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LYLE MAYS

En España, Lyle Mays es, sobre todo, conocido como integrante del Pat Metheny Group. Sus ofertas en solitario apenas han tenido repercusión en nuestro país. Sus discos a su nombre son escasos y también el sello donde graba: "Geffen" está mal distribuido en nuestro país. En 1992 grabó un excelente álbum al que titulo: "Fictionary" y al que al menos la distribuidora española si promocionó. Cuando dejó la banda de Pat Metheny ingresó en la orquesta de Woody Herman donde estuvo dos años, entre 1975 y 1976. En el año 2000 vuelve a grabar un disco a su nombre con el sello Warner Brothers y al que tituló "Solo". En él, sin acompañantes ni partituras de por medio, Lyle Mays improvisa al piano y aunque el empeño se le reconoce, el resultado no cumplió las expectativas que de él se esperaban. Quizás hubo poco jazz y mucho de ese pastiche que algunos llaman new age y que no se sabe bien que es.
PAT MARTINO

Su padre, coleccionista de discos y cantante le inculcó el amor por la música y cuando tuvo ocasión le regalo su primera guitarra y con ella dio las primeras clases de música. Ya con quince años realizo algunos pinitos en formaciones de rhythm and blues y a continuación tuvo la fortuna de entra a tocar en el grupo del saxofonista, Sonny Stitt, en el que estaban además, Lloyd Price. En 1966 firma un contrato de seis meses de duración con John Handy y al año siguiente grabó su primer álbum a su nombre para el sello Prestige y al que tituló: "El Hombre". Tocaron en ese magnifico álbum de presentación, el organista, Trudy Pitts; el flautista Danny Turner; el baterista Mitch Finey y Vance Anderson en la percusión.

De Prestige, Pat Martino se pasó al sello "Original Classics" donde en los siguientes cuatro años grabó otros tantos álbumes generalmente de una gran calidad. Influenciado por el maestro Wes Montgomery, Martino posee una técnica excepcional y un gran sentido del swing. En 1972 firma por el sello Muse, un destino que ya casi no abandonaría y en el que grabó entre 1972 y 1996 la mayoría de sus discos.

BALDO MARTÍNEZ

Natural de El Ferrol, el contrabajista y compositor, Baldo Martínez, realizó estudios musicales en el Conservatorio de La Coruña y en el Municipal de Barcelona. Comenzó sus estudios de Contrabajo con el profesor Fernando Sala y continuó profundizando en la técnica del instrumento con David Thomas y Todd Coolman, también estudió armonía enfocada al Jazz con este último y con Bill Dobbins. Miembro fundador de dos de los grupos mas importantes en la historia del Jazz en España: "Clunia" y "Zyklus", participó en el Festival Internacional de jazz de San Sebastián en 1983, obteniendo el segundo premio con el ya citado grupo Clunia. Aquél éxito le valió para repetir participación y premios en los festivales de 1985 y 1986.

En 1987 actúa en el Museo de Arte Contemporáneo de París, con su grupo como representante del Jazz español en la exposición: "Cinco Siglos de Arte Español" grabando dicho concierto y emitido posteriormente por Radio France. En 1989 participó en importantes festivales jazzisticos como el de Madrid, y el de Palma de Mallorca. Desde 1992 hasta 1996 fue miembro de Javier Paxariño Grupo. En 1994 graba el disco grabado a nombre de Javier Paxariño que lleva por titulo "TEMURA", Su inquietud por las iniciativas musicales que aportan novedades a la música mereció que el periódico "El Mundo" le considere la nueva cara del jazz y que en la "Guía del Jazz en España” aparezca como un destacado músico dentro del campo de la experimentación y de las músicas de fusión.

El primer disco de Baldo Martínez como líder de su propio grupo, titulado "No País dos Ananos” recibió una muy ca1urosa acogida tanto por parte de la prensa como por el publico en general. La revista “Cuadernos de Jazz” lo consideró Sgundo mejor disco de 1966. Ése mismo año comienza a trabajar de forma continuada con el trío de Ángel Rubio y la Banda del Foro con quien graba el disco "Jazzhondo" con el cantaor invitado Paco del Pozo. En 1998 graba su segundo disco con su grupo que lleva por titulo "Juego de Niños", siendo una confirmación como uno de los músicos españoles con mayor personalidad. Este disco es clasificado por la revista "Cuadernos de Jazz" como uno de los cinco mejores discos del año 1998.

LARRY MARTIN

En 1967 comienza a tocar pop y rock con grupos de Madrid y en 1973 le llaman para tocar en Night-Clubs de África y Oriente Medio (donde comienza sus estudios de forma autodidacta), hasta 1975, año en que regresa a España. En 1976 le llaman para trabajar en "Tambanova Jazz" un club en Las Palmas de Gran Canarias donde realmente descubre el jazz y trabaja con músicos de la talla de Laurie Simpson, Luis Vechio, Don Jetter, y otros. En 1981 asiste al Seminario del Taller de Músicos en Bañolas donde toca y estudia con Claudio Roditti, Chuck Israel y Ben Riley. Ha participado en grabaciones con Pedro Ruy- Blas, Tomás Vega, Javier Álvarez y Juan Carlos Calderón entre otros músicos de talla

Fue miembro fundador del grupo Guadalquivir (1978-1984) con quien grabó tres Lp's y realizó una gira por Polonia que concluyó con su participación en el festival de Jazz "Jamboree" en 1984. A finales de ése año, trabaja en la Opera-Rock "Jesucristo Superstar" junto a Pablo Abraira, Pedro Ruiz-.Blas y el dúo, Sergio & Estibaliz. A su conclusión empieza madurar la posibilidad de crear su propio grupo, la "Larry Martin Band", un proyecto que dio sus primeros pasos en Octubre de 1986. En 1989 asiste al Seminario en Madrid del "Berklee College of Music" de Boston donde estudia con Gary Burton y Ed Uribe; recibe el diploma y es seleccionado para tocar con la Big Band en el Concierto que cierra el Seminario. En 1995 hace gira de verano con Javier Álvarez y en 1996 con Germán Coppini y a partir de entonces alterna actuaciones diversas con conciertos didácticos de Jazz en colegios, pero sobre todo centra su proyección profesional en Larry Martin Band.

La "Larry Martin Band" nació a finales de 1987 y esta formado por músicos de reconocido prestigio en los circuitos de jazz como Moisés Sánchez, (piano), Richie Ferrer, (contrabajo), Enrique García (guitarra) y Yoio Cuesta (voz). Ha realizado conciertos en clubes, festivales, centros culturales de toda España. Entre 1997 y 2000 actuó todos los veranos en El Jardín del Jazz del Hotel Castellana Intercontinental de Madrid. En 1993 grabó en directo el programa "Área Reservada" de TV2 y participó en un CD recopilatorio del XVI Festival de Internacional de Getxo, y en otro CD del I Ciclo de Jazz (1993) de la Universidad de Málaga. En 1997 edita su CD "On the Road" (Barsa Promociones) y a principios del 2000 " su segundo disco, "Just Playing the Blues" (Énfasis) un CD representativo de su música con muchos de los temas propios. En Abril de 2002 editan su último CD titulado: "Larry Martin Band en el Central" (Ingo Música) grabado en directo en el Café Central de Madrid los días 6 y 7 de Septiembre de 2001 con nuevos temas originales junto a otros standard" que transmiten todo el calor, la magia y el ambiente de un club de jazz.

Larry Martin Band, es uno de los grupos mas sólidos y reconocidos de la actualidad y uno de los mejores referentes del Jazz y Blues hecho en España. Esta solidez esta avalada por su larga vida de mas de 17 años como formación estable y sobre todo por la convicción de su propuesta musical

DEAN MARTIN

Dean Martin, nacía el 17 de julio de 1917 en la localidad de Steubenville, estado de Ohio, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. De nombre real, Dino Paul Crocetti, poco amante de los estudios, pronto abandonó el colegio y se propuso ganarse la vida en lo que fuese; así trabajó desde su adolescencia en diferentes oficios como peón, vendedor de combustible en una gasolinera, crupier de casino e incluso boxeador, peleando (con algún éxito) con el apodo de "Kid Crocetti".

Al mismo tiempo, Dean Martin se fue introduciendo poco a poco en los "nightclubs" como cantante, actuando junto a la orquesta de Ernie McKay, bajo su nuevo apelativo de Dino Martin. En una de sus actuaciones, que compaginaba música y humor, coincidió con un cómico que intentaba también abrirse camino en el ámbito del espectáculo, su nombre era Jerry Lewis. Los dos se hicieron muy amigos, lo que les llevó a actuar como pareja en 1946 en el club "Atlantic City", consiguiendo con su hilarante química despertar el entusiasmo entre el público asistente. Poco después debutarían en la radio y en 1949 firmaron con los estudios Paramount para protagonizar su primera película juntos, "My friend Irma" (1949), un título dirigido por George Marshall y que sería el comienzo de una larga serie de éxitos cinematográficos.

La larga amistad culminó después del rodaje de "Loco por Anita" y la pareja rompió su exitosa colaboración artística para iniciar su carrera en solitario, en la cual diversificaría mucho más sus papeles, demostrando un sorprendente talento para la interpretación dramática. Además continuó grabando discos y consiguiendo éxito con temas clásicos del pop como "Volare" o "Everybody loves somebody". Sentimentalmente hablando, antes de la llegada de los 60 se había casado ya en dos ocasiones, la primera con Betty MacDonald en 1940, de quien se divorció en 1949; y la segunda en 1949 con Jane Biegger, su relación más duradera con la que estuvo hasta 1973. A partir de los años 50, Dean Martin, formó parte de un grupo de actores y cantantes, liderado por Frank Sinatra y que todo el mundo conocería como el "Clan Sinatra" y vulgarmente "rat pack", (La banda de las ratas). Eran amantes de la juerga y la buena vida y se vanagloriaban de tener contactos muy estrechos con el mundo de la mafia.

Dean Martin, llegó a ser un cantante muy popular y su escasa relación con el jazz, al que se acercó muy brevemente, pero con corrección apreciable -su álbum "Swingin' Down Yonder" para Capitol de 1954 es un buen ejemplo de ello- no es óbice para que mantuviera una presencia constante e ineludible en el mundo del show business estadounidense de los años 50 y 60,

WYNTON MARSALIS

Elegido recientemente por la prestigiosa revista "Time Magazine" entre las 25 personas más influyentes de EE.UU., el trompetista Wynton Marsalis, es uno de los músicos más respetados del jazz contemporáneo. Nació el 18 de octubre de 1961 en Nueva Orleáns. Hijo de Ellis Marsalis, pianista músico y profesor de jazz en New Orleáns, sus hermanos, Branford y Deldeayo, también llegaron a ser músicos profesionales. Inició estudios de trompeta cuando contaba 12 años. Más adelante cursó estudios en el "Berkshire Music Center" de Tanglewood en Massachussets, y en la "Academia Juilliard" de Nueva York. Wynton Marsalis, marcó la década de los ochenta con sus espectacular irrupción sobre los escenarios jazzisticos.

Presentado a bombo y platillo como el valedor de la verdadera tradición jazzistica, los promotores musicales vieron en su llegada el artista que estaban esperando para desmentir la "muerte del jazz". Elevado por unos a la cima del jazz y clasificado casi como un genio por sus incondicionales; para otros, Wynton Marsalis, no era mas que un mal remedo de Miles Davis y un impostor casi de su música. Al margen de elogios y criticas exarcebadas, Wynton, siguió su camino y con solo 18 años, realizó una gira con el grupo del percusionista, Art Blakey, los "Jazz Messengers" y con el novedoso cuarteto V.S.O.P. del pianista y compositor, Herbie Hancock. En 1981 grabó Wynton Marsalis, su primer álbum como líder de su propia banda para el sello que lo encumbró a la fama: Columbia. En 1985 graba el álbum que le ayudaría a consolidar su carrera y a confirmarse como un gran trompetista de jazz: "Black Codes". A ese gran disco le seguirían otros no menos extraordinarios, en particular el grabado en 1989 titulado: "The Majesty of the Blues.

Sus devaneos con la música clásica, traen en 1993 una magnifica partitura para ballet moderno: "City Movement". Sus trabajos por aquellas fechas, combinan elementos de la música clásica con improvisaciones originales del jazz. En 1993, actúa con la soprano Kathleen Battle. En 1995, es nombrado Director artístico del programa "Jazz at Lincoln Center" de Nueva York. En 1997 fue el primer músico de jazz que ganaba el Premio Pulitzer en la categoría musical con el disco "Blood on the Fields", una oratoria épica sobre la esclavitud.

En su trayectoria musical, ha grabado cerca de una cincuentena de discos, -la serie titulada, Standars Time, es magnifica- ha conseguido 9 premios Grammy, y tras su estela han sido muchísimos los jóvenes músicos de jazz que han echado una mirada atrás para releer la historia de la música afroamericana, propiciando una nueva perspectiva musical de la historia del jazz. Wynton Marsalis, es sin duda uno de los grandes músicos de jazz contemporáneos.

BRANFORD MARSALIS

Como sus hermanos, el saxofonista, Branford Marsalis (Breaux Bridge, 1960), nació en el seno de una familia y un ambiente musical extraordinario y privilegiado. Su padre, el patriarca de la familia Marsalis, el pianista, Ellis Marsalis, es todavía hoy, uno de los mas celebres pianistas de jazz nacidos en New Orleáns.

Branford, se dio a conocer junto a su hermano el extraordinario trompetista, Wynton Marsalis en el seno de los "Jazz Messenguers" de Art Blakey en 1981, y posteriormente pasó a formar parte del grupo de su hermano, con quien estuvo entre 1982 y 1985. Pronto se dio cuenta que su camino en el jazz iba por otros derroteros y desmarcandose de la line emprendida por Wynton, emprendió su propia carrera en solitario, sin dejar las magnificas colaboraciones con otros músicos, como el trabajo con Sonny Rollins o con el mismo Miles Davis, en la ultima etapa de su carrera, formando parte de su quinteto, y grabando en 1984 el disco "Decoy".

Su devoción al saxofón es absoluta y es capaz de tocar el tenor, el soprano, o el alto, hasta el punto de ser uno de los grandes virtuosos contemporáneos de este instrumento. Contactó con el músico pop, Sting, con quien se fue de gira y estuvo trabajando con el hasta 1986, lo que le valió una infinidad de reproches por los sectores mas ortodoxos del jazz. Branford, trató de resarcirse de esas criticas formando un trío clásico con bajo y batería - a imagen y semejanza del de la mejor época de Sonny Rollins- con el que intentó, y lo consiguió, ganarse otra vez el respeto de la gente del jazz. En los últimos años compartió su trabajo como músico en la TV estadounidense dirigiendo el musical "Tonigh Show" de Jay Leno, y también en ambiciosos proyectos musicales como el de "Buckshot LeFonque", una reunión de músicos de jazz y rappers que intentan de nuevo la experimentación en torno a la música de jazz.

Entre sus discos grabados a su nombre, cerca de una veintena y la mayoría de ellos para el sello Columbia, destaca el titulado "Trío Jeepy" grabado en 1988 donde toca alternativamente los tres saxos antes citados. El álbum está considerado sin duda, uno de los grandes discos de jazz de los años ochenta.

ERIC MARIENTHAL

Saxofonista virtuoso, estudió música en la prestigiosa Berkeley School y estuvo dos años en el grupo del trompetista, Al Hirt. Su epoca dorada como músico la alcanzó en 1986 cuando formó parte de la extraordinaria formación liderada por el pianista Chick Corea: "Chick Corea Elektric Band". En el seno de esa formación compuesta además de por Chick Corea en los teclados, por John Patitucci al bajo; Frank Gámbale a la guitarra; y Dave Weckl a la batería, además del propio, Eric Marienthal en el saxo, grabó entre 1986 y 1993 cerca de una docena de grandes discos para el sello GRP.

Su andadura como líder también es destacable y desde 1987, fecha en que grabó el primer disco a su nombre: Voices of the Heart hasta 1994,año en que grabó: Street Dance, todos ellos en el sello GRP, su calidad jazzistica fue muy elevada. El mas valorado de todos ellos por la critica especializada fue el grabado en 1990 que tituló: Crossroads. En ése álbum, algunos compañeros de la Elektric Band quisieron acompañarle, entre ellos el propio Chick Corea que agradeció así el esfuerzo de Eric en su formación. Ya a partir de 1997, Eric Marienthal da entrada en su instrumentación sonidos eléctricos que solo hacen perder calidad y por supuesto pureza jazzistica.

CHARLIE MARIANO

El saxofonista alto y compositor, Charlie Mariano (Boston, 1923) debutó en 1948 al lado del trompetista, Shorty Sherock, mientras estudiaba en la "Schillinger House" actualmente, la célebre y renombrada "Berklee Scholl of Music". Discográficamente debutó con el arreglista, Nat Pierce, con quien estuvo dos años (1949 y 1950). Posteriormente trabajó con el grupo de Chubby Jackson y de Bill Harris. Entre 1953 y 1955 colaboró con la orquesta del maestro, Stan Kenton, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde contactó con el grupo del baterista, Shelly Manne y con otros músicos de la Costa Oeste.

En 1959 contrajo matrimonio con la pianista y compositora japonesa, Toshiko Akiyoshi, con la que formó un cuarteto junto al contrabajista, Gene Cherico y el baterista, Eddie Marshall. Tras algunos años de matrimonio, la pareja se separó, conyugal y musicalmente, y Charlie formó un nuevo cuarteto con otro saxofonista alto: Jerry Dodgion, pero su carrera empezó a ofrecer síntomas de decadencia. Viajó por Europa y Extremo Oriente, y en Alemania contactó con músicos jóvenes e inquietos, cuyas señas de identidad musicalmente hablando, era la fusión del jazz con el rock. Charlie Mariano, siempre fue un músico valiente, innovador y admirador del estilo de Charlie Parker.

Músico ecléctico y de gran emotividad, su afán por abarcarlo todo lo perdió en ocasiones, y su música se resentía de esa actitud fragmentaria. A pesar de todo, Charlie Mariano, siempre fue un músico creativo, inteligente y poroso con otros estilos musicales.

ORLANDO VALLE "MARACA"

Orlando Valle nació en La Habana, Cuba, en septiembre de 1966, y se crió en una familia para la cual la música era su razón de existir. El menor de cinco hermanos, comenzó a estudiar la flauta cuando tenía 10 años en el Conservatorio de Manuel Samuell. Comenzó a estudiar en 1977, y tras trece años de esforzado estudio, se graduó en la Escuela Superior de Arte donde empezó a relacionarse de alguna forma con la música jazz. Su debut profesional lo hizo con la orquesta de Bobby Carcasses, con el que viajó a Panamá, siendo éste su primer viaje a otro país. Mas tarde, se unió al grupo que dirigió Emiliano Salvador, el eminente y malogrado compositor y pianista. En 1988, a los 21 años de edad, "Maraca" se acopló a la orquesta cubana más famosa de todos los tiempos, Irakere, con la que tocó la flauta y el teclado, componiendo y arreglando en su interior por los siguientes seis años, viajando además por el mundo y presentándose en los festivales de jazz más importantes.

Esas experiencias le dieron a Orlando Valle la seguridad para independizarse y comenzar una nueva carrera: la de productor, director, compositor y arreglista. Sus primeras producciones fueron discos de salsa para integrantes de su familia, "Yumurí y sus Hermanos". Luego produjo "DC Pasaporte" (1994), disco que recibió el prestigioso premio de la discográfica Egrem como "Disco del Año" y que lo convirtió en figura clave del panorama de la música cubana contemporánea como precursor de un nuevo concepto: unir en el mismo disco a figuras de diferentes generaciones, en este caso, Anga, Merceditas Valdés y Tata Güines.

En 1996, decidió formar su propio grupo, al que denominó "Otra Visión", un poderoso acople de músicos que incluyó a Chucho Valdés (piano), Richard Egües (flauta), Tata Güines (congas), Jesús Alfonso (percusión), Rebecca Mauleón (piano), Emilio del Monte (timbal), Angá (congas), Celine Chauveau (flauta), Enrique Plá (batería), Carlos del Puerto y su hijo Carlos del Puerto Jr. (bajo), César López (saxo alto), Alfredo Thompson (saxo tenor) y otro de sus hermanos, Luis Valle (trompeta). Junto a ellos lanzó su primer disco, "Fórmula Uno", álbum que situó a "Maraca" como una nueva leyenda musical. A través de los años, "Maraca" ha producido proyectos de alto calibre y mucho impacto, sea como compositor, arreglista, director o productor. Entre ellos, destacan "Café Atlántico", de la famosa cantante caboverdiana Cesaría Évora o el Afro-Cuban Jazz Project.

Igualmente, ha participado como flautista invitado en más de 40 producciones discográficas, entre las que figuran las de Afro-Cuban All Stars, Frank Emilio Flynn, Caravana Cubana, Cesaría Évora, Cubanismo, Orlando Poleo, Havana Now, Havana Café I y II y muchos otros, al mismo tiempo que, junto a su esposa francesa, la también flautista Celine Chauveau y su orquesta, ha realizado giras por casi toda Europa, EE.UU., Canadá y varios países del Caribe, además de participar en los clubes y festivales más relevantes del mundo del jazz.

Su discografía es un crisol de la cultura cubana, destacando el extraordinario: "Tremenda Rumba" (2002), nominado para un Grammy como "Mejor disco de salsa" en el 2003. Ganador de innumerables premios, Orlando Valle, es considerado como uno de los exponentes más populares y queridos de la música cubana.

SHELLY MANNE

Hijo y sobrino de bateristas, Shelly Manne empezó a estudiar música dedicándose al estudio del saxo contralto pero su destino era sin lugar a dudas la batería donde comenzó bajo la ayuda de Billy Gladsytone debutando profesionalmente en los barcos que cruzaban el Atlántico. En 1939 entró en la formación de Bobby Byrne con la que grabó su primer disco . Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde grabó su primeros solos de jazz. En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente antes de ser llamado a filas.

Desmovilizado en 1945, se une al grupo de Stan Kenton donde consigue su primer trabajo importante. En 1947 toca en el grupo del saxofonista, Charlie Ventura, y posteriormente estuvo unos años, hasta 1949, en el Jazz at the Philarmonic de Norman Granz. Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman y en 1953, tras un nuevo paso por la orquesta de Kenton, tocó con Howard Rumsey en 1953 en el "Light House" de Hermosa Beach en California donde se había establecido. Al año siguiente, en 1954, lo llamó el trompetista, Shorty Rogers para que tocase con su grupo y llegó a ser sin ninguna duda el baterista mas representativo del llamado West Coast Jazz, participando en la gran mayoría de grabaciones de aquel movimiento.

Con una bien merecida fama, se hizo famoso entre el publico tras participar en la película: El hombre del brazo de oro" con su quinteto de aquella época. Del cine pasó a la televisión y en ése camino de ida y vuelta dejó varias películas en las que Shelly Manne participó activamente: "The Five Pennies" donde interpretó el papel de Dave Tough y la dedicada al baterista Gene Krupa: "The Gene Krupa History". En 1960, con un quinteto ya muy consolidado, abrió en Hollywood su propio club, el "Shelly Manne's Hole" por donde pasaron casi todos los grupos que tocaban en aquella ciudad. En 1961 viajó a Europa para participar en el Festival de Jazz de San Remo y en 1964, tras cerrar el club, viajó a Japón y a la vuelta abrió su nuevo club, esta vez en Los Ángeles que estuvo abierto hasta 1974.

Sus grabaciones y la relación de músicos con los que ha grabado son innumerables, tanto como sideman de grandes instrumentistas como las grabadas a su nombre. Sin duda alguna sus actuaciones en 1959 en el club "Black Hawk" de San Francisco y recogidas en cinco magníficos Cd's por el sello Contemporary son sus mejores registros y forman parte del mejor jazz hecho en la Costa Oeste norteamericana.

HERBIE MANN

Herbie Mann empezó a estudiar música a los nueve años dedicándose al clarinete. Durante el servicio militar toco en la banda de su batallón y una vez licenciado, decidido a hacerse músico profesional, entró a formar parte del quinteto formado por el acordeonista holandés, Mat Mathews, que acababa de llegar a New York y con el que permaneció hasta septiembre de1954 en que fue contratado por Pete Rugolo para su octeto.

Entretanto trabajó para la televisión como compositor y director; en 1956 emprendió en solitario una gira por Europa. A la vuelta se estableció en California y en 1959 reapareció en New York donde formo su Afro Jazz Sextet, la formación con la que se presentó en el festival de jazz de Newport tocando muy a menudo en el Village Gate, uno de los clubes emblemáticos de New York y colaborando asiduamente con músicos de la talla de Charlie Rouse, Buddy Collette o Phil Woods. Con el respaldo del Departamento de Estado de su país, inició una larga gira por África que duraría hasta mayo de 1960 después de recorrer nada menos que quince naciones africanas. A mediados de 1962, Herbie Mann salió otra vez de gira, esta vez por Brasil a raíz de la cual decidió cambiar de instrumentación y de repertorio. Llevó consigo a músicos como Zoot Sims; AL Cohn, Kenny Dorham; Curtis Fuller,; Ronnie Ball; Ben Tucker y Dave Bailey, instrumentista todos cercanos al movimiento West Coast.

Impresionado e influenciado por los ritmos latinos hallados en su gira por Brasil, Herbie sintió la necesidad de incluir una guitarra en su grupo y experimentar la moda de la bossa nova. A finales de ese mismo año alcanzó un gran éxito con el disco "Comin´ Home Baby" escrito por su bajista, Ben Tucker y en el tocó con Bill Evans. Su fama se acrecentó notablemente lo que le valió ganar varios años seguido el referéndum anual d de la revista Down Beat. En 1963 viajó a Japón donde al igual que ocurrió con motivo del viaje a Brasil, volvió impregnado de sonidos nuevos, ritmos desconocidos para el, que intento, muchas veces con mas voluntad que acierto, conciliar con el jazz. Pidió ayuda a arreglistas de talla como Oliver Nelson o Johnny Carisi y en 1965 se presenta de nuevo en el festival de jazz de Newport donde obtiene otro notable éxito.

Antes de iniciarse la década de los setenta, en 1969, Herbie Mann dio otra vuelta de tuerca en su experimento de mestizaje y esta vez el resultado fue un acercamiento excesivo a la música ligera, y por tanto traspasando peligrosamente las lindes del jazz. Ese afán por asumir nuevos sonidos e insertarle elementos africanos, no tuvo como razón de ser extender el jazz, sino acercar a su música a un sector de público, cada vez mas amplío, aun a costa de perderse comercialmente en el camino y confundir el jazz con la música ligera. El paso definitivo para desembarazarse del jazz lo dio en 1973 con la incorporación en su grupo del guitarrista rock, Duane Allman. El resultado de esa incorporación fue la presentación el año siguiente en New York de su proyecto musical al que titulo: "New York Sophisticated Rock" y grabó en Londres con Tommy McCook una de las estrellas londinenses del reggae. A partir de ese momento, de su flauta, instrumento que sabia tocar como pocos, ya apenas salía swing y el aficionado al jazz empezó a no prestarle atencion.

Sus grabaciones como líder, numerosas y excelentes en su epoca de apego a jazz han sido para los grandes sellos de esta música como: Prestige, Epic, Riverside, Savoy, New Jazz, o Atlantic. En Julio de 2003 un cáncer de próstata acabó con su vida y el ultimo sello donde trabajó, Telarc sacó al mercado un disco póstumo titulado: "Beyond Brooklyn"

THE MANHATTAN TRANSFER

The Manhattan Transfer es uno de los grupos vocales relacionados con el jazz mas populares. Cultiva con igual gusto el jazz y otros géneros (rhythm & blues, rock and roll, samba, bossa nova) y es maestro en el arte del vocalese, un estilo que consiste en añadir letras a piezas instrumentales de jazz. Sus delicadas armonías se inspiran en la estructura que tenía la sección de saxos de la histórica orquesta de Count Basie, conjuntado las voces soprano, alto, tenor y bajo. Los numerosos premios Grammy que ha obtenido y los millones de ejemplares que han vendido sus más de veinte discos dan testimonio de su calidad y de su impacto en todo tipo de públicos.

Corría el año 1972 cuando Tim Hauser trabajaba como taxista en Nueva York mientras acariciaba la idea de formar un grupo vocal. Un día llevó como pasajera a Laurel Massé y descubrieron que tenían las mismas inquietudes. Poco después, Hauser conoció en una fiesta a Janis Siegel y la convenció de que abandonase el grupo de folk en el que estaba para unirse a su proyecto. The Manhattan Transfer se fundó oficialmente el 1 de octubre de 1972, cuando se incorporó Alan Paul, que entonces era un galán de Broadway y había participado en la producción original de Grease. El cuarteto dio sus primeros pasos artísticos en clubs de Nueva York y grabó su primer disco, The Manhattan Transfer, en 1975. Curiosamente, el segundo y el tercero, Coming Out y Pastiche, tuvieron más éxito en Europa que en Estados Unidos.

Una de las fundadoras del grupo, Laurel Massé, lo abandonó en 1978 para seguir en solitario y fue reemplazada por Cheryl Bentyne. En el siguiente disco, Extensions, figuraba la canción Birdland, una recreación del tema de Weather Report que se convirtió desde entonces en seña de identidad de Manhattan Transfer. Joe Hendricks puso letra a la composición de Joe Zawinul y Janis Siegel le hizo los arreglos vocales. Fue su primer premio Grammy, además del disco de jazz que más se escuchó en la radio en 1980. Al año siguiente, se convirtieron en el primer grupo que ganaba simultáneamente el Grammy en las categorías de pop (con Boy from New York City) y jazz, con Until I Met You (Corner Pocket). Ambas canciones pertenecían al LP Mecca for Moderns. Los Grammy se sucedían uno tras otro: en 1982 lo ganaron con Route 66.

Su mayor impacto estaba aún por llegar. Fue en 1985, cuando sacaron Vocalese con la colaboración de Jon Hendricks, el maestro en el arte de poner letras a temas clásicos de jazz. La canción que daba título al disco recibió doce nominaciones al Grammy, lo cual era un récord superado sólo por Thriller de Michael Jackson. Ganó el premio en dos categorías, Mejor Arreglo Vocal y Mejor Interpretación Vocal de Jazz. También el LP siguiente, Brasil, se alzó con un Grammy, así como el tema Sassy, incluido en el disco The Offbeat of Avenues, de 1991. A continuación, publicaron un disco con canciones navideñas y otro con canciones infantiles. Durante toda la década de los 80, Manhattan Transfer encabezó siempre la clasificación de grupos vocales de la revista Down Beat.

A Tonin’ (1995), en el que colaboraron grandes artistas del campo del pop, rhythm & blues y soul, le siguió Swing (1997), en un estilo que se identifica más con el jazz y en el que empleaban arreglos de Benny Goodman, Count Basie, Django Reinhardt y Fletcher Henderson. Aquel año actuaron en el Festival de Donostia-San Sebastián Jazzaldia dentro de la gira de celebración del vigésimo quinto aniversario de la fundación del grupo. Swing se convirtió en uno de los mayores éxitos de The Manhattan Transfer en tiempos recientes. The Spirit of St. Louis (2000) era una inspirada interpretación de la música de uno de los genios artísticos del siglo XX, Louis Armstrong. Couldn’t Be Hotter (2003) precede al que hasta el momento es el último disco del célebre cuarteto vocal hasta la fecha: Vibrate grabado en 2004 para el sello Telarc.

Aparte de su carrera dentro de The Manhattan Transfer, todos sus componentes han hecho carrera en solitario. La última novedad en ese sentido es la reciente salida del disco Sketches of Broadway de Janis Siegel.
THE MAHAVISHNU ORCHESTRA

John McLaughlin es uno de los grandes guitarristas de la historia de la fusión del Jazz y el Rock, y su primera banda, Mahavishnu Orchestra, ocupa dentro de ésta un lugar de honor, a pesar de su breve existencia. Reconocido como el grupo fusión mas importante, la Mahavishnu Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa música entre el rock y el jazz. La historia de esta legendaria agrupación, que brilló con una intensidad inusitada durante su breve existencia de 5 años, está estrechamente ligada a la de su líder y fundador.

McLaughlin la formó en 1971 y en esa época el guitarrista era discípulo del gurú hindú Sri Chinmoy, quien le antepuso el nombre de Mahavishnu a la banda. La primera formación, considerada la mejor de todas, estaba integrada además por Billy Cobham (batería y percusión), Jerry Goodman (violín), Jan Hammer (teclados) y Rick Laird (bajo). Al poco tiempo la banda estaba tocando en grandes escenarios y estadios, con las bandas de rock de teloneros, y una audiencia de jazz y rock que respondía con éxtasis y admiración a un virtuosismo desgarrador, ensambles vertiginosos, pasajes tranquilos y relajantes, y melodías atonales y en clave menor, tomadas en gran parte de la India.

Esta formación grabó durante 1971-73 tres intensos álbumes en estudio para la Columbia, y uno de los más potentes álbumes en vivo de todos los tiempos: Between Nothingness And Eternity. En el tercer disco, Love, Devotion And Surrender, McLaughlin colaboró con Carlos Santana, otro discípulo de Sri Chinmoy. En 1974, McLaughlin reformó la banda con el violinista Jean-Luc Ponti, Gayle Moran (teclados y voz), el bajista Ralphe Armstrong y el baterista Narada Michael Warden, grabando dos álbumes. En 1975 Stu Goldberg remplazó a Moran y Ponti abandonó el grupo. Esta última remodelación de la banda grabó el célebre álbum Inner Worlds, antes del colapso definitivo, motivado por el acercamiento cada vez mayor de McLaughlin a la religión hindú y a la guitarra acústica.

En 1975, McLaughlin formó con el violinista hindú Leo Shankar (hijo del celebre Ravi Shankar, maestro de la cítara) el quinteto acústico Shatki, estableciendo conexiones entre estilos acústicos y música de influencia hindú. Posteriormente, aún en la onda acústica, incursionó en el world music, particularmente en el flamenco-jazz, con el más celebre trío de guitarra que haya existido, incluyendo a Al Di Meola (Return To Forever) y Paco De Lucía. Luego de girar y grabar con este trío, formó un dueto con la pianista Katia Labeque y grabó un disco solista en el que se reencontró con la guitarra eléctrica.

TAJ MAHAL

Henry Saint Clair Fredericks (New York, 1942) comienza, como muchos músicos norteamericanos, cantando en su adolescencia en un coro de Gospel de Carolina Del Sur. Profesor de escuela y pianista, comienza a interesarse por el jazz, pero durante su estancia en la Universidad de Massachussets, hace que nazca en él una gran curiosidad por el blues, curiosidad que se convirtió en pasión. Queda enamorado de la música de T-Bone Walker, un bluesman extraordinario con una gran influencia de la música tradicional africana. Durante la década de los sesenta, Taj Mahal, se dedica en cuerpo y alma a intentar preservar el blues tradicional y la música afroamericana. Explota su faceta de cantautor, compositor y musicólogo y sus inquietudes musicales iban siempre en una doble dirección: por un lado intentando mantener la tradición de la música negra afroamericana, y por el otro, que esa búsqueda no impidiera la investigación de nuevos sonidos. Ha investigado, estudiado y tocado diferentes estilos entre los que cabe destacar sus incursiones en el soul, el country, el jazz y por supuesto, el blues.

Taj Mahal, comienza a realizar un estudio profundo del sonido blues y se sumerge en su historia, lo que le lleva a explorar otras músicas negras como el folk negro, la música del oeste de África, la caribeña, el Zydeco y otras más modernas como el R&B, o el Rock and Roll. Él ya sabia tocar el bajo pero pronto su afán por ampliar conocimientos, le lleva a tocar otros instrumentos como el piano, la guitarra acústica, el banjo, la mandolina, la flauta, y la armónica. Con todos estos ingredientes, comienza a tocar en los circuitos de Folk de la ciudad de Boston. Tras graduarse en 1964, Mahal se traslada a Los Ángeles y forma un grupo con Ry Cooder, llamado "Rising Songs", pero la banda se disuelve con un solo single en el mercado. Mahal, decide realizar su propio debut en el mundo de la música y firma con Columbia en 1968.

Con este sello graba toda una colección de álbumes a lo largo de la primera mitad de los años setenta, creciendo en popularidad y con la opinión de la critica especializada a su favor. Con el paso de los años,
Taj Mahal, comienza a ser reconocido como un gran bluesman y comienza a introducir en algunos de sus trabajos, instrumentos eléctricos que amplían la sonoridad de antiguas canciones. En la actualidad, Taj Mahal, continua aumentando su discografía y es reconocido musicalmente con varios premios.
MACHITO

Frank Raúl Grillo, nombre verdadero de Machito, nace en La Habana, (Cuba) el 3 de diciembre de 1906. Creció escuchando jazz y música popular cubana, y comenzó a cantar cuando todavía era un adolescente. Entre 1928 y 1937, Machito actuó con muchas de las orquestas de baile más populares de Cuba, entre ellas el Sexteto Occidente de María Teresa Viera y el Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Fue en este período cuando conoció al compositor, arreglista y multi-instrumentista Mario Bauzá. Desde entonces, y durante las décadas siguientes, Machito y Bauzá trabajarían juntos, conformando un binomio que revolucionaría la música latina.

Machito, llega a Nueva York en octubre de 1937, hallando un puesto como cantante en un grupo llamado La Estrella Habanera. Durante los dos años siguientes, Machito, grabó con el "Cuarteto Caney" y la Orquesta Hatuey. En 1939 Mario y Machito intentaron formar una orquesta, pero fracasaron. Durante una sesión realizada en 1941 en la que participó un joven baterista de nombre Tito Puente, Mario y Machito realizarían sus primeras grabaciones "Sopa de Pichón" y "Tingo Talango", todo un éxito en el mercado latino. Machito y Bauzá querían combinar la música cubana con la que habían crecido, con los sonidos del jazz que por aquél entonces se hacía en Nueva York, y a Mario se le ocurrió que un nombre apropiado para esa combinación podría ser "Afrocubano".

Finalmente, el sueño se haría realidad en 1943, cuando grabaron "Tanga", tema considerado como la primera grabación de jazz afrocubano. De allí en adelante, la agrupación de Bauzá y su amigo Frank sería conocida como 'Machito y sus afrocubans'. El Jazz Afrocubano tendría su gran presentación en sociedad el 24 de enero de 1947, cuando Fred Robbins, incluyó a los Afrocubans de 'Machito' en la presentación que haría esa noche Stan Kenton, en el Town Hall de la ciudad. Dos semanas después de esa noche apoteósica, la banda de Stan Kenton, grabaría un tema titulado 'Machito', en su honor. Durante los primeros años 60's, la las flautas y violines dominaban la fiebre de la charanga y la pachanga, pero Machito continuaba grabando discos con su característico sonido de cañas y bronces. Entre 1965 y 1969 predominó la moda del boogaloo y de allí en adelante hubo un dominio de pequeños grupos musicales que utilizaban el formato del conjunto típico, lo cual llevaría al gran boom de la salsa. El 5 de enero de 1975, la banda de Machito, en compañía de Dizzy Gillespie, interpretó en vivo en la Catedral de San Patricio de Nueva York, la suite 'Oro, Incienso y Mirra' original de Chico O'Farril; poco después grabaría junto al mismo Gillespie 'Afro Cuban Jazz Moods', álbum nominado al Grammy ese mismo año.

Mientras Machito, se hallaba en Londres con ocasión de una actuación en el Ronnie Scott's Club, sufrió un ataque al corazón, falleciendo cinco días después víctima de una hemorragia cerebral. Con posterioridad a su muerte, fue estrenado el documental: 'Machito, A Latín Jazz Legacy', dirigido por Carlos Ortiz y con la participación de Dizzy Gillespie, Ray Barretto, Tito Puente y Charlie Parker. Se estrenó en Noviembre de 1987 y transmitido en las Islas Británicas en el famoso Canal 4 en enero de 1989. Machito será siempre recordado como el Padrino del Jazz Afrocubano.

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