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CONRAD HERWIG


El magnifico trombonista, Conrad Herwig, comenzó su carrera profesional en 1980 junto a la Big Band de Clark Terry y posteriormente con la de Buddy Rich. Se radicó en New York y tocó con Slide Hampton y con las formaciones de Mario Bauzá, Toshiko Akiyoshi, Mel Lewis, Bob Mintzer, Henry Threadgill, Miles Davis, Quincy Jones y Frank Sinatra. Intrigado por los sonidos y el ritmo del jazz y de la música latina, Conrad Herwig decidió satisfacer su curiosidad. A mediados de los años noventa y ya con mas de diez años de experiencia como trombonista y director y mientras cursaba Estudios Afro Caribeños en el Goddard College, comenzó a explorar la fusión entre la música latinoamericana y el jazz. El resultado fue el álbum: The Latín Side of John Coltrane (El Lado Latino de John Coltrane), nominado al Grammy en 1996.
Antes en 1991 formó parte de
la Mingus Big Band, una macroformación en clave de bigband en la que intervienen hasta más de veinte músicos, y que dedica toda su actividad a explorar la música del gran bajista Charlie Mingus.
Herwig, es ya un aclamado trombonista con cerca de 20 álbumes en su haber, siendo uno de los más elogiados, el titulado: The Latín Side of Miles Davis (El Lado Latino de Miles Davis) para el sello Half Note que fue nominado para el premio Grammy. En él toca junto al trompetista Brian Lynch. En este álbum, Herwig hace una interpretación afro caribeña de los trabajos clásicos de Miles Davis.

Uno de sus últimos trabajos fue su participación como solista en el noneto de Joe Lovano que recibiera el Grammy por el CD "Temas de la calle 52". Su último disco hasta el momento es el álbum "Que viva Coltrane" grabado en 2004 para el sello que últimamente viene recogiendo su música: "Criss Cross".

WOODY HERMAN


El padre de Woody Herman, artista frustrado, quería que su hijo llegase adonde el no había podido y cuando el chico cumple ocho años, lo sube a un escenario para cantar y bailar un numero infantil de un show itinerante de "vaudeville". desde entonces, Woody Herman no abandonará los escenarios para el resto de su vida. Estudia música y aprende a tocar el saxo alto con once años, el clarinete a los catorce y empieza a tomar fama de niño prodigio. Con quince años recién cumplidos, encuentra su primer trabajo como profesional haciendo por Texas una gira con la banda de Joe Lictcher.

En 1929 consigue su primer contrato importante y duradero con la orquesta de Tom Gerum, con quien se queda hasta 1933 cuando inicia un poeriodo algo errático pasando sucesivamente por las orquesta de Harry Sosnick, Gus Arnheim, Joe Moss y por fin la de Isham Jones cuando este decide disolverla en 1936. Con cuatro músicos de esta ultima banda logra formar su primera bigband que debuta en el "Roseland "Ballrom" de New York el 8 de noviembre de 1936.

El éxito le acompaña y la grabación de 1939 titulada "Woodchopper's Ball" es la consagración de la critica hacia su grupo que le empiezan a llamar "The Herd" (El rebaño) denominación que le acompañara durante toda su vida. Durante la década de los cuarenta, sucesivas formaciones darían lugar a que la orquesta de Herman fuera un semilero de grandes músicos que compite en igualdad de condiciones con su banda rival, la del cantante, Billy Eckstine. A finales de esa década decide tomarse unas vacaciones y disuelve la orquesta pero solo por un año ya que en 1947 presenta al público la denominada "The Second Herd" también conocida como "The Four Brothers Band" con los celebres "cuatro hermanos": Stan Getz, Herbie Stewrad y Zoot Sims a los tenores y Serge Chaloff al barítono. Aquella orquesta, con los arreglos de Ralph Burns, produce una conmoción en el mundo del jazz sobre todo con la grabación del tema que Stan Getz inmortalizaría para siempre: "Early Autumn".

En la década siguiente, la tónica es la misma; sucesivos cambios de músicos y formación mantiene a la orquesta en el primer nivel del jazz. Viaja a Europa en 1954 y a la vuelta ofrece un extraordinario concierto en el Festival de jazz de Monterey y en los años sesenta graba un disco enorme titulado "Woody's Winners" (Columbia 1965). En 1976 celebra su 40º aniversario como líder de la banda y sus músicos y amigos le ofrecen un extraordinario concierto homenaje en el Carnegie Hall de New York (Bluebird 1976). Su salud empieza fallarle y no tiene mas remedio que reducir su actividad y eso mezclado con sus problemas con Hacienda -murió en la ruina y sin dinero para pagar el alquiler de su vivienda - le retiró definitivamente de la escena del jazz. Eso fue el 29 de octubre de 1987 y el jazz perdió a un músico extraordinario.

JON HENDRICKS

El cantante Jon Hendricks, es una figura insoslayable cuando se habla de dos expresiones íntimamente ligadas a la historia del jazz: el "scat" y el "vocalese". En ambas disciplinas, Jon Hendricks es considerado un verdadero maestro, y fueron precisamente esas cualidades lo que le llevó a actuar y grabar con las estrellas del jazz más brillantes de todos los tiempos. Por poner algunos ejemplos: Art Tatum, Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, o Sonny Rollings. En 1957 se asoció con los también cantantes, Dave Lambert y Annie Ross formando un magnifico trío que reinterpretaba las canciones de la orquesta de Count Basie. El extraordinario disco "Sing a Song of Basie" (Verve-1957) es una muestra del gran éxito que obtuvieron.

Por otro lado, este séptimo hijo de un predicador de la Iglesia Metodista Afroamericana, ha sido el mentor de los mejores vocalistas contemporáneos, y su peculiar estilo de trabajada armonizacion vocal, más allá del clásico scat, ha influenciado en numerosos cantantes contemporáneos y sobre todo a Al Jarreau, George Benson y el magnifico Bobby McFerrin. Precisamente junto a estos tres discípulos y amigos mucho más jóvenes que él, fue con quién grabó en 1985 el disco "Vocalese", que le valió cinco premios Grammy. En 1990 se editó otro de sus trabajos más notables: "Freddie Freeloader", también con los tres músicos antes mencionados, a los que se sumó el famoso cuarteto vocal: The Manhattan Transfer, el pianista Tommy Flanagan y el consagrado trompetista Wynton Marsalis. Como se puede apreciar, a lo largo de la carrera musical de Jon Hendricks siempre figuraron algunos de los más importantes artistas del jazz.

JOE HENDERSON


Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz.

Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue".

La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos.

En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas.

Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña.

Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su ultimo álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo mas importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible.

FLETCHER HENDERSON


Fletcher Henderson (1897-1952) pianista y líder de orquesta fue un músico clave para el desarrollo de la gran orquesta o lo que es lo mimo, las "Bigbands". Nacido en Cuthberg (Georgia), el 18 de diciembre de 1897, Henderson procedía de una familia acomodada. Su madre, profesora de piano, le inició pronto en el instrumento y en 1920 se traslada a New York para terminar sus estudios como químico. Hasta entonces su único interés musical era la música clásica.

Una vez allí consiguió un empleo en la Editorial de música "Pace Handy Music Company" y gracias al abandono de uno de sus dirigentes, consiguió ser director musical de la compañía. Por aquella época, eran las cantantes de blues quienes hacían furor y el jazz era algo colateral para el y para la ciudad. Tuvo la oportunidad de realizar una gira con la cantante Ethel Waters, en el verano de 1921 y a la vuelta grabó al piano junto a la gran Bessie Smith. A principios de 1923 ya tenía una bien ganada fama de músico y se atrevió a dar el paso de formar una banda estable y así surgió la "Fletcher Henderson Orchestra" cuyos primeros solistas fueron, Joe Smith a la corneta, Don Redman al saxo alto, y un joven llamado Coleman Hawkins al saxo tenor. Un pequeño contrato con el club Alabam facilitó el arranque de la orquesta.

En 1924, Henderson consiguió un contrato importante en el célebre "Roseland Ballroom". Sus propietarios "olieron" el creciente interés del publico por la nueva música negra que empezaba a germinar y Fletcher Henderson, hizo venir de Chicago a un joven cornetista que había oído tocar en alguna ocasión con la banda del maestro King Oliver. Louis Armstrong sólo permanecería con Henderson hasta finales de 1925, pero seria tiempo suficiente para revolucionar el concepto musical de Henderson y de sus músicos. El cerebro de la orquesta era Don Redman, un músico que desarrolló por primera vez conceptos fundamentales para las bigband, como la orquestación por secciones al dividir la línea melódica entre los metales y las maderas. No menos importante fue su trabajo sobre el riif y los planos sonoros y el establecimiento progresivo de lo que seria la plantilla básica de una gran orquesta de jazz: tres trompetas, dos trombones, cuatro maderas (saxofones/clarinetes) y una sección rítmica con piano, guitarra (o banjo) contrabajo (o tuba) y batería.

Con esta combinación entre Redman y Armstrong, la orquesta de Fletcher Henderson, se convirtió en la primera bigband seria y real de la historia y en 1927, la orquesta -ya sin Armstrong- alcanzó su cumbre creativa y a partir de entonces varias causas - el abandono de Redman para enrolarse en el grupo de Detroit denominado "McKinney's Cotton Pickers" y un fatal accidente de coche de Henderson- envolvieron a la orquesta en un estado de apatía tal que Henderson se vio obligado a disolverla temporalmente en 1929.

Al año siguiente un contrato en el club "Connie's" de New York permitió a Fletcher, reagrupar a algunos de su músicos y reconstruir la orquesta. Así permaneció, entre aciertos y errores hasta 1933, año en que se produce una revitalización de la misma con la incorporación del trompetista, Henry "Red" Allen y el trombonista, Dickie Wells y en aquellos momentos la orquesta ofrece un claro anticipo en su música de lo que años después triunfará con el nombre de "Swing". Llegado el invierno de 1934, la banda vuelve a disolverse, esta vez por problemas económicos y la marcha del saxofonista, Coleman Hawkins a Europa. Henderson se empleó como arreglista en la orquesta de Benny Goodman.

En 1936, Henderson volvió a la carga y organizó un potentísimo grupo con figuras como Chu Berry al saxo tenor, Roy Eldridge a la trompeta y Sid Catlett a la batería que le proporcionó momentos mágicos y mayores logros comerciales con el tema "Christopher Columbus", pero una vez mas no supo rentabilizar el éxito y la ocasión de consolidarse pasó una vez mas por delante de sus narices sin que pudiera pasar de lo efímero del momento.

Fletcher Henderson, murió el 28 de diciembre de 1952 en medio del desinterés general por su música. Paradójicamente la mas celebre recopilación discográfica hecha sobre la obra de Fletcher Henderson se titula "Un estudio sobre la Frustración" (Columbia 1962) y en efecto esta palabra describe adecuadamente la trayectoria musical y vital de un músico que fue catalizador de hallazgos fundamentales en la evolución de la gran orquesta de jazz, pero fue permanentemente incapaz de rentabilizarlos a lo largo de toda su carrera. Resulta irónico y paradójico que sus composiciones, su música y sus arreglos contribuyeran decisivamente al éxito de Benny Goodman, coronado entonces por el publico y la critica como "El rey del swing" mientras el se veía impotente para mantener su propia orquesta y rentabilizar su propia música.

ROY HAYNES

A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, Roy Haynes tuvo la clase de aprendizaje que constituiría el sueño de cualquier músico actual: sentarse en el puesto de baterista y acompañar al gran Charlie Parker. Ahora, cincuenta años después, y tras haber tocado con todos los grandes del jazz: Thelonius Monk, Miles Davis, o Bud Powell, todavía coloca sus grabaciones en la cima de las listas de las revistas especializadas en jazz.

Este veterano baterista, comenzó su andadura profesional en las bigbands de Frankie Newton y Louis Russell (1945-1947) y el siguiente paso fue tocar entre 1947 y 1949 con el maestro el saxo tenor, Lester Young. Entre 1949 y 1952, formo parte del quinteto de Charlie Parker y desde ese privilegiado taburete vio pasar a las grandes figuras del bebop y aprender de ellas. Acompañó a la cantante Sarah Vaughan, por los circuitos del jazz en los Estados Unidos entre 1953 y 1958 y cuando finalizó su trabajo grabo con Thelonious Monk, George Shearing y Lennie Tristano entre otros y ocasionalmente sustituía a Elvin Jones en el cuarteto de John Coltrane.

Participó en la dirección de la Banda Sonora Original de la película "Bird" dirigida por Clint Eastwood en 1988 y todavía hoy en activo, Roy Haynes, es una autentica bomba dentro de un escenario como pudimos personalmente comprobar en uno de sus últimos conciertos celebrados en España y mas concretamente en Sevilla en el año 2000. En 1994, Roy Haynes recibió el premio Danish Jazzpar, que se concede en Dinamarca. Al final de los años 90, Haynes formó un trío con el pianista Danilo Pérez y el bajista John Pattitucci, y grabaron un disco: "The Roy Haynes Trío featuring Danilo Pérez & John Pattitucci", que apareció en Verve a principios del 2000. En el año 2001 editó su disco: Birds of a Feather: A Tribute to Charlie Parker. En el año 2003, vio la luz: Love Letters, y en el año 2004, editó otros dos discos mas: "Quite Fires" y "Fountain of Youth". Al parecer la tradición jazzistica familiar está garantizada dado que su hijo, Graham Haynes, es hoy un excelente cornetista.

En el otoño de 2000, los integrantes de Apoloybaco, tuvimos la fortuna de asistir a un extraordinario concierto de Roy Haynes, en el marco del festival de Jazz de la Universidad de aquel año.

COLEMAN HAWKINS

Los primeros y mas fundamentales capítulos de la historia del saxofón tenor en jazz fueron escritos de puño y letra por Coleman Hawkins. Ello fue fruto de una larga y concienzuda evolución de un instrumento que adaptó perfectamente para el lenguaje musical del jazz.

Su familia era de clase acomodada y desde niño comenzó estudiar piano. Con siete años estudió violonchelo y con nueve comenzó a aprender a tocar el saxo tenor, un instrumento que entonces no era utilizado en el jazz y que en las orquestas comerciales se tocaba con una técnica que recordaba demasiado a la de los músicos de circo. En esa época inicia en el "Washburn College" de Kansas City, estudios de música clásica que completará en Chicago, ciudad a la que se trasladará con su familia en 1919 y donde tiene la oportunidad de oír por primera vez jazz.

Debuta profesionalmente en 1920 en una orquesta de la región de Kansas City, y al año siguiente es contratado por la famosa cantante de blues, Mamie Smith, que solía tener en su grupo músicos de altísima calidad como Buster Bailey, Sydney Bechet, o Bubber Miley. Con ella llegará a New York y grabará su primer disco y empieza a darse a conocer en los círculos jazzisticos de la gran manzana. En 1923, entra a formar parte de la orquesta de Fletcher Henderson, que con él en sus filas y la incorporación el año siguiente de un jovencísimo, Louis Armstrong, se convertiría en la primera bigband de toda la historia y en la que Hawkins permanecería once largos y magníficos años hasta hacer de esa orquesta la mejor de su época.

En 1934, Coleman Hawkins, deja la banda de Henderson y se marcha a Europa y en Inglaterra firma un jugoso contrato con la orquesta de Jack Hylton. Es expulsado de la Alemania nazi por el color de su piel y se recluye en Holanda primero y después en Francia grabando en Paris discos con músicos locales y coincidiendo con su amigo Benny Carter, que también se había desplazado a la vieja Europa. En 1939 regresa a los Estados Unidos donde encuentra que sus viejos discípulos están pisando fuerte en la escena jazzistica y donde conoce por primera vez a un saxofonista de Kansas que empieza hacerle sombra. Se llamaba Lester Young y se destacaba entre los demás saxofonistas, por poner en práctica un estilo distinto al suyo por primera vez en veinte años.

Hawkins, monta su propia orquesta y graba el histórico tema: "Body and Soul" uno de los grandes estándares de jazz desde entonces y que significará su consagración definitiva como uno de los grandes creadores del jazz. A partir de ese momento, se le empieza a conocer como el "padre del saxofón tenor". Disolvió su bigband en 1941 y trabajó con grupos mas pequeños. En la segunda mitad de los años cuarenta, será una de las estrellas del "Jazz at the Philarmonic", la organización musical creada por Norman Granz, que se encargaría de llevar el jazz a todos los rincones del mundo.

Entre sus registros destaca la colaboración con Roy Eldridge y Oscar Peterson, en los años cincuenta y dejó grabados algunos discos extraordinarios como los titulados: "The Genius of Coleman Hawkins" (Verve 1957) o el espléndido "High and Mighty Hawk"también para Verve en 1958. En 1962 graba un disco memorable con Duke Ellington": "Duke Ellington meets Coleman Hawkins" (Impulse!) y en 1966, graba el ultimo disco de su vida "Sirius" (Pablo) pues a partir de esa fecha su salud empieza a jugarle una mala pasada falleciendo tres años después victima de una pulmonía, el 19 de mayo de 1969 en el hospital Wickersham de New York.

Con el desapareció el hombre que fue al saxo tenor, lo que Louis Armstrong a la trompeta: el inventor de las primeras y por consiguiente, mas importantes reglas músico-instrumentales, que determinarían la configuración, concepto y lenguaje del saxofón tenor en el jazz de todos los tiempos.

HAMPTON HAWES


El pianista y compositor, Hampton Hawes se acercó a la música a través de la iglesia escuchando gospel junto a su padre, pastor de la iglesia baptista de su ciudad. Una hermana suya diez años mayor que él, le enseñó el manejo del piano y a los 16 años ya obtuvo el carnet profesional de músico. En 1946, al tiempo que terminaba sus estudios en la Polytecnic High School de Los Ángeles, ya obtuvo su primer contrato en la orquesta de Jay McNeely y a los 19 años tuvo una experiencia inolvidable cuando se encontró tocando con Charlie Parker y Howard McGhee que estaban de gira en Los Ángeles. A partir de aquélla experiencia se empeñó en adaptar su forma de tocar al piano a como lo hacía Bird en el saxo alto.

Meses mas tarde entraría en la orquesta de Wardell Gray un saxofonista tenor extraordinario, tocaría también con Red Norvo, Dexter Gordon y Teddy Edwards. Durante un concierto fue escuchado por Shorty Rogers quien le llamó en 1952 para grabar el primer disco de los "Giants" y con los "Howeard Rumsey's All Stars" en el club "Hermosa Beach Lighthouse". Entre 1952 y 1955 hizo el servicio militar y tras licenciarse formó un trío que siguió unido durante muchos años y con el que grabó extraordinarios discos; sus acompañantes eran, Red Mitchell al bajo y Chuck Thompson a la batería. Sus trabajos en aquellos años de este excepcional trío para el sello Contemporary fueron el momento culminante de su carrera y de su creatividad.

En 1956 y tras los éxitos de esas grabaciones, la revista "Down Beat" le nombró el mejor "New Stars" del año y a partir de ahí le llovieron los contratos, giras y actuaciones por todo el mundo. En 1956 contrató al guitarrista Jim Hall, con quien también grabaría unas extraordinarias sesiones. Años mas tarde y también para Contemporary grabó junto a Barney Kessell y Shelly Manne. En 1957 viajó al Este del país y encontró a Paul Chambers y a Oscar Petifford actuando juntos en varias ocasiones. En 1964 estuvo actuando varias semanas en el Bassin Street Wes de San Francisco y tras varios años grabando incesantemente viajó por fin a Europa en 1971 con un nuevo trío actuando en el Festival de jazz de Niza y Montreux aunque de manera progresiva fue dejando el sonido propio de los boppers para introducir en su repertorio la moda de la electrificación de los instrumentos.

En sus primeros veinte años de carrera, Hampton Hawes llevó al piano de jazz el desarrollo de los estilos creados por Bud Powell y Thelonious Monk considerándose ese periodo el mas importante de su carrera y por lo que pasó a la historia del jazz.

JOHNNY HARTMAN

John Maurice Hartman, verdadero nombre del extraordinario cantante de jazz, Johnny Hartman, tuvo en su época una relativa mala suerte. Protagonista de uno de los mas grandes álbumes de jazz vocal de todos los tiempos junto al genial maestro del saxo, John Coltrane - Impulse! 1963- la calidad del disco le persiguió durante toda su carrera y nunca volvería a grabar un disco mejor.

Aquél álbum, modelo de sintonía entre cantante y acompañamiento - contiene la mejor versión vocal de todos los tiempos del clásico Lush Life - le persiguió durante toda su posterior carrera. Una carrera que comenzaría como cantante de las orquesta de Earl Hines a mediados de los años cuarenta y del trompetista, Dizzy Gillespie en 1947. Desde entonces soportó una carrera errática, fue un barítono intimista que atemperó la escuela del gran Billy Eckstine dedicándose por completo a la balada.

El primer disco a su nombre fue grabado en 1955 para el selecto y pequeño sello "Bethlehem" y se tituló "Songs From the Heart", junto al trompetista, Howard Mcghee. Un titulo que indicaba claramente cual iba a ser su camino. Obligado a lidiar con el recuerdo de su encuentro con Coltrane, algunos de sus discos posteriores fueron no obstante muy buenos y especialmente el magnifico "I Just Dropped Bi To Say Hello" para el sello Impulse también en el año 1963 o el no menos brillante "The Voice That Is! de 1964 también para Impulse!

En cualquier caso, Johnny Hartman, está por derecho propio en lo alto de una de las grande luminarias del jazz vocal y al final de su vida un par de discos con acompañantes sensibilizados por su voz le devolvieron sus virtudes.

ANTONIO HART


Tras una formación clásica, el saxofonista alto, Antonio Hart (Baltimore, 1968), deriva pronto al mundo del jazz y perfecciona estudios con Jimmy Heath en el Queens College, se gradúa en la Universidad de Berkeley y graba su primer disco en 1991, pasando a codirigir junto a Roy Hargrove uno de los grupos más importantes de la emergente ola de los músicos contemporáneos heredados del hardbop.

En una línea que iría de Charlie Parker hasta Sonny Stitt, Hart desemboca en propuestas renovadoras de bopper con intensas reformulaciones armónicas: no otra es la trayectoria inaugurada por músicos como los hermanos Marsalis, Herbie Hancock o Keith Jarrett y que constituye una de las corrientes principales del jazz actual. Así nos lo prueba su disco Don’ You Know I Care, su segundo álbum, en el que aúna las tradiciones del blues y las ya mencionadas del hard-bop. Su tercer disco como líder de una formación es desde su título, For Cannnonball and Woody, una declaración de intenciones a la par que una estupenda encarnación de esas ideas, con una música que huye de caminos trillados y se esfuerza incesantemente en la búsqueda de nuevos caminos de aproximación al swing.

La carrera de Antonio Hart ha proseguido imparable a lo largo de sus años como músico, numerosos premios, incluido un Grammy al mejor instrumentista, colaboraciones discográficas con McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, Wayne Shorter, Vanessa Rubin, Ray Brown, Dee Dee Bridgewater y un largo etcétera. Todo ello sin descuidar su afán de aprender otras músicas y otros sonidos en países del Norte de África, Cuba o Israel, y de seguir con su trabajo de profesor universitario. En 1995 viajó a Europa y participó en importantes festivales de jazz, entre ellos el celebrado en Almuñecar (Granada) "Jazz en la Costa". Antonio Hart continua siempre a la búsqueda de nuevas sensaciones, innovadores propuestas y una amplia gama de estilos e influencias musicales que miran hacia el futuro.
STEFON HARRIS

En 1998, Stefon Harris, un virtuoso y joven vibrafonista, hizo su debut discográfico como líder en el álbum grabado para el legendario sello Blue Note, titulado: "A Cloud of Red Dust", un disco extraordinario para ser el debut de un joven músico.

Influenciado, como no, por el gran Lionel Hampton y reflejado en el espejo de uno de sus maestros, el extraordinario, Bobby Hutcherson, Stefon Harris, también se maneja muy bien en las tareas de líder. Su banda incluye al pianista, Jason Moran, el bajista, Tarus Mateen, el saxo alto, Greg Osby, el batería, Eric Harland, Steve Turre, al trombón y Gary Thomas, a la flauta alta.

Su todavía breve pero fructífera carrera, ha estado jalonada de acontecimientos importantes, como fue la colaboración con la cantante, Cassandra Wilson, en el disco homenaje a Miles Davis, titulado: "Traveling Miles" o en la colaboración con el saxofonista, Steve Coleman en el álbum, "The Sonic Lenguaje of Myth" y como colofón, la prestigiosa revista de jazz "Down Beat" le proclamó en 1999 como una de las promesas del jazz futuro. También la revista "Jazziz Magazine" le valoró como el jazzman con mejor talento de la nueva ola y "Newsweek Magazine", consideró su disco de debut el mejor CD de jazz del año.

BARRY HARRIS

Para muchos aficionados al jazz, entre los que me encuentro, el maestro Barry Harris, es uno de los mejores discípulos que tuvo Bud Powell y escuchándole, es difícil desdecir esa apreciación. Barry es de ésos músicos que nace casi con un piano debajo del brazo. Estudió desde crío bajo la atenta mirada de su madre en Detroit, lugar donde nació en pleno crack de 1929, cuando la bolsa se hundía y la gente se tiraba por las ventanas. Estudio en la High School de Detroit y allí descubrió el bebop en 1946 mientras tocaba con una orquesta amateur que, como mucho, llegó a ganar algún concurso. La profesionalidad le llegaría más tarde, pero sería con un cargo nada desdeñable, ya que se convirtió en el pianista titular del club Bluebird de Detroit. Allí tocó con Lester Young, Charlie Parker y Miles Davis, por lo que, si le faltaba algo por aprender, lo aprendió de los mejores. Más tarde sustituyó a Richie Powell, que había fallecido en el mismo accidente de tráfico que acabó con la vida de Clifford Brown, en el grupo de Max Roach mientras gestaba la idea de su propio trío. Fue grabando discos como acompañante y con su formación tocó, entre otros, con Lee Konitz y Roy Eldridge.

Fue entonces cuando empezó a impartir clases y a descubrir que la idea le agradaba. Grabó con el quinteto de Cannnonball Adderley, al que pronto abandonó por incompatibilidad de criterios musicales, se instaló en Nueva York y empezó a dedicar cada vez más tiempo a la docencia, llegando a ser nombrado profesor titular del Jazz Cultural Center. En 1987 realizó su primer viaje a Europa para participar en el Festival de Jazz de Boulogne y, desde entonces, cada vez que ha pisado el continente se ha acercado a España. En sus visitas suele presentarse en trío y no desaprovecha la ocasión para impartir algunas clases. Precisamente en ese contexto Barry Harris estuvo en Sevilla en el otoño-invierno del año 2000 para dar clases en el seminario que organizaba la dirección del Teatro Central de Sevilla y actuar en las jazz sessions del Festival de Jazz sevillano donde los componente de Apoloybaco pudimos disfrutar con plenitud de la sapiencia, la sabiduría y la maestría del gran Barry Harris.

TOM HARRELL

Nacido el 16 de junio de 1946 en Urbana, Illinois, Tom Harrell, ha sido capaz de enfrentarse con coraje a una grave enfermedad, y de salir adelante para convertirse en uno de los mejores trompetistas de jazz de los años ochenta y noventa. Sobre el escenario, se concentra absolutamente en su música y sólo parece estar vivo cuando improvisa.

Harrell, se crió en el norte de California y, a partir de 1967, se vio sometido a un constante tratamiento con fármacos, que no le impidió graduarse en Stanford en 1969. Sus primeros trabajos fueron en las orquestas de Stan Kenton (1969), Woody Herman (1970-71), y en el quinteto de Horace Silver (1973-77). Se trasladó a Nueva York a mediados de los setenta y tocó en ese periodo con Cecil Payne, Bill Evans (1979), el noneto de Lee Konitz (1979-81) y George Russell (1982). En 1983 conoció a Phil Woods, quien lo integró en su grupo, el "Phil Woods Quintet", con el que recorrió el mundo y al que perteneció hasta 1989.

Después ha dirigido sus propios grupos y ha grabado, entre otros sellos, para Contemporary y Chesky, antes de recalar en RCA y, últimamente, en Bluebird. Su estilo destila una lírica impresionante tras la que se esconde una enorme tensión musical en la construcción de sus solos. Estos son perfectamente estructurados y combina el poder de Clifford Brown, con la suavidad y el intimismo de Chet Baker.

ROY HARGROVE

De entre los músicos de jazz contemporáneos, el trompetista tejano, Roy Hargrove destacó pronto como solista de gran fecundidad creativa y también demostró muy pronto su capacidad para liderar proyectos musicales sólidos y eficaces.

Sus inicios fueron junto a los saxofonistas, Bobby Watson, George Coleman y Sonny Rollins. A comienzos de los años noventa organizó su propio quinteto y con él se ha ido presentando en los numerosos escenarios y conciertos a lo largo de todo el mundo y destacando como una de las jóvenes formaciones de jazz mas prometedoras. Antes, a finales de los ochenta entra en contacto con la escuela de jazz del maestro de la trompeta, Wynton Marsalis, quien le anima a seguir estudiando dada su calidad con el instrumento.

Entre sus ultimas experiencias de una todavía corta carrera, se encuentra el álbum grabado en 1993 para el sello Verve - su discográfica actual- titulado: "Quintet with the Tenors of Out Time" y en el que contó con la colaboración de invitados de la talla del propio Marsalis, Joshua Redman, Stanley Turrentine, Joe Henderson o Brandford Marsalis. Un autentico ramillete de grandes músicos que forzosamente tenían que dar como resultado un gran disco.

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