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TOMMY RODRÍGUEZ


El saxofonista tenor Tommy Rodríguez aprendió clarinete a los 13 años de edad y se inició tocándolo con las grupos musicales locales de marimba. Asimismo, descubrió la música norteamericana y cubana, escuchando las estaciones de radio locales de Tampico, que retransmitían la música de las Grandes Bandas y los shows de radio de La Habana. Un año después recibió una beca de las comunidades locales (ciudades de Poza Rica y Papantla en Veracruz) para estudiar en la Escuela Libre de Música en la Ciudad de México. Se convierte en profesional a la edad de 15 años, tocando saxofón alto con orquestas en Xochimilco, donde conoce a Cuco Valtierra quien lo influenció para cambiar al saxofón tenor. Tres años después ya estaba tocando en el Cabaret Bremen en la Ciudad de México.

En 1951, después de un breve retorno a Veracruz, donde tocó principalmente con la Orquesta de Armando López, Rodríguez regresa a la Ciudad de México y fue contratado por la Orquesta de Ismael Díaz. En la banda conoce al trompetista César Molina, de quienes se convirtió en amigo inseparable. Durante el mismo período, Rodríguez ya es ejecutante y solista con las grandes Orquestas de Pablo Beltrán Ruíz y Everett Hogland. Un par de años después, trabajando en clubes nocturnos en Ciudad Juárez y en El Paso, Texas, tuvo la oportunidad de conocer a Dizzy Gillespie, Ray Brown, Charlie Parker, Lester Young e Illinois Jacquet, quienes junto a Chuck Berry y Ben Webster, se convirtieron en una enorme influencia en su vida y en su música. De regreso en la Ciudad de México en 1955, Tommy Rodríguez se unió a la Gran Orquesta de Luis Arcaraz, y la banda fue nominada por la revista norteamericana "Down Beat" como una de las cuatro mejores del mundo. Entre los músicos de esta orquesta estaban Tino Contreras, Héctor Hallal, Mario Patrón y el bajista Víctor Ruíz Passos.

Un significativo paso en la carrera de Tommy fue la grabación, en 1954, de los álbumes: "Jazz en México". Los tres volúmenes son parte de los mejores álbumes de jazz grabados en México en todos los tiempos. El jazz estaba en su cúspide en México, cuando Tommy y fundaron el 16 de diciembre de 1956, el famoso Jazz Bar, que rápidamente se convirtió en el lugar favorito para escritores, políticos, músicos y fanáticos del jazz. Louis Armstrong visitó México en varias ocasiones al final de los años cincuenta y acostumbraba presentarse en el Club Social Ritz en el centro de la Ciudad de México. José "Pepe" León, el dueño del lugar , le presentó a Tommy Rodríguez, Mario Patrón y Víctor Ruíz Passos. Tommy desarrolló una buena amistad con Armstrong, visitando juntos varios lugares y participando en jam sessions, pero lamentablemente ninguna de estas sesiones fue nunca grabada.

A principios de 1957, el compositor y arreglista cubano Arturo "Chico" O'Farrill, se afincó en México y estableció una estrecha amistad con Tommy, hasta el punto de que éste le ayudó a seleccionar músicos para formar una big band. En ella, Tommy fue durante muchos años su primer saxofonista y participó en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en los conciertos celebrados en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica mexicana. Tommy Rodríguez es también conocido por su trabajo en los estudios de grabación como solista; entre los años cincuenta, sesenta y setenta, estrellas internacionales como Benny Moré, Libertad Lamarque, The Carpenters, Tom Jones, Diana Ross, Barry White, Ray Conniff, Sammy Davis Jr. o The Jackson Five, siempre buscaron a Tommy cuando hacían giras en México.

En 1977, Tommy Rodríguez fundó el "Sax Sexteto de Cámara" un original proyecto integrado por dos tenores, dos altos, un barítono y un barítono bajo; la banda ejecutaba composiciones de música clásica y estándares del jazz como "Lover Man" ó "A Night in Tunisia". La orquesta se disolvió en 1983 sin haber efectuado grabaciones. En los años ochenta, Tommy Rodríguez participó en dos importantes grabaciones como arreglista y solista: "Jazz Mariachi" y "La Sinfonía del Quinto Sol", ambos álbumes con Tino Contreras. El primero era una tentativa de fusionar una sección rítmica de jazz con un mariachi completo, mientras que el segundo, una idea de la pintora Estrella Newman, era un tributo a las tradiciones de los aztecas. Durante más de 25 años, Tommy grabó música para varias películas en colaboración con varios compositores, como Sergio Guerrero, Rubén Fuentes, Manuel Esperón y Raúl Lavista, entre otros.

Además de sus contribuciones a la Historia del Jazz en México, y de su aporte al desarrollo de las grandes Orquestas durante su época dorada en su país, Tommy Rodríguez deja un legado sonoro permanente en su amplísima discografía, en su participación en el cine, en el teatro y en la televisión mexicana. Su creatividad sigue intacta como lo demuestra que a sus 74 años, actué todos los fines de semana al frente de su súper banda, un cuarteto, en el Restaurante Bar New Orleáns de la capital mexicana.

TITO RODRÍGUEZ


El reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, Tito Rodríguez, ya tocaba maracas con 16 años, y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johny quien se había mudado allí en 1935. El primer trabajo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista se alistó en el Ejército de los Estados Unidos.

En 1946 el pianista y compositor cubano Curbelo reclutó a Rodríguez y a Tito Puente para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido del mambo en Nueva York. En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdes. Después dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, llamado los "Mambo Devils" en 1948. En 1949 firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada. En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello: "Live at the Palladium" fue un éxito magnífico.

En 1963 él lanzó el disco de jazz latino: "Live at Birdland" que incluyó a los músicos de jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohn y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un éxito extraordinario con su álbum : "From Tito Rodríguez with Love" en el cuál, Israel "Cachao" López, como acompañante dio una lección maestra al contrabajo. Malos contratos de negocios y el constante choque con sus músicos lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Sintiéndose rechazado por su propia gente, Tito Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. Rodríguez demostró los primeros signos de su enfermedad en 1967 al hacer uno de su últimos programas de televisión. La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Garden de New York el 2 de febrero de 1973. Poco despues la leucemia le quitó la vida.

RED RODNEY


El trompetista, Red Rodney, pasó a la historia del jazz cuando se unió en 1949 al quinteto de Charlie Parker. Estudió música en Mastbaum, y a los quince años empezó a tocar profesionalmente pasando por varias orquestas como las de Jimmy Dorsey, Tony Pastor, Les Brown, Claude Thornill y Gene Krupa. En 1948, entró en la formación de Woody Herman con quien grabó "The Crickets" y More Mon".

En 1949, Charlie Parker, lo llamó para que sustituyera en su quinteto a Kenny Dorham y durante mas de un año, Red Rodney, vivió junto a Parker la eclosión del bebop actuando en infinidad de locales y clubes. Con Parker, inauguró el "Birdland" y también realizó giras por el Sur de los Estados Unidos y Europa. Sus problemas con las drogas le apartaron de la actividad musical y fue ingresado en un Hospital de Lexington. Reaparece con fuerza y se une a los grupos de Charlie Ventura, de Oscar Pettiford, y mas tarde con el de Stan Kenton. Durante algunos años estuvo en pequeños grupos locales y en algún que otro programa televisivo como el dirigido por Sammy Davis, Jr.

En los sesenta, y tras alguna veleidad con la música pop, se enroló en la orquesta de Count Basie (1964-1965) y tras otro paréntesis forzado por su salud, organizó en la compañia de George Wein, un espectáculo musical titulado: "Musical Life of Charlie Parker" que recorrió el viejo continente entre 1974 y 1975. Su participación, tanto como músico como actor en la película homenaje a Charlie Parker, dirigida por Clint Eastwood (Bird, 1988) fue uno de sus ultimas apariciones.

BETTY ROCHE


Criada en Atlanta City y trasladada a New York en 1939, la cantante Betty Roche, perteneció entre 1941 y 1942 al grupo los "Savoy Sultans". En una de sus actuaciones la oyó cantar Duke Ellington, y Betty Roche se convirtió en 1943 en la primera mujer cantante que interpretó la parte del Blues en la suite Black, Brown and Beige, durante un concierto en el Carnegie Hall en 1944. Ocupó en la banda de Ellington el lugar dejado por otra magnifica cantante ellingtoniana: Ivie Anderson.

Su excelente interpretación en la banda de Ellington y su repercusión publica posterior al concierto, le permitió granjearse la estima de la critica especializada que siempre la consideró como una de las mejores cantantes que tuvo la gran orquesta de Ellington. Tras su paso por la banda del "Duke", Betty Roche empezó a trabajar en solitario, y al año siguiente grabó una versión del tema "Trouble Trouble" para la serie "V-Disc" la marca discográfica que la compañía RCA-Victor sacó especialmente para divertimento de la tropa americana desplazada en Europa con motivo de la II Guerra Mundial. Una vez terminada la contienda y pasada la depresión económica, Betty Roche colaboró a lo largo de la década de los cincuenta con la orquesta del pianista, Earl Hines, con quien llego a grabar algunos álbumes de gran interés, entre ellos: "I Love My Lovin' Lover".

Tras un breve paso por la orquesta de Earl Hines, volvió a colaborar con Ellington en 1952 durante todo el año y a partir de mediados de los años cincuenta desapareció de la escena musical. Ya solo reaparecía fugazmente para acompañar a Mel Tormé en alguna ocasión. En esa nueva etapa, grabó con Ellington el disco: Ellington Uptown para Columbia en 1953. Su lugar en la orquesta de Ellington, fue ocupado por la cantante Joya Sherrill. Sólo grabó a su nombre cuatro álbumes, siendo el ultimo de ellos, el realizado en 1961 un disco con el contrabajista, Wendel Marschall para el sello Prestige, siendo ésta su ultima visita a los estudios de grabación.

JON ROBLES


El saxofonista vitoriano, Jon Robles recibió en su formación clases de los maestros: Adolfo Ventas, Lluis Vidal, Sean Leavitt, Perico Sambeat, Bennie Wallace, Ralph Lalama, Lluis Verges, Ed Thigpen y George Garzone entre otros. En el año 2000 obtiene el Premio de Honor en grado medio de su instrumento. Ése mismo año finaliza el grado superior con la calificación de Matricula de Honor.

A lo largo de su carrera ha obtenido los siguientes Premios y becas:

1991 Premio de la Prensa y Gobierno Balear. Festival de Jazz de Ibiza. Este mismo año se traslada a Barcelona.

1992 Beca para estudiar con David Liebman en Siena (Italia). Premio al Mejor Grupo, en la 1ª Mostra de Jazz per joves de Catalunya (Joan Monne Quartet ).

1994 Premio al Mejor Solista con el grupo David Mengual Quartet. Dicho grupo es vencedor de la 3ª Mostra de Jazz.
Premio Revelación, otorgado por la Asociación de músicos de Jazz de Catalunya.

1995 Premio al Mejor Solista del año.
Con el David Mengual Quartet, es seleccionado como único grupo español, para participar en el Festival Internacional de Getxo.

1997 Graba el Disco “Monkiana” con David Mengual que es seleccionado como Mejor Disco del Jazz Español.

1999 Premio al Mejor Solista del año.
Graba el Disco "D’es de aquí" con David Mengual que es seleccionado como Mejor Disco del Jazz Español.

2000 Graba los Discos "Mosaic Trío" y "Mosaic Nonet" con David Mengual que son seleccionados como Mejor Disco del Jazz Español.

2001 Becado por el A.I.E.,con la beca "Tete Montoliu".
y posteriormente vuelve a se becado de nuevo por dicho organismo con la beca de Alta Especialización.
Becado asimismo por la Berklee School of Music de Boston.

A lo largo de su dilatada carrera y como experiencia profesional ha grabado y tocado con numerosos artistas y músicos, no sólo de los ámbitos del jazz, entre los que hay que destacar su actuación en 1994 en el festival de jazz de Vitoria junto a Manhattan Transfers y la Orquesta de la RTVE; con Ben Sidran en la sala Jamboree de Barcelona; una gira con la Bigband de Miguel Ríos y otra con la cantante cubana Lucrecia y con el saxofonista Paquito D'Rivera. Fuera del jazz actuó con Alejandro Sanz en su gira mundial del 2000 y posteriormente en la de 2004; acompañó también a Juan Manuel Serrat, Ketama, Olga Guillot, y Dyango entre otros artistas.

En la TV actúa en diversos programas, como el dirigido por Javier Gurrutxaga titulado: "La noche por delante"; "La Noche abierta" y Séptimo de Caballería" en TV2; o en el programa "Paral-lel" en la TV3. Su presencia en los festivales de jazz mas importantes de Europa es habitual de forma que ha participado en los de: Ibiza, Pamplona (con el Iñaki Salvador Quartet), Zaragoza, Barcelona, Baiona (con Deborah Brown), Leverkusen (Alemania), Luxemburgo, Getxo, Girona, Lleida, San Sebastián, Vitoria, Bruselas. Actualmente es saxo alto de la "Pirineos Jazz Orchestra"; toca con el trío de Lluis Vidal, y es Jefe de Área del "Taller de Músics" de Barcelona donde imparte clases de dicho instrumento y es responsable de combos.

Su participación en la Orquesta de Cambra del Teatro Lliure, bajo la dirección del maestro Josep Pons, es muy importante y también su presencia como músico en el Teatro de La Zarzuela de Madrid junto a la compañía del Ballet Nacional de España, dentro del espectáculo "La Leyenda". En el 2002 impartió clases en el Seminario Internacional de Zarautz (Guipúzcoa), al lado del maestro Benny Golson. y actualmente imparte clases de post-grado (personalizadas) de música moderna y jazz para profesores y maestros especializados en música clásica. Su amplísima discografía, iniciada en 1993 con la Iruña Bigband, tanto como líder de su formación como jazzman es de una gran calidad, destacando los discos ya citados grabados con David Mengual en trío, cuarteto o noneto y con Iñaki Askunse en 1999.

Jon Robles está a punto de sacar al mercado un nuevo trabajo con Randy Brecker y un trabajo con la cantante Norah Jones.

SPIKE ROBINSON


La peculiar carrera jazzistica de Henry Berthold Robinson, (Kenosha, 1930), verdadero nombre de Spike Robinson, tuvo un inicio tardío. Miembro esporádico del famoso combo originario de la Costa Oeste americana y que se denominó "Four Brothers", consolidó junto a los también saxofonistas tenores, Al Cohn, Stan Getz y Zoot Sims, una forma originalisima de tocar el saxo.

En 1951, mientras hacia el Servicio Militar en Inglaterra, consiguió una apreciable popularidad que le permitió grabar varios discos. Una vez licenciado, regresó a los Estados Unidos y en Colorado consiguió un contrato de trabajo para tocar en varios clubes locales. Sus ultimas grabaciones conocidas acompañando como sideman a otros instrumentistas, datan de finales de los años cincuenta, y desde entonces abandonó la actividad musical hasta cerca de treinta años después, cuando en 1981, reaparece en un disco grabado a su nombre para el sello Hep y titulado: "Plays Harry Warren" dedicado a la música de un célebre compositor y arreglista norteamericano ensombrecido por el prestigio de Cole Porter, George Gershwin y otros.

Entre 1981 y 1997 desarrolla toda su carrera discográfica al amparo de varios sellos secundarios: "Capri", "Hep" o "Discovery" y es especialmente interesante el grabado en directo en 1989 titulado "Three for the Road" junto al guitarrista, Louis Stewart, el bajista, Pete Morgan, el baterista, Mark Taylor y el trompetista, Janusz Carmello. Saxofonista tenor brillante, Spike Robinson, falleció en los albores del siglo XXI.

MARCUS ROBERTS


El pianista, Marcus Roberts, (Jacksonville, 1963), es uno de los jóvenes talentos del jazz mas involucrados en el panorama jazzistico actual. Marcus Roberts, se dio a conocer como pianista del grupo del saxofonista, Wynton Marsalis.

Nacido en Florida en 1963, y ciego desde niño, su carrera ha corrido paralela en cierto modo a la del saxofonista Marsalis. Dirigió la Lincoln Center Orchestra, y su trabajo compositivo para grandes formaciones y orquestas es extraordinariamente bueno. Excelente pianista en cualquier estilo, se le identifica sobre todo con sus personales recreaciones de composiciones de , entre otros, de Scott Joplin, Thelonious Monk y Gershwin.

En 1988, firmó contrato con la discográfica , Novus, y su primer disco titulado: "The Truht is Spoken Here" tuvo un muy buen grado de aceptación por parte del publico y la critica. Es obvio que el apoyo en la batería del gran, Elvin Jones y de Charlie Rouse, al saxo tenor, hacen del disco de su debut, un extraordinario registro. Sus grabaciones para Novus, continuaron y a un ritmo de disco por año, Marcus Roberts, llega a 1993, año en que graba su mejor - y momentáneamente su ultimo disco - para el sello Novus, titulado: "If I Could Be With You", en el que se sienta al piano en solitario para grabar un gran registro. Una vez terminada su relación contractual con Novus, Marcus Roberts, firma un contrato con Columbia que también da excelentes resultados.

Alternando las grabaciones para Columbia- con quien graba en 1999 un extraordinario álbum en homenaje a Duke Ellington (In Honor of Duke) - y Novus, Marcus Roberts, llega hasta nuestros días convertido en un excelente pianista en el que los resbalones, que los hay, son ensombrecido por sus logros.


LUCKEY ROBERTS


Luckey Roberts fue un pianista que apareció muy pronto en los escenarios. Nacido en Philadelphia el 7 de agosto de 1893, entre sus recuerdos tiene muy presente cuando fue su primera actuación en su primer show musical. Y así recuerda que su primera actuación la hizo como participante de un tipo de revista de la época llamados "Smart Set" cuando él tenía cuatro años de edad. Al año siguiente, esto es con cinco años, Luckey ya vivía profesionalmente del mundillo de la música, bien cantando, bailando... en un vaudevil que hacia un circuito por todo Estados Unidos. Así ya con esa edad se hizo un experto en los instrumentos de percusión, todo ello unido a ser un niño de una personalidad muy inquieta, pues, nada más y nada menos, con esa edad y esa "experiencia" va con la compañía a trabajar a Europa.

A esa edad escucha ya con atención a los pianistas que le acompañaban y toma su primer contacto con tal instrumento, familiarizándose rápidamente con él. Tal es así que en poco tiempo y a la edad de seis años ya es un pianista conocido en fiestas y carnavales. Eso si, Luckey Roberts por su edad solo podía tocar el piano en una nota la "B natural" (los pies no le llegaban a los pedales), y así recuerda que se aprendió todo el show tocando en tal tono lo que obligaba a los y las cantantes a que acomodasen su voz al mismo. Músico de gran inquietud como tal y como artista, trabajó muy duro para conocer el instrumento, y para ello aparte de las prácticas que hacia escuchaba a multitud de pianistas de la época como Jess Pickett, One Leg Willie, Sam Gordon, Jack The Bear, Lonnie Hicks, etc. De esta forma Luckey al poco dominada el instrumento y rápidamente aprendió a tocarlo en todas las notas posibles. Al mismo tiempo se hizo un espabiladísimo jugador de billar, y participaba en tal juego sacándose su dinero, entre actuación y actuación.

Igualmente comenzó a escribir música especialmente rags, y en 1913 son grabados dos que serán un éxito completo y de los mejores jamás escritos nunca: "Junk man rag" y "Pork and beans" . Posteriormente hizo la grabación de su rag "Ripples of the Nile" , este no solo le dio más fama sino una buena cantidad de dinero, y ello porque en 1942 es grabado por Glenn Miller pero con otro nombre ("Moonlight Cocktail"), pero los derechos de autor los cobró Luckey, como tenía que ser. Igualmente escribió música para diversos shows que se representaron en Broadway, y por más de tres décadas encabezó una de las más afamadas orquestas de sociedad de la Costa Este de Norteamérica. Luckey tuvo su propio club, el "Rendezvous" en Harlem entre 1942 y 1954. El club tenía una particularidad: mientras Luckey tocaba, todo el mundo que tenía algún trabajo en el club, especialmente los camareros y la gente que trabajaba en la cocina, cantaban al mismo tiempo con él. Un visitante asiduo del club en los cincuenta fue Red Garland. Luckey recuerda que Red muchas veces no quería irse a su casa y le preguntaba constantemente cosas sobre el piano y nuevas formas de tocarlo. El club fue cerrado por razones de salud de Luckey. En muy poco tiempo sufrió dos accidentes de tráfico, y para su desgracia en uno de ellos sus manos se vieron seriamente dañadas.

Aún así, a las pocas semanas de este accidente, Luckey se fue para acabar unas grabaciones que tenía pendientes. Realmente Luckey era de un carácter indomable. Jamás bebió o fumó, fue una persona siempre de buen humor y optimista por naturaleza, ayudaba siempre que podía y a quien lo necesitase. Para mucha gente esta considerado como uno de los escasísimos hombres claros, transparentes y honestos que conocieron. Sin embargo, luego y pese a ser el primer músico que vendió música "honky tonk" con éxito comercial, fue olvidado y en 1946 grabó su último disco en 78 r.p.m. para el sello "Circle". Ante tanta injusticia, el productor Lester Koenig sabiendo lo que fue y quien era Luckey, para él un mito viviente, hizo con él y con Willie The Lion Smith en 1958, una serie de grabaciones a piano solo los famosos "Harlem piano solos", quizás una de sus mejores grabaciones de todos los tiempos."
MAX ROACH


Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro isntrmneto solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.

SAM RIVERS


Hijo de un cantante y de una pianista, el saxofonista, Sam Rivers (El Reno, Oklahoma,1930) nació durante una gira musical de sus padres. Afincado en Chicago, estudio música y técnica instrumental en una escuela católica. En su vecindario tocaba en bandas juveniles y tenía tiempo y recursos para enseñar música en la "Berklee School" de Boston, donde también tocaba la batería, Tony Williams.

Meses mas tarde, colaboró con dos grandes cantantes de blues, los guitarristas, T-Bone Walker y B.B. King, trasladándose, animado por estos, a New York. En 1964 realizó un gira con Miles Davis, al que recomendó su amigo de escuela, Tony Williams, participando en el disco que el trompetista grabó en Tokyo. Entre 1967 y 1971 estuvo con Cecil Taylor y luego con el pianista, McCoy Tyner. Fue un músico, a pesar de sus aptitudes, infravalorado y se le negaba el reconocimiento que otros conseguían con mas facilidad y no siempre con idéntica calidad.

En 1973 su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando participó en el Festival de Jazz de Montreux al que se presentó formando trío con el contrabajista, Cecil McBee y el baterista, Norman Connors, con quienes obtuvo un éxito clamoroso. A partir de ese momento las invitaciones para participar en festivales, giras, conciertos y todo tipo de eventos, se suceden vertiginosamente. Al mismo tiempo se multiplican sus grabaciones en estudio y empiezan a llegar con asiduidad al mercado una serie de discos importantes, destacando los grabado en 1976 con el contrabajista, Dave Holland, para el sello: Improvising.

Artista no atado a ningún sello discográfico, sus grabaciones se han ido sucediendo a lo largo de estos últimos años con los sellos: Blue Note, ECM, RCA, Black Saint, Timeless etc, y su actividad como saxofonista o compositor siempre ha tenido el don de la creatividad.

LEE RITENOUR


El guitarrista, Lee Ritenour, estudió el instrumento con varios profesores cualificados, entre ellos el maestro de la guitarra de jazz, Joe Pass. Desde los doce años trabajaba como músico profesional en grupos como los "Esquires", el "Afro Blue Quintet", el trío de Craig Hundley y en el famoso grupo de Sergio Mendes: "Brasil 77". A los 16 años hizo su primera sesión junto al grupo: "The Mama's and the Papa's". y dos años después colaboró en las actuaciones de Tony Bennett y Lena Horne en el Dorothy Chandler de Los Ángeles. En 1973 formó un grupo con John Pisano, antiguo guitarrista de Herb Alpert, y al año siguiente con Dave Grusin, antiguo pianista del ya citado grupo "Brasil 77". Con Grusin, veterano pianista, compositor, productor y cofundador del sello GRP inició una magnifica relación profesional compartiendo con él la autoría de algunos discos como Harlequin.


Influenciado en sus años jóvenes por los estilos relajantes de Wes Montgomery, Joe Pass y Barney Kessel, ha conseguido poseer un estilo propio y fluido. Su debut discográfico como líder fue en 1976 para el sello Epic con el álbum: "First Course". Lee Ritenour ha desarrollado a lo largo de su carrera otros estilos musicales distintos al jazz; sus coqueteos con la fusión del jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños. De hecho, muchos de los músicos que comparten discografía con él, son originarios de Brasil. En 1979 graba para GRP, el álbum "Río", el disco mas importante de esa época donde el jazz y la bossa se daban la mano.

Guitarrista polifacético, durante su carrera, Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro, y abundantes números uno en concursos de guitarra. Sus discos, cerca de una veintena, están grabados mayoritariamente para GRP, y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum: "Larry & Lee", a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton.

DANNIE RICHMOND


El baterista Dannie Richmond (1935-1988), empezó de niño a tocar el saxofón tenor y a los veintiún años decidió pasarse a la batería, un hecho que pudo favorecerle en su carrera ya que adaptó ese instrumento sin ideas preconcebida sobre el papel de ese instrumento.

En 1956, conoció al contrabajista, Charles Mingus con el que colaboró en su grupo "Workshop" casi un año. Estuvo después con Chet Baker algunos meses, pero volvió nuevamente con Charles Mingus de quien ya no se separaria hasta practicamente la muerte del bajista en 1979. Estar mas de veinte años siendo el batería de un genio del jazz como Charles Mingus, significa escribir paginas indelebles en la historia del jazz moderno y cubrir una carrera profesional excepcional. Al margen de su carrera profesional con Charles Mingus, aceptó algún que otro esporádico trabajo con músicos de otros estilos como, Elton John, Joe Cocker o Mark-Almond.

Todas las experiencias de Charles Mingus, en el mundo del jazz, del bebop al freejazz, han sido vividas en primera persona por Dannie Richmond, que con su técnica refinada, su precisión y su versatilidad en las baquetas, se convirtió en un pilar insustituible de todas las formaciones mingusianas. Los discos de Mingus, son de alguna forma también los discos de Dannie Richmond y en las arcas de Columbia; Impulse!; Atlantic y otros mas, están algunas de las obras maestras del jazz moderno. Después de la muerte de Mingus, Dannie Richmond, formó el grupo de "Mingus Dynasty" un cuarteto formado también por exmúsicos del gran contrabajista.

BUDDY RICH

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano, el baterista, Buddy Rich (1917-1987), a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway. En 1928 dirigió su primera orquesta y diez años mas tarde debutó como baterista en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter.

En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta. En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contratado por la banda de Harry James. Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los Jazz at the Philharmonic. En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum - con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces"- Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas.

Una grave crisis cardiaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la actividad formando, primero un pequeño combo y poco después un "All Stars" en una gira de conciertos por Extremo Oriente. En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros.

Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musicalmente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos baterías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro"

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