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CURTIS FULLER

El trombonista, Curtis Fuller pertenece a esa generación de músicos posterior a la epoca dorada del trombón moderno de jazz que representaba, Jay Jay Johnson y Kai Winding fundamentalmente. Desde el principio de su carrera profesional, Curtís Fuller destacó por su originalidad, creatividad y también por dotar al trombón de jazz de la línea moderna de continuidad que le proporcionaron los dos músicos antes citados.

En Detroit, ciudad donde nació, Curtis Fuller empezó a tocar junto a Kenny Burrel y Yusef Lateef. Posteriormente sus encuentros con Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Cannnonball Adderley o Gil Evans, resultaría muy provechos para la formación de este maestro del trombón que supo captar de cada uno un aspecto particular. En 1957 se cruza en el camino de Miles Davis y junto al maestro de la trompeta mantiene un discurso musical que queda de manifiesto en las grabaciones que haría poco después. Mas tarde fue el maestro del saxo alto, Benny Golson quine le enseño a frasear con sensibilidad y con un bagaje ya muy consolidado, entra a formar parte en 1961, de los Jazz Messengers del baterista Art Blakey.

Los tres años que pasó Curtis Fuller con los Messengers fueron unos años extraordinarios donde dio lo mejor de si, quedando de manifiesto esa maestría en el disco: "Free for All" la mejor grabación de Curtis con los Messengers y uno de los álbumes emblemáticos del gran baterista. Tras su paso con la formación de Blakey, Curtis colaboró con Lee Morgan, y en 1968 tuvo la oportunidad de viajar a Europa con la orquesta de Dizzy Gillespie, donde cosechó un gran éxito. Durante toda la década de los ochenta, Curtis Fuller estuvo actuando por todo el mundo en conciertos, festivales, teatros y clubes al frente de la formación denominada "Timeless All Stars" un grupo formado por los músicos adscritos a aquel sello discográfico.

En 1992 ficha por el sello Savoy donde grabó dos discos: "Jazz it's Magic" y al año siguiente: "Blue-Sette" tuvo su última sesión de grabación para el sello Savoy.

DAVID FRIESEN

Nacido en Tacoma, Washington, pero se educa en Seattle. Sus primeros contactos con el jazz son las grabaciones de Earl Bostic, el álbum de la cantante, June Christy titulado "Something Cool" y escuchar a Slim Gaillard en un club de Los Ángeles siendo aún menor de edad. Con 19 años, mientras permanece con el ejército de los EE.UU. en París, coincide con George Arvanitas, Johnny Griffin y Art Taylor. Más tarde, en Copenhague, toca con el batería Dick Berk y conoce a Ted Curson, en 1961. De vuelta en los EE.UU. en 1964 Friesen empieza a estar cada vez más comprometido con el contrabajo practicando alrededor de 10 horas al día y comienza a relacionarse con músicos locales en Seattle (Larry Coryell y Randy Brecker entre ellos) en sitios tales como Penthouse, donde Miles Davis, John Coltrane y Bill Evans actuaban. David actuaba a veces como telonero de estos gigantes de la música. Así, durante dos años, Friesen tocó el piano y el bajo en un café llamado: Llahngaelhyn, propiedad del bajista Jerry Heldman.

Después de un largo período de gira con Elmer Gill, que tocaba con la Banda de Charlie Parker y Lionel Hampton, Friesen abre su propio café en 1973 en Portland a donde se traslada con su familia. La educación jazzística también entra en su esfera de interés y se convierte en profesor de los National Stage Band Camps durante un par de veranos trabajando con Marian McPartland, John La Porta, Phil Wilson entre otros. Joe Henderson fue su siguiente asociación, con la que llevó a cabo un tour por Europa en el verano de 1975 con Billy Harper Quintet. Esta gira abrió nuevas puertas y supuso el inicio de relaciones con Stan Getz, Sam Rivers, Kenny Drew, George Adams y Danny Richmond (llegó a grabar discos con los tres últimos), y a tocar en conciertos con Dexter Gordon y Mose Allison.

Posteriormente, en 1977, Friesen se une con Ted Curson, que le reconoce las posibilidades como solista y le da más protagonismo en la escena jazzística. Forma asociaciones musicales con el pianista Mal Waldron y el flautista Paul Horn yendo de giras por Europa y América. En Agosto de 1983, Friesen acompañó a Paul Horn en 4 semanas históricas, 18 conciertos de gira por la Unión Soviética, Canadá, Europa, partes de Asia, América del Sur, Inglaterra, Escocia, Japón y Australia.

La música de Friesen, que es indiscutiblemente jazzistica, está entrelazada con indudables ingredientes de folk, clásica y música judía, mezclados de forma espontánea con intensidad lírica, entusiasmo y manifiesta creatividad en la inmensidad musical. Músico muy creativo, sensible y capacitado para ofrecer siempre lo mejor de sus cualidades.

DON FRIEDMAN

Don Friedman, representa la evolución mas clara, articulada e inteligente del pianismo lírico emprendido por el maestro, Bill Evans. Nacido en San Francisco (California), Don Friedman es uno mas de los músicos de jazz injustamente olvidado e infravalorado por la historia. Dotado de una fuerte personalidad, Friedman destaca por su extraordinario oído, su refinado estilo a la hora de componer y su habilidad y agilidad con las teclas.

Sus comienzos fueron obviamente en el contexto jazzistico de la Costa Oeste de los Estados Unidos y allí tocó entre 1956 y 1957 junto a Shorty Rogers, Dexter Gordon, Buddy Collette o el clarinetista, Buddy de Franco. Buscado siempre por innumerables jazzman por su capacidad de acompañar rítmicamente cualquier tempo, por su vida han desfilado los grandes músicos del jazz como por ejemplo, el trompetista, Chet Baker, el saxofonista, Ornette Coleman, en su primera época (1958), el maestro del saxo alto, Art Pepper, (1961) con el trío de Jimmy Giuffre en 1964, con el batería, Max Roach, el multiinstrumentista, Eric Dolphy o ya en su ultima etapa, el magnifico maestro del saxo alto, Lee Konitz.

Con este ultimo músico, Don Friedman, se sentía como pez en el agua, cosa que Apoloybaco pudo comprobar "insitu" en el concierto que ambos dieron en la localidad sevillana de Alcalá de Guadaira (Sevilla) el 13 de noviembre de 1997 en el marco del octavo festival de jazz de la provincia de Sevilla.

PAOLO FRESU

Paolo Fresu es un trompetista, fiscornista, compositor y arreglista italiano nacido en Berchidda, Cerdeña. Músico de depurada técnica, es capaz de transmitir una buena dosis de emoción gracias a la autenticidad y naturalidad de su lenguaje. Su carrera profesional comienza en 1982 con el contrabajista y director de orquesta italiano, Bruno Tommaso. En 1985 firma su primer álbum bajo su nombre, "Ostinato", seguido de "Inner Voices" (1986) junto al saxofonista David Liebman. Es el comienzo de su consagración internacional, que le llega tanto al frente de su quinteto habitual como con el Paolo Fresu Projet. En 1986 viajó a Estados Unidos como integrante del grupo de Giovanni Tommaso, en 1987 fue Inglaterra su destino con Michael Nyman. Actúa regularmente con la orquesta Barga Jazz que dirige Tommaso.

Paolo Fresu es probablemente la representación más fidedigna del jazz italiano de hoy. Las propiedades de su sonido introspectivo y recogido se unen al gusto por la melodía pura, el lirismo de raíz mediterránea y el afán de investigación. El 16 de marzo de 2001, Fresu recibió el prestigioso premio internacional Django d'Oro, en la categoría de mejor músico de jazz. Fresu ha grabado alrededor de 150 discos, de entre ellos una veintena como líder. Es director artístico del Festival de Jazz de Berchidda y del Concurso de Grupos Jóvenes de Oristano "Eurojazz". Invitado en numerosas ocasiones por la Gran Orquesta de Italia, por la Orquesta Nacional de Jazz de Francia y por la Orquesta de la Radio Tedesca de Hamburgo, su prestigio en toda Europa es enorme.

Al colaborar con el Festival de Jazz de Siena en 1981, decide replantearse sus metas profesionales y se matricula en el Conservatorio, aprende en seminarios y completa sus estudios de trompeta. Volverá años más tarde a esos mismos seminarios, pero esta vez como profesor. Desde aquella época, Paolo Fresu no ha parado de grabar discos, y actualmente lidera varios proyectos tanto en Italia como en Francia, su segunda residencia.

NNENNA FREELON

La extraordinaria cantante, Nnenna Freelon, es sin duda una de la cantantes de jazz contemporáneas mas importante. Su música tiene una calidad extraordinaria y la popularidad que ha conseguido fuera de los ámbitos exclusivamente jazzisticos, no le han desviado del camino del swing. Tres veces nominada para los premios Grammy, sintió desde muy temprana edad la llamada de la música, si bien antes de emprender la carrera profesional que le habría de llevar al sitio que ocupa en la actualidad se graduó en Servicios Sociales en la Universidad de Durham, de Carolina del Norte, y tuvo tres hijos. Estudió con Yusef Lateef y perteneció durante varios años a una banda en la que Woody Williams era el baterista.

Tras una aparición estelar con Ellis Marsalis, graba su primer disco en 1992, que atrae la atención de la crítica, que rápidamente ven en ella la influencia de Sarah Vaughan. Su segundo álbum fue recibido más favorablemente, y con ocasión del tercero, incluso los más recalcitrantes detractores se vieron obligados a reconocer el extraordinario talento de la cantante y su prodigiosa voz. Freelon extrae su repertorio no sólo del jazz, sino también de la música pop y folk, asimilando dichas corrientes en una síntesis muy personal. Nnenna Freelon, sin duda, ha encontrado ya un estilo que se pone aún más de manifiesto cuando cambia de sello discográfico en 1966 e inicia un camino mucho más personal, encarnado sobre todo en su segunda grabación para Concord Jazz, Maiden Voyage (1998); en el que, entre otras cosas, expone su interés por el papel que la mujer ha de desarrollar en el ámbito musical y en la sociedad en general.

En el 2000, Freelon debuta en el campo de la interpretación en What Women Want, y graba su primera producción propia, Soulcall. Freelon ha grabado y actuado con una variada gama de músicos, y un examen de ese elenco puede testimoniar acerca de los gustos de la cantante y por donde se encaminan sus pasos. Esos artistas son, entre otros, los exquisitos Kenny Barron y Herbie Hancock, Joe Beck, Christian McBride y Kirk Whalum. La voz de Freelon es rica en calidades emocionales, acompañada últimamente de un sonido fuerte. No obstante, si las circunstancias musicales así lo demandan, es capaz de dar con el tono cool aunque sensual, especialmente persuasivo cuando se trata de baladas. Su variedad de registros le permite crear desde un escenario propicio a la confidencia a otro en el que se interpretan en clave de humor clásicos del pop, del soul, del jazz o del gospel, todo en un clima de libertad en el que siempre cabe el recurso a la improvisación.

Nnenna actuó varias veces con la legendaria Julie Andrews en la "Society of Singers", en la "Ella Awards" y en "Variety's The Childre's Charity" como vocalista del grupo "Stephen Sondheim Tribute" en el Carnegie Hall de Londres y en muchos festivales, con un gran éxito. En su quinto álbum grabado para el sello discográfico Concord Records, titulado "Live", Nnenna aporta todo su talento y el resultado es un disco intimista de extraordinaria belleza. Se grabó en el "Centro de Kennedy" en Washington DC, entre el 21 y 22 de febrero de 2003. El disco resume toda una década de carrera musical, con más de 20 años en la carretera. Ha sido dos veces ganadora en los premios "Billie Holiday Award" de la prestigiosa Academia de Jazz y de los premios "Eubie Blake Award". También ha sido nominada dos veces para "Lady of Soul" de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson entre otros.

JOEL FRAHM

SAXOFÓN TENOR
FOUR FRIENDS
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Four Friends es un grupo creado en octubre de 1999 en el entorno del Centro de Música Moderna Mr. Jam, en Deusto. Su música de fusión recorre diferentes estilos entre los que resaltan con más claridad el Swing y Jazz, si bien, el proyecto está abierto a otros estilos clásicos como son: el Blues, la Bossa, el Funk, el Rockabilly, o el Pop, haciendo tanto temas propios como estándares en versiones, fundamentalmente, instrumentales. A lo largo de estos años ha desarrollado una incesante labor que se traduce en sesiones de grabación, un importante número de actuaciones y dos discos editados con Gaztelupeko Hotsak: "Bilbop" en 2003 y Dzanga en el 2006. Tienen un repertorio que supera los setenta temas en los cuales desarrollan sus habilidades improvisativas. En este camino, la formación estable del grupo ha contado con la colaboración de diferentes artistas de reconocido prestigio y valor, ofreciendo unas actuaciones y grabaciones realmente atractivas.
El grupo lo componen en la actualidad, Iñaki Iraeta, Fernando Iraeta y Eneka Albizu en las guitarras, Jorge Gómez en la batería, Joe González en los saxos y el clarinete, Carlos Jover en la armónica y Izar Herrán en la voz.
LLIBERT FORTUNY

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria, al poco de nacer se traslada con su familia a Cataluña de donde sus padres son originarios. Acaba sus estudios del Ciclo Medio Música Clásica con Toni Vidal, en la temporada 96-97. También asiste a clases de Música Moderna con Jaume Badrenas. Cuando finaliza sus estudios en 1997 en el Conservatorio de Música de Manresa, es premiado por la Berklee College of Music con una beca europea. En Boston estudia con Shannon LeClaire, Ed.Tomassi, Hal Crook, Phil Wilson, Greg Hopkins, Ken Cervenka y Bill Pierce entre otros.

En el 2001 regresa de los Estados Unidos a Barcelona y funda su primer grupo: "Llibert Fortuny Quartet" incorporando al mismo a excelente músicos como David Mengual al contrabajo, Albert Bover al piano y Marc Miralta a la batería. Con ésa formación graba su primer disco titulado: "Un circo sin Leones" para Nuevos Medios en 2004 y que cuenta con la colaboración de Perico Sambeat al saxo alto y soprano. Antes, en el 2002 recibió el premio al mejor músico de jazz por la Asociación de Músicos de Jazz y música moderna de Cataluña. Nuevamente en 2004, recibe un fuerte impulso en su carrera cuando es nombrado por la critica especializada, mejor interprete de jazz concediéndole el premio Puig Porret. Últimamente, ha tocado en la escena de Boston. El estilo de su cuarteto recoge desde la era be bop al hard bop, con influencias del período cool. En directo interpretan versiones propias de estándares y temas propios.

En la actualidad sigue buscando nuevos caminos al frente de su formación: "Llibert Fortuny Electric Quartet" un grupo formado por David Soler (guitarra); David Mengual (bajo); Dani Domínguez,(bateria) y Quím Puigtio (sonido y efectos). Con ésa formación actuó en los festivales de jazz de Tarrasa y Barcelona y resultó ganador del Circuit Resson de Jazz que se celebró en otoño de 2004. Llibert Fortuny es una gran realidad del jazz español y posee una técnica impecable y un sonido enérgico.

CARL FONTANA

El trombonista, Carl Fontana, comenzó su carrera en la orquesta de su padre, el saxofonista, Callie Fontana con quien permaneció hasta 1945, cuando cumplió 18 años. Su bautizo de fuego en la escena profesional fue en el seno de la orquesta de Woody Herman a principios de los años cincuenta. En aquel tiempo, cuando Herman disolvió sus "Four Brothers", estaba intentando constituir una orquesta que fuese digna de la anterior. Herman, que siempre estaba atento a las evoluciones de los jóvenes músicos, le dio confianza a varios músicos, entre ellos, a Carl Fontana, Bill Perkins o Urbie Green. Cuando en 1952 dejó a Woody Herman, Fontana estuvo tocando durante un año con All Belletto. Lionel Hampton lo llamó en 1954 a su orquesta y aunque su paso fue muy efímero, si dejó una estela formidable.

En 1955 entra a formar parte de la orquesta de Stan Kenton con quienes grabó algunos álbumes importantes. Entre 1956 y 1962 desarrolló una intensa actividad en Los Ángeles y en ese año participó en el Festival de jazz de Las Vegas. En 1966 tocó con Benny Goodman antes de volver con Woody Herman. Los últimos años de la década de los sesenta fueron para Carl Fontana una especie de aventura extrajazzistica ya que tocó con Paul Anka, o con el grupo "Supersax". En 1975 dirigió la "World's Greatest Jazz Band", la famosa orquesta tradicional fundada por Yank Lawson y Bob Haggart. Carl Fontana fue un trombonista con una técnica excelente y un profundo sentido armónico y su música estaba inspirada en el maestro, Jay Jay Johnson.

SONNY FORTUNE

Heredero de la corriente Parker-Coltrane, Sonny Fortune, es el creador de un estilo lírico y original característico del jazz de los años ochenta. Cuando se menciona a este magnifico saxofonista, su nombre es asociado con lo mejorcito del saxofón de jazz y sin duda Sonny Fortune, madurará en el futuro todo lo que tiene dentro.

Sus comienzos estuvieron ligados al Rhythm and Blues de los grupos afincados en su ciudad natal de Philadelphia, pero en 1967, John Coltrane, lo escucha y queda seriamente sorprendido por la fuerza, la musicalidad y el virtuosismo de Sonny Fortune. Le anima a trasladarse a New York, donde comienza a trabajar con el grupo de Elvin Jones, sustituyendo en el saxo a Frank Foster. Durante cuatro años toca con el grupo de Mongo Santamaría (1967-1970) y en 1971 entra a formar parte del grupo del maestro del piano, McCoy Tyner, donde permanece hasta 1973. Posteriormente toca efímeramente con la banda del batería, Buddy Rich, hasta que en 1973, Miles Davis, solicita sus servicios realizando giras por todo el mundo junto al genial trompetista hasta 1974.

Con Miles, Sonny Fortune, graba tres discos ("Get Up Whit It" , "Big Fun" y "Agartha") todos ellos para el ello Columbia y partir de ahí Fortune se consolida como uno de los grandes saxofonistas del último cuarto del siglo XX. Decide entonces, con una ganada reputación, iniciar su carrera en solitario y en 1988, realiza una gira por todo el mundo con el "John Coltrane Memorial Group", compartiendo escenario con McCoy Tyner, Elvin Jones, Freddie Hubbard y Reggie Workman.

Sonny Fortune, tiene grabado mas de cincuenta discos, quince de ellos como líder y actualmente edita sus disco con el sello Blue Note. Apoloybaco tuvo la fortuna de verlo actuar en directo en Mairena del Aljarafe (Sevilla) la noche del 12 de noviembre de 1999 en el marco del X Festival de Jazz de la Provincia.

THE FOUR FRESHMEN

Hubo algunos grupos vocales que no renunciaron a la modernidad en el jazz. El mas importante de ellos fue el cuarteto masculino llamado "Four Freshmen", formado en 1948 en el "Conservatorio Arthur Jordan" de Indianápolis. Influido decisivamente por los Mel-Tones del cantante, Mel Tormé, el grupo llamó la atención de Woody Herman en 1949, y al año siguiente, Stan Kenton, les facilitó una audición con los dirigentes del sello Capitol, que los contrató inmediatamente.

Los "Four Freshmen", como la mayoría de los grupos vocales de la época, practicaban una armonizacion lo mas próxima posible procurando que todas las voces quedaran dentro de un intervalo reducido, a lo sumo, poco mas de una octava. El resultado es un sonido terso pero demasiado plano. Su estilo buscaba el perfeccionismo propio con las notas relajadas del sonido West Coast. La etapa mas importante en la producción de los "Four Freshmen" llegó durante la segunda mitad de los cincuenta, en una serie de discos arreglados por el extraordinario Peter Rugolo, donde aparecían enfrentados a diversas plantillas instrumentales. Así sacaron al mercado entre 1956 y 1964, los discos titulados: "Four Freshmen and 5 Trombones" (Capitol 1956); "4 Freshmen and 5 Trumpets" (Capitol 1957); "Four Freshmen and Five Saxes" (Capitol 1957); "Four Freshmen and Five Guitars" (Capitol 1960) y por último "More 4 Freshmen and 5 Trombones" (Capitol 1964)

El trabajo de Rugolo, contenido y serio, la presencia de importantes músicos de sección y de rítmicas eficaces, convierten la mayoría de estos LP's en inatacables divertimentos de sabor jazzistico. El mismísimo Stan Kenton, en su disco "On the Road" (Capitol 1959) los incorpora enfrentados con la poderosa orquesta kentoniana, y sus propios instrumentos con un magnifico resultado. El grupo original se disolvió dignamente en 1960

ELIA FLETA

Hija del afamado cantante Miguel Fleta, no era extraño que su infancia transcurriese en medio de una clima musical muy favorable para su formación. Sus primeros escarceos con el canto fue en varias emisoras de radio formando dúo con su hermana Paloma Fleta y en un terreno poco exigente como era la llamada música "ligera". Su atracción por el jazz vino mas tarde cuando escuchó casualmente un disco de Sarah Vaughan que le prestó, Juan Carlos Calderón.

Fue este pianista madrileño quien la llevó de gira a Santander y gracias al interés de Peer Wyboris, integrante del trío de Tete Montoliu, pudo debutar en 1965 en el "Bourbon Street" de Madrid, el mismo club que en los años ochenta cambio su nombre por el de "Whisky Jazz". Wyboris habló a Tete Montoliu de las habilidades de Elia Fleta como cantante y viajó a Barcelona en 1966 para debutar en el antiguo "Jamboree". En 1967 tuvo ocasión de presentar el Primer Festival de Jazz de Barcelona actuando con el trío de Tete Montoliu. Testigo de ese encuentro fue el disco grabado entre ellos, la primera y única vez que Tete grabó con una cantante.

Tras cinco meses de actuaciones en la Ciudad Condal, Elia Fleta volvió a Madrid provista ya en los círculos jazzisticos de una bien ganada fama. En Madrid actuó en los clubes de jazz mas importantes de la época y inauguró los conciertos de jazz del Colegio Universitario de Madrid, el San Juan Evangelista, conocido popularmente como el "Johnny". Impartió clase de canto en el "Jazz Forum", un lugar de aprendizaje universitario para los alumnos y alumnas interesados en el jazz. Es también interesante su trabajo como letrista de canciones y tras un largo paréntesis de actividad musical, permaneció tres años actuando regularmente en el viejo "Whisky Jazz". En 1974 participó en el festival de Cardedeu junto a figuras de renombre del jazz internacional como Johnny Griffin, Lou Bennett o el mismo Tete Montoliu.

Reapareció en Mayo de 1968 en el desaparecido club de jazz valenciano "Tres Tristes Tigres" con el trío de José Luis Vallett y su carrera termina a finales de ese año en el club "Cambaro" de Santander. Además del disco con Tete Montoliu, Elia Fleta grabó otro álbum titulado: "Elia Fleta y el Jazztet de Madrid". Cantante finísima, su debilidad por Sarah Vaughan y Carmen McRae hicieron de ella una cantante de exquisito feeling.

TOMMY FLANAGAN

El pianista, Tommy Flanagan, conocido especialmente por su brillante y extensa labor como pianista acompañante de la cantante, Ella Fitzgerald, desde los inicios de los años sesenta, gozaba ya de una notable reputación jazzistica a mediados de los cuarenta, época en la que junto a músicos importantes del bebop como Dexter Gordon o el trombonista, Jay Jay Johnson, comenzó a dar abundantes muestras de su talento.

Tommy Flanagan, siempre estuvo en la terna de los tres o cuatro pianistas de su época y así estuvo junto al bajista Oscar Pettiford y el trombonista, Jay Jay Johnson entre 1956 y 1958, con el trompetista, Harry "Sweet" Edison entre 1959 y 1960, y con el maestro del saxo tenor, Coleman Hawkins en 1961. Luego vino la larga y fructífera colaboración con Ella Fitzgerald, en dos etapas distintas, la primera entre 1963 y 1965, y la segunda que duró toda una década, desde 1968 hasta 1978. Adscrito al bebop de manera tangencial, su estilo pianístico estaba dotado de un cierto clasicismo pero siempre con una personalidad propia.

Su mejor disco fue el grabado para el sello ENJA, en 1982 y que tituló en homenaje al maestro John Coltrane: "Giants Step". Ese tema se le resistió en su juventud cuando acompañaba al piano al saxofonista tenor en su celebérrimo disco "Giant Step", canto del cisne del hardbop. También es muy meritorio el álbum grabado el 7 de abril de 1998 en el Village Vanguard neoyorquino en formato de trío con Lewis Nash, a la batería y Peter Washington, al bajo. Este disco es además uno de sus últimos registros en directo. Tommy Flanagan, murió apenas iniciado el siglo XXI, el 16 de noviembre de 2001 tras la rotura de una arteria.

ELLA FITZGERALD

Ella Fitzgerald, nació el 25 de abril de 1917 en Newport New (Virginia) y musicalmente comenzó su andadura cuando el 21 de noviembre de 1934, animada por su madre, se presenta a concursar como bailarina en el célebre concurso "Amateur Night Show" que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. cuando le toca salir a escena, paralizada por el miedo, opta por ponerse a cantar. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que canta con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una autentico triunfo, se lleva el primer premio y tiene la suerte de que entre los presentes aquella noche en el Apollo, estaba el arreglista y saxofonista alto, Benny Carter.

Impresionado por aquella niña, Carter intenta convencer primero a Benny Goodman, y luego a Fletcher Henderson, para que la contraten en su orquesta. Por fin, es el "jorobado", Chick Web, quien se decide a contratarla. A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Web. A la muerte de aquél, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta y a partir de entonces, aquella bigband, se denominó, "La gran orquesta de Ella Fitzgerald". En 1942, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.

Su camino se cruza con Louis Armstrong, con quien grabará unos discos memorables, y de donde aprende el difícil arte del "scat", dejando muestras imperecederas de ese arte en temas como: "Lady Be Good", "How High The Moon" o su primera versión de "Flying Home". A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el "J.A.T.P". Con la "Jazz At The Philharmonic", actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: "First Lady Of Song" (Primera Dama de la canción). Firma en 1956, un contrato con el sello Verve que la hará todavía mas popular si cabe.

Sus encuentros con músicos de jazz, dieron lugar a discos y grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son autenticas obras de arte. Pero sin lugar a dudas, el legado musical de Ella Fitzgerald, está contenido en los discos titulados genéricamente como "Song Books"

Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron grabados a lo largo de ocho fructíferos años. Los libros de música, fueron dedicados a: Cole Porter (1956); Rodgers & Hart (1956); Duke Ellington (1957); Irving Berlin (1958); los hermanos, Gershwin (1959); Harold Arlen (1961); Jerome Kern (1963) y Johnny Mercer (1964).

Ella Fitzgerald visitó España varias veces. La última de ellas fue en el verano de 1983 durante los festivales de jazz de Vitoria y de Palma de Mallorca respectivamente y de nuevo acompañada por su trío con el guitarrista, Joe Pass de invitado, ofreció un repertorio cuidadosamente escogido y manejado con la pericia de una cantante de sesenta y seis años de edad. En toda la historia del jazz, no ha existido una vocalista femenina que haya podido exhibir una "hoja de servicios" como la de Ella Fitzgerald. Cantante insuperable de bigband, se encuentra igualmente a sus anchas en un contexto musical mas reducido, en directo o en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería y ser además la mejor interprete de standars, baladas, blues, canciones infantiles o incluso de bossa-nova.

Todos esos momentos mágicos constituyen un monumento artístico del jazz vocal y forman parte del legado musical de una de las mas grandes cantantes de jazz, que sin duda han dado la historia. El propio, Duke Ellington, en su majestuoso "Portrait of Ella Fitzgerald" retrato musical de la cantante, tituló uno de ellos con dos palabras que definen perfectamente el arte de esta mujer excepcional: "....Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".

Ella Fitzgerald, falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie superó a Ella, en un escenario, ni habrá nunca, una cantante de jazz que cante el "scat" como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.

RICARDO "RICHIE" FERRER

Estudia brevemente en el Conservatorio de Valencia pero es a partir de 1975 a la edad de 13 años cuando empieza a sentir verdadero interés por la música y comienza a tocar la guitarra de forma autodidacta, pasando a tocar el bajo eléctrico dos años después hasta los 19 años en que cambia su interés por el rock y el blues hacia el jazz y comienza a estudiar el contrabajo. Entre los años 1985 y 1989 despliega una intensa actividad en Valencia, donde colabora con músicos de la talla de Carlos González o el saxofonista Perico Sambeat.

En los años 1988 y 1989 forma parte del cuarteto del saxofonista norteamericano Dave Schnitter, con el que actúa por toda España y en 1990 realiza una gira con el saxofonista Lou Donalson y se traslada a vivir a Madrid donde forma durante dos años parte del cuarteto estable del saxofonista Pedro Iturralde. Ha trabajado con músicos internacionales como Jim Snidero, Jeanne Lee, Bob Moyer, Barry Harris, Lou Donalson, o James Moody, y son famosas sus jam sessions con Wynton Marsalis, Tete Montoliu o Joe Henderson.

Ha grabado con Perico Sambeat, el grupo "Neobot" y el cuarteto de Chema Sáiz.

AGUSTÍ FERNÁNDEZ
Fotografía de Pablo Otín
Músico profesional desde los 13 años, Agustí Fernández es un músico autodidacta, a pesar de haber estudiado en el Conservatorio de Palma de Mallorca y ampliado su formación en los Cursos de Verano de Darmstadt con Iannis Xenakis o Carles Santos, entre otros. Fue de vital importancia para su formación, el descubrimiento de dos figuras totémicas de la vanguardia: Cecil Taylor en el jazz y Iannis Xenakis en la música contemporánea. En 1985 apareció su primer disco, "Ardent", de piano solo, y su carrera como solista toma importancia en la II Bienal de Artistas Creativos Jóvenes en Tesalónica (Grecia) en 1987.

Ha compuesto para danza, teatro, cine y televisión. Desde 1982 a 1998 ha colaborado regularmente con Carles Santos y actuado en todo el mundo. Ha participado en performances con el artista Jordi Benito y escribió la música para un desfile del diseñador de moda español Antonio Miró. Ha sido también director musical del programa de televisión sobre la vanguardia Glasnost (TVE) 1989-91. En los primeros años de la década de los 90, después de componer "Aura", una obra para el Big Ensemble del Taller de Musics (Barcelona), se convierte durante algún tiempo en su director musical. En 1999 retoma esta colaboración para una obra de homenaje a la última víctima de la dictadura de Franco, el anarquista Salvador Puig Antich, "Mil Veus" grabado para el sello "One Thousand Voices". A mitad de los 90, era director de la Orquestra del Caos (Barcelona) y miembro fundador junto con Joan Saura y Liba Villavecchia del "Improvisers of Barcelona Association" -colectivo de improvisación de músicos y bailarines- donde permaneció como director hasta el 2001.

Su continua colaboración con artistas internacionales de la libre improvisación ha sido fundamental para su madurez y progresión, lo mismo que para su reconocimiento dentro de esta escena. En la actualidad, además de su trabajo en solitario, Agustí mantiene varios proyectos estables: Trío Local (con Joan Saura, sampler y Liba Villavecchia, saxos); un dúo con el violinista alemán Christoph Irmer y una colaboración permanente con el bailarín español Andrés Corchero. Es miembro del "Work in Progress" de Butch Morris. En el verano del 2000, recibió el premio "Altaveu 2000" en España. Durante el curso 2001-2002, Agustí enseña Improvisación en la Escola Superior de Música de Catalunya, siendo el primer profesor de esta materia en escuelas oficiales o conservatorios españoles, al ser la ESMUC el primer centro oficial que imparte como asignatura la improvisación.

JOE FARRELL

Sus comienzos en la música fue a través de la ayuda de su familia quien le aconsejó estudiar el clarinete en 1948, con apenas once años. En 1953 se matriculó en la "Roy Knapp Music Scholl" de Chicago donde estudió saxo tenor bajo la dirección de Joe Sirolla. Pasó después a la Illinois University donde estudio flauta con Charles Delaney con quien debutó en los escenarios en varias jam sessions junto a destacados músicos de la ciudad como Nicky Hill o Ira Sullivan.

En 1960 da el salto a New York donde se lleva un año entero trabajando en el grupo del trompetista, Maynard Ferguson; en 1962 colaboró con el trombonista y arreglista, Slide Hampton pasando después a la orquesta de Tito Rodríguez tras un fugaz paso por el grupo de Charles Mingus, hasta 1964. Ese año empezó a colaborar con con el famoso arreglista, George Russell aunque al poco tiempo lo dejó para incorporarse al proyecto del pianista, Jacki Byard, líder de un cuarteto con el que el saxofonista grabó varias veces. En 1966 grabó un disco con el arreglista y compositor Gary McFarland y meses después entró en la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis con quienes colaboraría de forma permanente hasta 1969.

Es importante también su paso por el combo dirigido por el maestro de la batería Elvin Jones, con quien grabaría varios discos hasta bien entrada la década de los setenta. En 1970 se unió al grupo de Chick Corea, al que conoció cuando estaba con Elvin Jones. Con Chick Corea grabó a su nombre dos discos. En 1972 entró a formar parte del grupo "Return to Forever". En 1974 forma por primera vez su propio grupo, un cuarteto con el guitarrista, Joe Beck, el contrabajista, Herb Bushler y el baterista, Jimmy Madison. Entre mediados de 1970 y finales de esa década, colaboró con músicos y artistas alejados del jazz como, Carlos Santana, Airto Moreira, o James Brown. A principios de 1980 se traslada a Los Ángeles donde retoma la actividad jazzistica actuando de manera incesante en clubes, festivales, jam session e incluso al frente de algunas bigbands.

Instrumentista muy capacitado, Joe Farrell estuvo dotado de una excelente técnica que le permitía moverse con facilidad en todas las escalas de su instrumento. Mientras que al saxo soprano acusa una decisiva influencia de John Coltrane, en la flauta, un instrumento que dominó a la perfección, fue considerado como un maestro.

ART FARMER

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzistica, Art Farmer, junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York. En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton.

En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles. Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzistica de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado "What Is There To Say" para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas "I Want to Live" y "The Subterraneas". Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado "Modern Art".

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo "The Jazztet". Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. "The Jazztet", disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado "Meet The Jazztet" un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme. Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alterno la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band.

En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir "The Jazztet" y la muerte le sorprendió en 1999.

TAL FARLOW

El guitarrista, Tal Farlow, se inició en el jazz fascinado por la figura y la forma de tocar del gran Charlie Christian. Su carrera profesional la inició en 1948 cuando se incorporó a la banda de Marjorie Hyams y desde entonces hasta el final de su vida fue considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del jazz. Entre 1949 y 1953, formó parte del trío de Red Norvo. Cuando se despidió de Norvo, estuvo durante seis meses con la orquesta de Artie Shaw.

Con un prestigio ya consolidado y con una reputación musical importante, Tal Farlow, inicia en 1953 su larga, prolija y extraordinaria carrera como líder de su propio grupo comenzando muy pronto en ese mismo año su debut discográfico con el álbum grabado para Blue Note titulado genéricamente "Tal Farlow Quartet". Fue su primer y único disco para Blue Note. El año siguiente firmaría un contrato con la Verve donde grabaría lo mas selecto de su discografía destacando por encima de todos el magnifico álbum: "Autumn in New York". Sólo por su versión de "Cherokee" ya vale la pena hacerse con este álbum donde Chico Hamilton a la batería y Ray Brown, al contrabajo contribuyen notablemente al éxito de la sesión de grabación.

Poseedor de una técnica irreprochable, una alucinante velocidad de digitación y sobre todo un fraseo imparable y rebosante de swing, Tal Farlow, es un guitarrista desconocido para el gran publico. Oscurecido por la larga sombra de Charlie Christian y Django Reinhardt, Tal Farlow es una de las figuras del jazz que es necesario redescubrir para disfrute de una música absolutamente maravillosa. También su carrera, llena de apariciones y deserciones continuas, no contribuyó demasiado a que los aficionados al jazz vieran en él a un músico a seguir. Hoy afortunadamente, sus álbumes están siendo reeditados con notable acierto por el sello Verve. Tal Farlow, murió a la edad de 77 años victima del cáncer.

JON FADDIS


Nacido en una familia de músicos, el trompetista, Jon Faddis, comenzó a los ocho años empezó a estudiar trompeta con la ayuda de sus hermana y un profesor particular. A los quince años empezó a estudiar con Bill Catalano, quien le introdujo con entusiasmo en la música del trompetista Dizzy Gillespie. Poco después estudio con Carmine Caruso y entre 1972 y 1973 con Mel Broiles en la prestigiosa escuela: "Manhattan School of Music". En 1975 perfeccionaría su estudios de piano, armonía y teoría bajo la guía de Stanford Gold.

A los trece años debutó delante del publico en su ciudad natal, Oakland con grupos locales de rhythm and blues. Tras terminar sus estudios entró a formar parte de la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton, con quien se marchó a New York a mediados de los años setenta y allí en la gran manzana tocaría sucesivamente con Thad Jones y el baterista Mel Lewis hasta 1975; con el arreglista Gil Evans, en 1976 con quine se fue de gira por Europa durante cuatro años tocando regularmente en el club "Jamboree" de Varsovia y con el contrabajista Charles Mingus con el que llegó a grabar un disco. Su deseo fue siempre tocar al lado del hombre que desde adolescente le inspiraba, el trompetista Dizzy Gillespie, con cuya orquesta logró tocar a finales de 1979.

Sus colaboraciones con músicos de talla como el contrabajista, Ron Carter, los pianista Oscar Peterson, Kenny Barron o Randy Weston, el guitarrista, Buck Pizzarelli o el organista, Charles Earland fueron muy importantes en su carrera. Su paso por la Mel Lewis- Thad Jones Orchestra como primer trompetista, le dio la oportunidad de darse a conocer en el mundo del jazz y fiel al estilo "gillespiano" de tocar, Jon Faddis se ganó a pulso una bien merecida fama de instrumentista virtuoso y desde luego una de las grandes trompetas de sección, por encima incluso de su papel como músico solista. Su disco "Legacy" grabado en 1985 para el sello "Concord" en homenaje a su maestro Dizzy Gillespie, quien escribe las líneas de la contraportada, es su obra cumbre como líder de sesión.

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