar. Cuando vuelve a EE.UU. estudia con el prestigioso compositor francés, Darius Milhaud y organiza un octeto experimental con otros alumnos del maestro francés.

Ídolo manifiesto de Duke Ellington - su música hizo que Brubeck abandonara los terrenos de la música clásica por el jazz - soportó al principio de su carrera, criticas durísimas sobre su forma de tocar, sobre su música y sobre su calidad como pianista. Con la perspectiva histórica que da el tiempo, se le reconoce el haber intentado, y en cierto modo logrado, una fusión entre elementos de la música europea y el jazz, sobre todo en su faceta de compositor.

En 1951, crea su famoso cuarteto con el saxofonista alto, Paul Desmond, desde donde se lanza a dar conciertos por colegios y universidades hasta que en 1954, la prestigiosa revista "Time", le dedica su portada. Cuando en 1956, se incorpora al cuarteto el excelente batería, Joe Morello y el no menos magnifico contrabajista, Gene Wright en 1958, el cuarteto se refuerza sensiblemente ganando en calidad y eso hace que Brubeck y Desmond, empiecen a ser conocido fuera de los Estado Unidos realizando giras por los cinco continentes con el patrocinio del Departamento de Estado americano,

El éxito de masas y publico, le llega en 1959 cuando graba la extraordinaria composición creada por Paul Desmond, "Take Five". El éxito de aquel disco grabado para Columbia, titulado "Time Out" produjo records de venta y de audiencia que se prolongó Practicamente hasta la marcha de Desmond del cuarteto, hecho que ocurrió en 1967. Desde entonces, un par de felices reencuentros con Desmond y un pianista que todavía hoy a sus mas de ochenta años, se le recuerda con simpatía.

RAY BROWN

Estrechamente asociado a su antiguo jefe, el pianista Oscar Peterson, el magnifico contrabajista, Ray Brown tiene no obstante tras de sí una espléndida y excepcional carrera como músico de jazz. Aprendió a tocar el contrabajo en su adolescencia antes de trasladarse desde Pittsburgh, su ciudad natal, hasta New York en 1945. Ese mismo año, se unió a la banda de uno de los fundadores del bebop, el espectacular maestro de la trompeta, Dizzy Gillespie, con el que estuvo dos años.

Formó su propio trío y obtuvo un enorme éxito acompañando a la gran cantante de jazz, Ella Fitzgerald, con quien terminó casándose en 1948. Apenas cuatro años mas tarde el matrimonio se disolvió y Ray Brown entró a formar parte de uno de los combos de jazz, que mas solera ha dado a esta música: El grupo organizado en torno al pianista Oscar Peterson. También tuvo la oportunidad de pertenecer a uno de los grupos mas influyentes del jazz moderno como era el "Modern Jazz Quartet" dada su amistad con John Lewis y Milt Jackson, fundadores del mismo, pero eligió irse con Peterson y fue el contrabajista habitual de Oscar durante mas de quince años. Aquella relación duró hasta 1966 y Ray Brown se convirtió en el contrabajista mas popular del jazz.

Ya en los años setenta, tuvo la oportunidad de grabar un famoso álbum con Duke Ellington, en honor del fallecido, Jimmy Blanton titulado: "This One's for Blanton". En los últimos años de su vida grabó abundantemente para el sello Telarc con el pianista, Benny Green.

OSCAR BROWN JR

Su nombre no dirá mucho a una mayoría de aficionados al jazz. Sin embargo, en su país, Oscar Brown Jr. era una auténtica leyenda del espectáculo en
su faceta más jazzística. Considerado con frecuencia como el número uno entre los cantantes masculinos de jazz moderno, con permiso de Johnny Hartman y algún otro, también se ha dicho de él que fue uno de los precursores de la música rap, con su estilo característico a medio camino entre el canto y el recitado.
Además de intérprete jazzístico de gama amplia, Brown fue compositor y puso letra a numerosos temas instrumentales del jazz: Work song, Watermelon man,
The Entertainer o Dat Dere
, grabada por la cantante Rickie Lee Jones; también fue presentador de televisión en el programa: Jazz Scene USA, comentarista político en prensa y televisión, y actor y autor de teatro destacando en esta faceta, su obra "Big time Buck White", musical estrenado en Broadway con
Muhammad Ali en el papel protagonista. Su labor como activista en pro de los derechos civiles le llevó a la Universidad donde dictó numerosos cursos en torno a la cultura e historia afroamericanas.
Educado para ejercer el oficio de abogado, desde niño, Oscar Brown Jr. tuvo claro que lo suyo era la música. Tras desempeñar un número de empleos diversos, tuvo que esperar a cumplir con el servicio militar para ver cumplido su sueño de debutar como compositor de canciones. Su primera obra grabada, Brown Baby (1956), tuvo como intérprete a una cantante excepcional: la legendaria Mahalia Jackson.
En tiempos de la Black Revolution, Brown colaboró con el baterista Max Roach en una obra crucial del jazz más contestatario: We insist! Freedom now suite (1960).
Ese mismo año fichó con la multinacional Columbia. Su primer álbum para el sello, "Sin & Soul", le granjeó una considerable popularidad en su país. Siguieron "Between Heaven & Hell" (1962), "In a new Mood" (1962) y "Tells it like it is" (1963).
En años sucesivos, Brown grabaría otros muchos discos de éxito para Fontana, RCA Victor y Atlantic, acompañado tanto por músicos de jazz como por algunos afamados intérpretes brasileños, como el acordeonista Sivuca. Su último álbum de este periodo, "Fresh", vio la luz en 1974. Se mantuvo alejado del negocio discográfico durante 20 años, hasta su reaparición en 1995 con "Then and now". Un regreso que fue saludado por quienes escucharon al veterano cantante en plena forma.
Curiosamente, la muerte del polifacético artista ha venido a coincidir con la aparición de una película biográfica realizada en torno a su vida y obra.
MARION BROWN

El saxofonista, Marion Brown, nació en Atlanta pero a los trece años se trasladó a Harlem (New York) con su madre. Dos años mas tarde se alistó voluntario en el ejercito pero año y medio después dejó la carrera militar. Regresó a su ciudad natal y allí estudió música en el "Clark College" donde se inició en el aprendizaje de los instrumentos de viento. Estudió Economía, Historia y Ciencias Políticas en la Universidad de Howard en Washington DC. En 1962, una vez graduado en Ciencias, volvió a New York y tras un periodo de tiempo tocando en distintos clubes y locales, se gano una reputación de músico de vanguardia.

Fue Archie Shepp, quien se fijó en él y le dio la oportunidad de participar en varios discos suyos. Es destacable asimismo, la participación de Brown, en el excepcional álbum de Coltrane: "Ascensión", una obra maestra del Freejazz. Aquella oportunidad con Coltrane, le facilito el que comenzara a grabar álbumes a su nombre. Viajó a Europa y entre 1968 y 1970 desarrolló dos proyectos paralelos de música; el primero con el batería, Steve McCall y mas tarde con Gunter Hampel y Karl Hans Berger.

De aquella experiencia musical, muy al estilo del movimiento encuadrado en el AACM de Chicago, Brown grabó su obra maestra, el disco titulado: "Afternon of a Georgian Faun" con el sello de vanguardia ECM en 1970. Ese disco recoge con absoluta fidelidad, la pasión que el saxofonista tenía sobre la melodía y el tono. El talento de Marion Brown sigue siendo hoy innegable.

CLIFFORD BROWN

Clifford Brown, nació el 30 de octubre de 1930 y a los 22 años ya era una estrella de la trompeta y había trabajado con Tadd Dameron, Art Blakey y Lionel Hampton. Con el vibrafonista, realizó incluso una gira europea de la que afortunadamente quedan testimonios discográficos. A los 23 años realizó las primeras grabaciones a su nombre (especialmente significativa, fue el tema: "Easy Living", para el sello, Blue Note y al año siguiente ya estaba en la formación que le dio fama y prestigio en el mundo del jazz: el quinteto que formó con el batería, Max Roach.

Era el año 1954, y ese quinteto que ambos músicos pusieron en marcha, y que duró hasta la trágica muerte en accidente de trafico del trompetista el 28 de junio de 1964, fue uno de los puntales imprescindibles del hardbop, un estilo que nacía cómo consecuencia de la recapitulación del bebop y la necesidad de recuperar las raíces del jazz, en cierta forma amaneradas por determinados instrumentistas blancos arropados bajo la formula del cool en la Costa Oeste de los EE.UU. La impresión que causó ese quinteto fue extraordinariamente positiva. Las primeras grabaciones para el sello: Emarcy, se hicieron el 2 de agosto de 1954 y las ultimas el 17 de febrero de 1956.

¿Que aportó, Clifford Brown al jazz? Basándose en la concisión formal que Fats Navarro había aplicado al bebop, Clifford, liberó su música de las ataduras métricas, aplicó la variabilidad del volumen, y resolvió el problema de la temática en el sentido de recuperar la "historia a contar" como base del solo, un elemento bastante perdido en las abstracciones del bebop; creó un sonido abierto, sensual y viril, más propio de un saxo tenor que de una trompeta y contribuyó a restablecer la figura del solista compositor, muy importante a partir de entonces, y lo que es fundamental, con un sonido exquisitamente trompetistico.

Después de la prematura y trágica muerte de Clifford - apenas contaba con 26 años- sus álbumes están incluidos entre los mejores discos del hardbop.

CHARLES BROWN

Charles Brown, nacido en Texas en 1922, se licencio en químicas y trató de abrirse camino como investigador, pero la guerra y la depresión económica, le llevó por el camino de la música y obtuvo en el piano el instrumento adecuado para ese fin. Comenzó su carrera en Los Ángeles. Actuó en el Lincoln Theatre y en el Chicken Shack de Ivie Anderson antes de crear con el contrabajista Eddie Williams y el guitarrista Johnny Moore, el trío "The Three Blazers". El modelo era el trío de Nat King Cole y Charles Brown, se convirtió en el cantante mas representativo del blues mas sutil, sensible y dulcificado.

Aquel trío duró hasta finales de los años cuarenta cuando Brown empezó su carrera independiente. Antes había grabado un disco de éxito absoluto titulado: "Driftin' Blues" para el sello Aladdin en 1946. En los años sesenta, su fama fue poco a poco diluyéndose ante el empuje de otro tipo de música y solo fue a raíz de unas giras avaladas por la estrella pop, Bonnie Raitt, cuando pudo rehacer una carrera decente con viajes a Europa incluidos.

Hoy los discos de blues y de jazz de Charles Brown son un autentica joya y la recopilación recientemente reeditada por Mosaic Records, titulada: "The Complete Aladdin Recordings of Charles Brown 1945-1956" es una ocasión única para conocer a este magnifico pianista-cantante.

BOB BROOKMEYER

Bob Brookmeyer, es uno de los escasos músicos de jazz que han elegido el trombón de pistones como instrumento en su carrera. Nacido en Kansas City, comenzó sus estudios musicales con el clarinete en el Conservatorio de su ciudad natal y luego los amplió al piano y al trombón. Su primera experiencia profesional fue como músico de bigband con las formaciones de Ray McKinley, Louis Prima, Tex Benecke y acabó con la banda de Woody Herman. En 1952, decidió utilizar para siempre el trombón de pistones y se unió al grupo del saxofonista, Stan Getz, donde empezó ser conocido. Un año más tarde ocupó el lugar del trompetista, Chet Baker en el famoso cuarteto de Gerry Mulligan y permaneció con él durante cuatro años.

Después de un breve paso por el combo del multiinstrumentista, Jimmy Giuffre, y tras una aparición en el festival de Newport de 1958, decidió trabajar de forma independiente con su propio nombre y grabó algunos discos, entre ellos, uno famoso con el pianista, Bill Evans. En 1963 se incorpora a un proyecto que daría jugosos momentos en la historia del jazz: la famosa bigband organizada por el saxo barítono, Gerry Mulligan conocida como "Concert Jazz Band". Grabó varios discos con la Verve, en el marco de esa bigband y con Mulligan, tuvo la oportunidad de viajar a Europa y que el publico del viejo continente le conociera. Grabó con el quinteto que en 1964 formó, Clark Terry y luego con la magnifica dupla formada por el trompetista, Thad Jones y la Mel Lewis orchestra.

Tras una breve estancia en Los Ángeles, regresó a New York a finales de la década de los setenta con una experiencia y madurez impresionante. Actualmente su vida transcurre entre Escandinavia y New York, atento siempre a la música que le dio fama y gloria.

TINA BROOKS

La historia del saxofonista tenor, Tina Brooks podía ser más alegre si no fuera por esa afición, compartida con muchos músicos de jazz, a no saber medir bien lo que uno se mete en el cuerpo. Trabajó con el vibrafonista, Lionel Hampton antes de ganarse la vida como free lance y grabó doce sesiones para Blue Note, el sello que confió en él y que daba cobijo a aquella extensa fauna de músicos jóvenes, atrevidos y competitivos que sacaron el jazz del ostracismo en el que estaba a consecuencia de las modas juveniles de los sesenta.

Con Blue Note grabó cuatro discos publicados a su nombre, siendo todos ellos de un nivel alto en cuanto a calidad. El primero de ellos se grabó en 1958 y se tituló: "Minor Move" un extraordinario debut que contó con la colaboración del pianista Sonny Clark, otro joven músico descubierto por los productores del sello azul, el maestro de la trompeta, Lee Morgan, extraordinaria su participación, el bajista Doug Watkins y en la batería, nada mas y nada menos que el maestro, Art Blakey, toda una garantía. El éxito estaba asegurado y Blue Note no dejó escapar a este talentoso saxofonista tenor. El segundo disco, y el mejor de los cuatro, se grabó dos años mas tarde, en 1960 y se tituló, "True Blue" y fue en su época uno de los discos emblemáticos del movimiento funk. El mismo año se grabó "Back to the tracks", su tercera aparición como líder, mientras Tina formaba parte del elenco que representaba en uno de los teatros de Broadway "The conexión", la obra de Jack Gelber.

Fue precisamente allí donde conoció al pianista Freddie Redd, otro de los protagonistas estelares del sello Blue Note. Redd había trabajado con Cootie Williams, Art Blakey y Charlie Mingus antes de todo aquello, pero fue su actuación en "The connection" lo que hizo que la gente se fijara realmente en él. "Shades of Redd" es su segunda grabación para el sello y cuenta, curiosamente, con Tina Brooks en el saxo tenor.

CECIL BROOKS III

El baterista Cecil Brooks III, es uno de los mas destacados músicos del jazz contemporáneo. Con un estilo agresivo, y un fuerte carácter frente a las baquetas, Cecil Brooks, tiene tras de su corta carrera profesional, varios aspectos interesantes a destacar, no siendo el menor de ellos, el sentido polirítmico de su música. En New York, la ciudad donde nació, trabajó antes de emprender su carrera como líder, con el saxofonista, Greg Osby, la pianista, Geri Allen y con Lonnie Plaxico, otro músico de jazz moderno de extraordinario futuro.

Su primer disco como líder lo grabó en 1989, para el sello "Muse" donde estuvo cuatro años, grabando en esa época otros tantos discos. "The Collective", el titulo de su primer álbum, ya anunciaba por donde se movería estilísticamente, Cecil Brooks: hardbop duro y puro, sin concesiones ni florituras y cargado de adrenalina. En Agosto de 2000 grabó un par de discos en directo desde el club "Sweet Basil" en New York para el sello Savant que hasta la presente, y ya han pasado cerca de cuatro años, son sus últimos trabajos.

NICK BRIGNOLA

Nacido en una familia de músicos - su abuelo tocaba la tuba en la banda de Philip Sousa -, Nick Brignola puede ser considerado un autodidacta en la mayoría de los instrumentos que tocaba, como el saxo alto, el tenor, el soprano, el contralto el barítono, la flauta y el clarinete. Su instrumento donde cosechó los mayores éxitos en el jazz y donde se especializó fue el saxo barítono, con el que logró expresar su máxima creatividad y originalidad.

Estudió en el "Ithaca College" y en la afamada "Berklee School". De 1957 a 1959 tocó con el pianista y flautista, Maurice Markewich, en un quinteto formado en la "Cornell University" y denominado: "Mark V Quintet". Con él, Brignola apareció en el New York Jazz Festival de 1957 y en el Café Bohemians de New York en 1958. También formó parte en ese periodo del grupo "The Mastersounds" junto a Thelonious Monk y Buddy Montgomery como solistas principales. En 1959 formó su grupo propio con el que actuó en Albany. En 1963 tocó en la orquesta de Woody Herman y poco después durante un año completo en el quinteto y la bigband del guitarrista Sal Salvador.

A partir de 1964 trabajó en Albany, donde siempre fue muy apreciada su música, y en Troy, su ciudad natal en los alrededores de New York, donde llegó incluso a dirigir y realizar un programa de radio propio. Nick Brignola llegó a la década de los setenta con un enorme prestigio ganado a pulso y su estilo era muy valorado en los círculos estudiantiles. Su mayor influencia, reconocida por él mismo, fue el saxo barítono, Serge Chaloff. Obtuvo sus mayores éxitos a finales de la década de los ochenta, cuando firmó un contrato con el sello "Reservoir Music" donde grabó cerca de una decena de discos, siendo el mas valorado por la critica el grabado en 1989, junto al pianista, Kenny Barron, el bajista, Dave Holland y el baterista, Jack DeJohnette.

Nick Brignola, siempre exhibió un fraseo tórrido y pastoso, aunque extremadamente ágil. Su léxico acusa influencias de Coleman Hawkins y del ya citado, Serge Chaloff, y muy cercano al movimiento bebop, aunque considerablemente modernizado. Su fraseo, muy interesante por la utilización intensiva del registro agudo del saxo, es dúctil y puede pasar del ardor del bebop a los tiempos lentos de la balada.

DEE DEE BRIDGEWATER

Dee Dee Bridgewater, es una de las realidades tangibles en el mundo del jazz vocal en la actualidad y su futuro se antoja aún mucho mejor. Nacida como Denese Garrett, - adquirió su nombre artístico en 1970 tras su matrimonio con el trompetista Cecil Bridgewater- se incorporó en 1971 a la big band de Thad Jones y Mel Lewis, una brillantísima e innovadora orquesta con la que realizó numerosas actuaciones hasta bien entrado el año 1974. Allí adquirió la formación suficiente para dar un salto de calidad en su carrera y colaborar en los grupos de las figuras consagradas del jazz: Max Roach, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, o Dexter Gordon.

Entre los años 1974-1976, trabajó en un musical de Broadway titulado: "The Witz" por el que conquistó un importante premio teatral. Esta faceta interpretativa continuó con su participación en la obra de Stephen Sthal, titulada: "Lady Day" interpretando a la mismísima, Billie Holiday, que se representó en Hamburgo, Londres y Paris y en la revista musical "Sophisticated Lady" sobre la música de Duke Ellington.

Afincada en Paris desde mediados de los ochenta, ha grabado numerosos e importantes discos donde se observa la enorme influencia en su estilo de las cantantes, Nancy Wilson y la propia Sarah Vaughan. Desde el blues al scatt, pasando por los standars o los discos en directo, Dee Dee Bridgewater lleva camino de hacer historia en el mundo del jazz vocal y su último registro en directo en el club Yoshi's de Tokio es todo un recital de saber cantar.

RANDY BRECKER

Randy Brecker, nació en el seno de una familia de músicos. Su padre era pianista y su hermano menor, con el que después grabaría mas de un disco bajo la genérica formación de "Brecker Brothers", también fue músico tocando el saxofón. Estudió en la Universidad de Indiana entre 1963 y 1965 y alternaba esos estudios con clases particulares de música por parte de David Baker y otros profesores. En1966 se clasificó en segundo lugar en la "International Jazz Competition" de Viena detrás de Franco Ambrosetti. Aquel mismo año obtuvo su primer contrato importante formando parte del grupo "Blood, Sweat & Tears".

En 1967 entró en el grupo del pianista, Horace Silver con el que estuvo hasta 1969. Esporádicamente acompañó a la cantante de rock, Janis Joplin en una de sus giras , y también a las bigbands de Clark Terry y Duke Pearson. En 1970 colaboró con el baterista, Art Blakey y con el cantante, Steve Wonder. Entre 1971 y 1972, formó parte del grupo de "jazz-rock", Dreams que dirigía el baterista, Billy Cobham. Sus escarceos con el rock fueron a partir de entonces más frecuentes y así se le pudo ver en compañía de Eumir Deodato, Johnny Winter o con el cantautor, James Taylor. Un breve encuentro con Bruce Sprinsteen antes de formar en 1975, junto a su hermano Michael, el grupo "Brecker Brothers" con el que grabaron discos de una calidad muy alta.

Instrumentista muy bien dotado, de sonoridad vibrante y fraseo fluido, Randy Brecker continua en la actualidad colaborando en diversas formaciones.

MICHAEL BRECKER

Michael Brecker, nació en el seno de una familia de músicos. Su padre era pianista y su hermano mayor, con el que después grabaría mas de un disco bajo la genérica formación de "Brecker Brothers", era un afamado trompetista. Antes de cumplir los veinte años, Michael, terminó sus estudios de clarinete y saxo alto y decidió adoptar el saxofón tenor como el instrumento que le acompañaría para siempre. Admirador de la música soul y el rock, cuando escuchó a John Coltrane, tuvo claro que el jazz sería su camino. Poseedor de una formidable técnica instrumental, se unió a la banda del pianista Horace Silver donde estuvo alrededor de un año.

En 1975, formo junto a su hermano, el trompetista, Randy Brecker, el grupo citado anteriormente con el que grabaron discos de una calidad muy alta. Su siguiente etapa fue con la banda de Steps Ahead y el vibrafonista, Mike Manieri. Ese grupo se convirtió en uno de los combos instrumentales mas importantes de los años ochenta. Dejó esa compañía a finales de la década y llevaba bajo el brazo, una bien ganada fama de músico eficaz y brillante. Sus melodías, inspiradas en la música funk, fueron imitadas por instrumentistas de su época. En la actualidad, y después de triunfar por giras y conciertos, vuelve a tocar con su hermano dejando para la posteridad un magnifico álbum titulado: "Return of the Brecker Brothers". Michael Brecker, se mueve en la actualidad en diferentes direcciones en busca siempre de proyectos nuevos.

ANTHONY BRAXTON

Anthony Braxton, multiinstrumentista virtuoso, compositor extraordinario y creador de música, nació en Chicago en 1945. Poseedor de una profunda formación musical en armonía y teoría, es licenciado en filosofía y tiene un extenso currículo en el campo de la intelectualidad artística. Desde que comenzó sus estudios, su inclinación por la música fue inmediata y la puesta en escena en su ciudad natal de la A.A.C.M, le ayudó a encontrar el instrumento adecuado para expresar sus ideas.

En el seno de la A.A.C.M, trabajó inicialmente con el violinista, Leroy Jenkins y el trompetista, Leo Smith y producto de esa colaboración, fue su primer álbum titulado: "Three Compositions of New Jazz" grabado para el sello Delmark en 1968, un disco esencial de la vanguardia del jazz en Chicago. Influenciado por la música de Eric Dolphy, Ornette Coleman y Jackie McLean, consiguió con el saxo alto un estilo singular en la composición y una sonoridad espectacular. Después de un breve escarceo con el pianista, Chick Corea y su cuarteto: "Circle", Braxton, comienza en la década de los setenta a organizar conciertos en solitario que le dieron una amplia popularidad. También es merecedora de atención sus actuaciones en cuarteto con el magnifico contrabajista, Dave Holland y el trombonista, George Lewis.

Anthony Braxton, es hoy un músico reconocido internacionalmente y su música, su faceta de compositor y sus ideas siguen siendo una referencia ineludible cuando se habla del jazz del siglo XXI.

PANCHO BRAÑAS

A los dieciséis años ingresó en el Conservatorio Superior de Música, en Córdoba (España), donde estudio Percusión, Saxofón y Piano durante tres años. Más tarde marchó a estudiar Batería durante un año al Taller de Música de Barcelona, y el año siguiente se inscribió como estudiante del mismo instrumento en el Taller de Músicos de Madrid. Para completar su formación salió a Cuba donde permaneció un año en La Habana estudiando Batería y Percusión. De vuelta en España finalizó la carrera completa de Percusión en el Conservatorio Superior de Música en Córdoba, obteniendo el título de Profesor Superior de Percusión. Durante el verano del 2005 estuvo tomando clases en Black Harlem (New York) con Obei Calveire, actuando en varios club de la ciudad.

Al tiempo que ampliaba su formación, Pancho Brañas, ha trabajado como baterista y percusionista con muy diversos grupos y músicos, de estilos tan variados como Rock, Jazz, Pop, Flamenco, Africano, Latino y Clásico, habiendo realizado ya más de 1500 conciertos y más de 40 cds como músico de estudio. Actualmente dedica la mayor parte de su tiempo a consolidar su propio proyecto, y ha firmado con la discográfica RubyFlower Records de New York. Músico polifacético y muy activo, son innumerables las formaciones, grupos y actuaciones donde ha tocado siendo destacable su participación en el Music world Festival Of San Marino (Italia), en el Gibraltar Jazz Festival, el Festival de Colonia en Alemania, Jazz en Madrid (España), Festival de Jazz de Cádiz (España), o en el Festival de Jazz de Marbella (España).

Asimismo sus reuniones con músicos y grupos son muy frecuentes y diversas, destacando su aportación en la Big Band de la Comunidad de Madrid, Óleo Jazz Cuartet, Frank O'shea Quartet, Monk Avenue Cuartet, Celia Mur, Kiko Aguado, Miguel Ríos, Chano Domínguez, Enrique Morente, Rubén Dantas, Tino di Geraldo, o Jorge Pardo. En Marzo de 2005 sacó al mercado su primer disco como líder titulado: Tango Susurrado una fina mezcla de estilos entre el flamenco y el jazz.

RUBY BRAFF

Ruby Braff, nacio en Boston y sus primeros escarceos con la música profesional se le conocen cuando visitaba con frecuencia el barrio de Storyville en compañía del clarinetista, Pee Wee Russell. Este cornetista-trompetista, dejó pasar por alto la época que le tocó vivir - el bebop- y prefirió en cambio desarrollar y perfeccionar los sonidos del swing. Su admiración por Louis Armstrong era tal, que consiguió desarrollar una propuesta musical acorde con los sonidos característicos de New Orleáns.

En 1953 se trasladó a New York donde comenzó a grabar con destacados instrumentistas de su mismo estilo. Obtuvo un notable éxito con un álbum en compañía del trombonista, Vic Dickenson, pero le resultaba dificilísimo encontrar trabajo en una ciudad y en una época entregada al nuevo sonido emergente en el jazz: el bebop. A comienzos de los sesenta y durante la década siguiente, grabó primero de manera estable con el guitarrista, George Barnes y después con el auge del nuevo sello "Concord Jazz records" salió del ostracismo junto a otros músicos representativos de su estilo.

LESTER BOWIE

Nacido en Frederick (Maryland), el trompetista, Lester Bowie procedía de una familia de músicos que echó raíces en St. Louis cuando el era aun un niño. Comenzó a tocar la trompeta con muy temprana edad, y de joven llegó a participar en algún que otro grupo de Rhythm & Blues. se casó recién licenciado con la cantante Fontella Bass y se traslado en 1956 a Chicago. Una decisión que fue trascendental para su porvenir como músico.

Allí contactó con Muhal Richard Abrams, Roscoe Mitchell y Joseph Jarman, músicos todos representantes de la vanguardia jazzistica de la época. De esa toma de contacto, nació la famosa institución musical: Asociación para el progreso de los músicos creativos (Association for the Advancement of Creative Musicians) en sus siglas: A.A.C.M.

En 1976, Bowie se unió a Roscoe Mitchell y al contrabajista, Malachi Favors, para crear un grupo decisivo en la historia del jazz moderno: El "Art Ensemble" rebautizado posteriormente como "Art Ensemble of Chicago". Largas y complejas improvisaciones, un fraseo burlón y descarado, ruidos y sonidos jamás empleados antes en le jazz y tomando como base el blues, dieron como resultado una música creativa que consolido a dicho grupo como una de las referencias indiscutibles del jazz moderno. En 1969, con New York rendido a sus pies, se marchó a Paris y allí desarrolló escénicamente el estereotipo que para siempre le identificó: su bata blanca de galeno y su humor en escena, socarrón y ácido.

Aunque nunca fue un músico que destacara por su técnica ni tampoco por la belleza de su música, Lester Bowie fue hasta que falleció en 1999, uno de los trompetistas mas originales del jazz contemporáneo.

CONNEE BOSWELL

Connee Boswell, recibió como sus hermanas Helvetia y Martha - componentes todas del grupo vocal: "The Boswell Sisters" - una sólida formación instrumental. Comenzó tocando el violoncello, para después pasar al piano, el saxo alto y el trombón. Un día de 1925, el cornetista de Kansas, Emmett Louis Hardy, las escuchó después de que el grupo ganara un concurso amateur y las animó a profesionalizarse.

En 1931 se presentaron para actuar en el Paramount Theatre de New York y el sello Brunswick les ofreció su primer contrato y con él el lanzamiento internacional del grupo. Connee Boswell fue la principal arreglista del grupo y eso le dio el valor de ser una de las primeras mujeres en la historia del jazz - junto con Mary Lou Williams y Lil Hardin en asumir ese papel.

Todos los grupos posteriores de jazz vocal, como las Andrews Sisters o los mismísimos Mills Brothers, tienen con las Boswell Sisters, una deuda contraída en cuanto a la técnica y el estilo que empleaban, pero nadie las superó. Esclavizada a una silla de ruedas desde su nacimiento debido a una poliomielitis, la voz de Connee Boswell no tardó en asumir papeles de solista en las grabaciones del trío y su facultad principal para el canto es debido a la precisión, calidad y rapidez de los aspectos rítmicos, muy avanzados para la época.

Su discografía mas importantes se produce a comienzos de los años treinta cuando cantaba junto a sus hermanas en compañía de Benny Goodman, Bunny Berigan o los hermanos Dorsey. En años mas tardíos, Connee Boswell, graba una obra maestra en uno de sus discos de larga duración titulado: "Connee Boswell and the original Memphis Five in Hi-Fi". Connee Boswell fue junto a sus hermanas, una referencia indiscutible en el jazz vocal de los primeros años del swing.

BOOKER LITTLE

Después de cursar estudios en la "Manassas High School" de Memphis y en el Conservatorio de Chicago, el trompetista y compositor, Booker Little Jr. (1938-1961), empezó a colaborar con Sonny Rollins, que poco después se lo presentó a Max Roach. De esta forma, Booker Little inició en junio de 1958, una colaboración destinada a dar frutos extraordinarios durante todo un año.

En 1959, entró a formar parte del grupo del pianista Mal Waldron y al año siguiente trabajó con grupo de John Coltrane, con quien tuvo la oportunidad de grabar el álbum "África/Brass". Durante su efímera vida -vivió apenas veintitrés años, Booker Little, tuvo oportunidad de demostrar un estilo musical complejo y ajeno a cualquier academicismo. Espectacular improvisador y de sonoridad áspera, grabó un álbum a su nombre que pasó a la historia del jazz como uno de los grandes discos de trompeta de toda la historia de esta música: "Out Front" (Candid, 1961). Fue apenas siete meses antes de su muerte.

Asimismo, Booker Little, fue capaz de dejar su impronta en las colaboraciones con otros instrumentistas. Al lado de Max Roach, participó en la grabación de varios álbumes de culto: "Percussion Bitter Sweet" o el legendario, "We Insist! Freedom Now Suite". Pocos meses antes de morir, tuvo una brillante actuación en el "Five Spot Café" de New York, al lado de Eric Dolphy, Mal Waldron, Richard Davis y Eddie Blackwell. Booker Little, fue el precursor -probablemente sin saberlo- de los logros improvisativos alcanzados en la música afroamericana de finales de los años sesenta.

En la música de Booker Little, está el deseo de liberarse de los tradicionales vínculos de ejecución e interpretación sobre todo su ya citado trabajo en el "Five Sport", página fundamental para el desarrollo de la improvisación contemporánea. Booker, murió a consecuencia de una insuficiencia renal a los 23 años de edad, y en ese breve tiempo tuvo la capacidad de dejar en la música improvisada del jazz moderno, una huella indeleble.

CLAUDE BOLLING

Claude Bolling, pianista, compositor, arreglista y director de orquesta, nació en Cannes (Francia) el 10 de abril de 1930, donde ha vivido desde entonces excepto durante la ocupación alemana. Músico muy precoz, estudió primero música clásica y en 1944 ganó el "Tournoi des Amaters". Recibió clases de Marie Louise ''Bob'' Colin, y descubrió el jazz gracias a un compañero de escuela. En 1945 ganó el concurso de aficionados organizado por el Jazz Hot y el Hot Club of France en París. Creó su primer grupo a los 16, y realizó su primera grabación a los 18.

En 1945 formó un grupo que junto a Claude Abadie y Claude Luter, sería uno de los primeros intentos serios de hacer jazz tradicional en Francia después de la II Guerra Mundial. Con ocasión de la Gran Semana del Jazz de 1948 en Paris, acompañó a la gran cantante de blues, Berta Hill y posteriormente tocó junto a los principales músicos americanos de entonces. En 1955 formó su primera orquesta aunque las dificultades económicas tras la postguerra hicieron imposible mantenerla en activo. Tras cumplir el servicio militar, trabajó en todos los clubes de moda y grabó sesiones y conciertos, convirtiéndose en uno de los músicos más destacados y respetados del momento.

Trabajó entre otros con Duke Ellington, (su decisiva influencia jazzistica); Count Basie, Jimmy Lunceford o Glenn Miller. Es autor de un estilo propio que fusiona la música clásica y el jazz (su Suite para flauta y piano de jazz estuvo 530 semanas en las listas de ventas de Estados Unidos). En los setenta organizó una importante Big Band, (que todavía mantiene en activo) y además de haber sido arreglista de los principales cantantes franceses, ha compuesto la música de más de cien películas, entre ellas: "Borsalino", "Louisiane", "Flic Story" o "The Awakening".

En Noviembre de 2001, realizó una gira por España y actuó entre otros lugares, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, dando un espectacular concierto sobre la música de cine y el jazz, que Apoloybaco, tuvo la suerte de escuchar en directo.

BUDDY BOLDEN

Buddy Bolden, fue la primera y más resplandeciente estrella del jazz. Un hombre con todos los rasgos genéticos del negro "criollo" de New Orleáns. Capaz de tumbar a cualquiera en la ingesta de alcohol, mujeriego y bravucón, con una conducta habitualmente rayana en la violencia, fue proclamado en los primeros años del siglo XX, como la mejor corneta del jazz de toda New Orleáns. La leyenda de Buddy Bolden se acrecentó por el hecho de no haber disponibles ninguna grabación suya - desapareció de la escena del jazz, muchísimo antes de que la industria discográfica comenzara a andar - y sin embargo los que tuvieron la fortuna de escucharlo, hablaban de él y de su sonido con la corneta como el hombre que tocaba el blues mas lento y persuasivo de todos los músicos conocidos.

Buddy Bolden, procedía del distrito negro de New Orleáns y siendo adolescente, participó en diversas bandas de música entre 1890 y 1895. Aquél año ya formó su propio grupo, junto al guitarrista, Charlie Galloway desde donde actuaba en convites, ceremonias y fiestas. Con el nuevo siglo, su sonido de corneta ya era famoso y se destacaba por la rítmica del mismo, su amplia sonoridad y adobado con espléndidas dotes de animador, lo que le confirió gran popularidad entre sus contemporáneos. Su estilo, depurado y madurado, le permitió en la primera década del siglo XX, llamar la atención por su inclusión de rags, y aunque no está demostrado que en su repertorio hubiera improvisación, si se esmeraba en tocar los blues con gran variedad en los tonos y con un sentido del ritmo exageradamente lento, lo que hacía las delicias del publico.

La conducta errática de Bolden, sus problemas con la justicia - fue detenido y encarcelado el día del trabajo de 1906 - y su adicción al alcohol, le provocaron un grave trastorno mental que lo llevó a ser ingresado por su familia en un hospital para enfermos mentales en Jackson (Louisiana) donde permaneció hasta su muerte en 1931. Murió sin conocer el auge y el brillo de la época del swing, de la que fue el primer precursor.

ARTHUR BLYTHE

Arthur Blythe, nació en Los Ángeles, California, y de pequeño, le pide a su madre tocar el trombón, pero ella, admiradora de los saxofonistas, Johnny Hodges, Earl Bostica y Tab Smith, le proporciona un saxo alto. Estudia el instrumento en San Diego con distintos profesores, entre ellos David Jackson, quien formaba parte del grupo de Ray Charles. Toca en la orquesta estudiantil y se aficiona a la música popular (rock and roll, country y gospel) sin que por ello decaiga su admiración por los saxofonistas de su infancia, principalmente, Benny Carter. Participa en distintos grupos, ya sea en formato de pequeñas formaciones como en grandes orquestas.

Entre 1967 a 1973 participa en el "Black Music Infinity" del baterista, Stanley Crouch. Su encuentro allí, con otro saxofonista, Azar Lawrence, será determinante. Con él graba "Bridge Into The New Age". A partir de 1974 toca en Nueva York, con el cantante Leon Thomas en la "Energy Band" del trompetista Ted Daniel, junto a Julius Hemphill y con el baterista Chico Hamilton, que le llevó durante un brevísimo período hacia un área cercana al jazz-rock.

En 1979, funda su propio grupo al que denomina: "In The Tradition". Con su formación, trabajó además, con la mayor parte de los exponentes de la vanguardia neoyorquina. Desde entonces, aquel cuyas preocupaciones estéticas le han valido el apodo de "Black Arthur" se ha cruzado con algunos de los nombres mas encumbrados del jazz contemporáneo (Lester Bowie, Evans; Jack DeJohnette, Sunny Murray, etc.).

Instrumentista bien dotado técnicamente, Blythe representa un caso particular y profundamente interesante en el panorama contemporáneo de la música improvisada. Aunque su fraseo es esencialmente moderno y deriva de John Coltrane y Eric Dolphy, en realidad su sonoridad, así como ciertas particularidades estilísticas, parecen dirigirse hacia una cuidadosa recuperación de la tradición de los artistas negros americanos: Johnny Hodges, Benny Carter, etc.
Arthur Blythe, no sólo reivindica el legado de las múltiples corrientes de la música negra sino que parece querer reunificarlas a través de su instrumento.

PAUL BLEY

Nacido en Montreal, el pianista, Paul Bley llegó al jazz con una excelente formación académica. Estudió piano y violín completando un curso (1950-1952) en la prestigiosa "Julliard School" de New York. Músicos de prestigio le ayudaron a salir adelante con trabajos ocasionales en clubes, bares y pequeños locales. Así conoció y entabló amistad, con Charles Mingus, Oscar Petifford e incluso Charlie Parker. En 1953, graba un disco con el contrabajista y figura del bebop, Charles Mingus y el excepcional baterista, Art Blakey, que tuvo un notable éxito. En 1955, se trasladó a Los Ángeles y orientó su carrera a formas musicales más avanzadas y progresistas. Su quinteto de finales de los años cincuenta, incluía a los cuatro miembros del "Ornette Coleman Quartet" original antes de su formación.

Conoció y se casó con la compositora, Carla Borg, a quien alentó para que compusiera de manera libre y sin prejuicios ni ataduras. Acompañó en los primeros años de los sesenta a figuras en ciernes del jazz como, Sonny Rollins, o a artistas súper consagrados como el propio, Charles Mingus. Siempre flirteando con la vanguardia jazzistica, Paul Bley, es una referencia indiscutible en el jazz moderno que se hace en el mundo desde los setenta hasta ahora. Con setenta años cumplidos, este maestro del piano, sigue cultivando su talento para la composición de manera extraordinaria.

CARLA BLEY

De nombre real, Carla Borg, esta excelente compositora, líder de orquesta y pianista, adoptó musicalmente hablando el apellido de su marido, el también excelente pianista, Paul Bley. Aprendió de niña piano y violín con su padre, que era profesor de piano y obtuvo una gran experiencia en las tareas de dirección musical cuando dirigía el coro de la Iglesia de su comunidad. Aprendió teoría y profundizó su técnica pianística siendo todavía adolescente antes de marcharse a New York en 1955, donde conoció al que fue su marido, el pianista canadiense, Paul Bley.

Alentada por este, Carla empezó a componer proporcionando al piano de Paul un material excelente que cambió el concepto y la capacidad de interpretar del pianista. Algunas de sus primeras composiciones, fueron utilizadas por el multiinstrumentista, Jimmy Giuffre del que Paul formaba parte a finales de los años sesenta. Carla Bley, fue miembro del malogrado grupo "Jazz Composers' Guild" formado en 1964 y con apenas un año de vida. El grupo lo dirigió Carla, con el trompetista/compositor, Mike Mantler.

Hacía 1967, desencantada con el camino tomado por la mayoría de los músicos representativos del freejazz, dirigió sus energías creativas a la música de libre inspiración: el resultado fue la aclamada obra "A Genuine Tong Funeral" encargada y grabada por Gary Burton, que obtuvo un enorme éxito con ella en 1967. Una parada obligatoria en su obra, es la "Escalator Over The Hill", una amalgama musical con letra de Paul Hines. Se publicó en 1973 y obtuvo varios e importantes galardones. En la actualidad, Carla Bley, sigue siendo una de las compositoras y arreglistas mas importantes del jazz moderno.

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