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KEPA JUNKERA


El acordeonista y compositor bilbaino, Kepa Junkera, empezó bebiendo de las fuentes tradicionales, su aitite (abuelo) con la pandereta y su madre en la danza tradicional le mostraron el camino. Pero su inquietud por crear nuevos espacios hizo que su primer trabajo grabado en 1987: "Kepa, Zabaleta eta Motriku" aún guardando un fuerte aroma de la música popular, fuera íntegramente una colección de composiciones originales. Pronto abandona el ambiente tradicional de sus primeros pasos para apostar por la fusión con el jazz. Esta travesía por los mundos jazzisticos quedó reflejada en dos grabaciones que para su tiempo fueron tremendamente pioneras: "Triki Up" (1990) y "Trikitixa Zoom" en 1991. Unos años después, el jazz dejaría su sitio al folk-rock en una travesía que marcaba las líneas del futuro: Kalejira Al-Buk (1994) una caja de sorpresas donde conviven los sonidos de raíz con los eléctricos.

La incansable búsqueda de nuevas sonoridades hace de este trikitilari un explorador en tierras lejanas. Con la colaboración a tres bandas entre el inglés John Krikpatrick, y el italiano Riccardo Tesi se abre la puerta a un viaje en el que participarán músicos de los cuatro puntos cardinales. Después del trío que dejó grabado un disco de nombre: TransEurope Diatonique (1992) llegaría el portugués Julio Pereira que pondría las cuerdas en un inolvidable dúo a cuatro manos. Luego una pléyade de colaboradores pasaría por sus creaciones más reconocidas internacionalmente: Bilbao 00:00h (1998) y Maren (2001).

Su música fue utilizada como coreografía por Nacho Duato y la Compañía Nacional de Danza basándose en la música que escribe para la txalaparta de Oreka TX y el Museo del Vino de Olite acompaña a sus visitantes durante la exposición con música de Maren expresamente remezclada para la ocasión. Giras a lo largo del Globo, dos discos de Oro y una nominación a los Latin Grammy Awards en el año 2002 y el Latin Grammy Award al mejor álbum folk en el 2004 por su último trabajo: "K", es parte de la extensa recompensa que este músico ha cosechado por su trabajo.

Sus colaboraciones en grabaciones y actuaciones con artistas nacionales e internacionales es interminable: Andreas Vollenwaider, Hevia, Dulce Pontes, Caetano Veloso, Trilok Gurtu, Bela Fleck, ... y más recientemente, en la edición del 2003 del Festival de Jazz de Vitoria Gasteiz, actuó con Pat Metheny. De todas ellas, destaca su participación en el disco Santiago, grabado por los Chieftains, y galardonado con el Grammy al mejor disco folk. Su osadía con el acordeón ha tenido muy pocos límites. Sólo basta recordar aquella aventura de unir los aires de la triki con el mundo de la música clásica. Una apasionante apuesta que sólo tuvo una fugaz noche inolvidable en Festival Folk de Getxo, en el año 1997 o sus colaboraciones con la Banda Municipal de Bilbao.

Después de pisar cientos de escenarios en Marzo del 2003 Kepa Junkera vuelve a su ciudad y rodeado de amigos graba el final de esta primera etapa de su viaje por los apasionantes caminos de la música. El último disco llamado K. es el principio de otra vuelta de tuerca para el tercer milenio.

STANLEY JORDAN


La andadura musical del guitarrista, Stanley Jordan, se remonta a 1981, cuando tocaba por las calles de Nueva York y Filadelfia ganándose unos dólares. El boca a boca funcionó y fue corriéndose la voz entre los jóvenes de que había un guitarrista realmente asombroso tocando en la calle por lo que la gente le echaba y Bruce Lundvall, alto ejecutivo del sello "Elektra Records" le solicito una audición. En seguida le ofreció un contrato que Stanley rechazó por pensar que aún no estaba preparado. Un año y medio mas tarde, Lundvall se traslado al sello Blue Note y esta vez sí pudo fichar a Stanley. Auténtico virtuoso de las seis cuerdas, Stanley Jordan llevó la técnica del tapping a dos manos con un sonido limpio hasta niveles de complejidad orquestales equivalentes a los del piano. Basándose enteramente en esta técnica, Jordan es capaz de producir el sonido de dos o tres guitarristas al mismo tiempo, usando líneas de bajo, acompañamientos de acordes y melodías solistas a la vez, creando una manera totalmente nueva de tocar la guitarra.

En 1985 graba su primer álbum
"Magic Touch" (1985- Blue Note) y resultó un gran éxito que obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy, permaneciendo cincuenta y una semanas en el número uno de las listas Billboard de Jazz y fue disco de oro en Estados Unidos y Japón. Al año siguiente, hacía una aparición en la película "Cita a ciegas", con Kim Basinger y Bruce Willis, y frecuentes incursiones televisivas en los populares shows de Johnny Carson y David Letterman.
SHEILA JORDAN

Sheila Jordan (Detroit, 1928) siempre estuvo comprometida con la música y la cultura negra, lo que siendo blanca, le ocasionó graves problemas con los prejuicios raciales en los Estados Unidos. Desde muy joven trabó estrechos lazos con el pianista, Tommy Flanagan - un músico muy proclive a acompañar a las cantantes de jazz- con el guitarrista, Kenny Burrell, con el magnifico pianista, Barry Harris, y el circulo boppers de Detroit.

Empezó a cantar informalmente con un trío y allí conoció a Charlie Parker, cuya amistad fue determinante para que se instalase en New York en 1950. Inmersa en los círculos jazzisticos de la Gran Manzana, Charles Mingus, le aconsejó que adiestrara su voz con el pianista, Lennie Tristano. Con Tristano estuvo dos años (1950-1952) fundamentales para su formación; Tristano le enseñó, teoría, armonía, cantar de oído y leer música a primera vista. En 1952, se casó con Duke Jordan - de quién adquiriría su apellido para siempre- pianista en 1947 del quinteto de Charlie Parker, y con el nacimiento de su primer hijo, se retiró de los escenarios durante una buena temporada, hasta que George Russell se acordó de ella.

Con el sexteto de Russell, Sheila Jordan, grabaría para Riverside en 1962, un disco que conmocionó el jazz vocal con sus arreglos e interpretación. El propio Russell, convence a los productores del sello Blue Note, para que hicieran una excepción con su política de no grabar cantantes y Sheila Jordan, tuvo el privilegio de ser la primera cantante de jazz de grabar un disco para este vanguardista sello jazzistico. El resultado fue un excepcional álbum titulado "Portrait of Sheila" que está considerado como uno de los discos de jazz vocal mas importantes de toda la historia de esta música. Incomprensiblemente y a pesar de ese magnifico disco, Sheila Jordan, no volvió a grabar un disco hasta pasados doce años de aquel acontecimiento.

Fue en 1975, cuando volvió a pisar un estudio de grabación para grabar "Confirmation" un álbum que corroboraba su calidad y confirmaba que su estilo había madurado magníficamente. Era el inicio del reconocimiento de critica y publico e incluso de sus propios compañeros músicos. Su actividad discográfica no cesó desde entonces y se asoció con varios pianistas de categoría, primero con Kenny Barron donde dejó un magnifico álbum titulado "The Crossing" en 1984 para el sello Black Haw, y después con el elegante pianista, Steve Khun, con quién todavía en pleno siglo XXI, actúa en giras, conciertos y festivales de jazz, en una fantástica demostración de arte jazzistico.

A sus 75 años casi cumplidos, esta extraordinaria cantante de jazz, es la depositaria casi única del legado original del bebop; un tesoro musical vivo en el jazz vocal femenino, como Jimmy Scott, lo es en el masculino. Apoloybaco pudo comprobarlo en directo cuando se acercó por Sevilla en una de las extraordinarias programaciones del Teatro Central sevillano en el otoño del año 2000.

LOUIS JORDAN


El saxofonista y cantante, Louis Jordan (1908-1975), dio sus primeros pasos en la música estudiando en el "Arkansas Baptist College" de su ciudad natal y comenzó a ser conocido profesionalmente, cuando era miembro de la orquesta del baterista, Chick Webb, coincidiendo en la banda con la cantante, Ella Fitzgerald a mediados de los años treinta. En 1938, decidió formar su propio grupo al que llamó "The Timpany Five", una formación con un numero variable de músicos pero que con unos arreglos de tipo orquestal sabía respaldar con fuerza las intervenciones de su líder, bien al saxo o al cante.

Su repertorio en aquélla época se nutría de elementos anexos al jazz, como el "Boogie Woogie" y el rhythm and blues. El invento americano de las "jukebox" las famosas maquinas de músicas habituales en los bares, garitos y clubes de los Estados Unidos, le valió para adquirir una tremenda popularidad con canciones que fueron el numero uno en las listas de éxitos: "Let the Good Times Roll" o "Five Guys Named Moe" fueron ejemplos de ese éxito. En aquélla época el éxito de sus canciones le llevó grabar con figuras del espectáculo musical americano como, Bing Crosby, y también con los grandes del swing como, Louis Armstrong o la propia Ella Fitzgerald.

El cine también llamó a su puerta y participó en varias películas, entre ellas, un curioso western en el que, al galope, cantaba algunas de sus canciones. A mediados de los años cincuenta, su salud le obligó a retirarse de los escenarios y del espectáculo. En los años setenta, ya recuperado de su enfermedad, logró reunir a unos nuevos músicos en su ya legendario "Timpany Five" recibiendo el calor y el cariño de su publico y admiradores.

Louis Jordan, será recordado siempre, además de por sus cualidades musicales, por su sentido del humor, y las dotes de "entertainer" que caracterizaron a este brillante músico popular.

DUKE JORDAN


El pianista y compositor, Duke Jordan, formó parte en su juventud de la orquesta de la "Brooklyn Automotive Hight" hasta 1939 que obtuvo el titulo oficial de pianista. Tras varios escarceos con músicos de segunda fila, una noche que actuaba en el "Three Deuces" en el trío de Teddy Waters tuvo la suerte de ser escuchado por Charlie Parker, quien admirado por el estilo y la forma de tocar de Duke, lo llamó el 28 de Octubre de 1947 para grabar unas sesiones en la Dial Records. Duke Jordan pasó así a participar con pleno derecho en esa eclosión musical que supuso la génesis del bebop al lado de los creadores de ese nuevo sonido. Temas como "Bird of Paradise" o "Embraceable You" han sido posibles también por la participación de Duke Jordan al piano.

La colaboración con Charlie Parker duró unos inolvidables tres años, y aunque de manera intermitente, la Dial Records y la Savoy fueron testigos de esa maravillosa música. Nuevamente Parker y Jordan se cruzaron en 1952 cuando el 20 de septiembre ambos tocaron juntos en en el "Birdland" junto al contrabajista, Charles Mingus y Phil Brown. Entre medio de esas dos ocasiones, Jordan fue invitado por el productor Norman Granz para sumarse a su "Jazz at the Philarmonic" un elenco de artistas en gira permanente por medio mundo enseñando el jazz que se hacía en la América de mediados del siglo XX. Las grabaciones con Charlie Parker supusieron tal éxito que los contratos y los requerimientos para grabar discos, actuar en clubes, organizar jam session, prácticamente le llovía. Grabó en todos los contextos y en todos los formatos posibles: en trío, cuarteto, quinteto e incluso en octeto.

Como era lógico, viajó a Europa en tres ocasiones, en 1956, en 1959 y en 1962. Durante la gira de 1959 se quedó en Paris una temporada para grabar la banda sonora de la película "Les Liaisons Dangereuse" colaborando así con Jacques Marray. Entre 1962 y 1973 la carrera profesional de Duke Jordan se interrumpió probablemente por el declive del jazz entre los jóvenes americanos y su apego al pop o al Rock and Roll. Durante esos años tuvo que trabajar como taxista para sobrevivir. Una compañía danesa le ofreció en 1972 volver a tocar en una gira por Holanda, Suecia, Noruega y Dinamarca lo que le permitió recuperar la actividad, -afortunadamente sus cualidades estaban intactas- y tocar al al lado de Dexter Gordon, Johnny Griffin o Barney Kessell. Muestra de ese arte fue la posibilidad que le ofreció la compañía "Steeple Chase" de grabar sus discos mediante una serie de de giras por toda Europa.

Recuperado para el jazz, volvió a New York donde trabajó en la orquesta del trompetista, Clark Terry donde además tuvo la oportunidad de crear y tocar varias composiciones propias destacando por su calidad: "Jordu". Su discografía como líder es extensísima y también son innumerables los músicos que han compartido escenario o grabación con Duke Jordan. Entre los álbumes de culto de Jordan, están: "Flight to Jordan" en 1960 para la Blue Note; "Flight to Japan" en 1976 para "Steeple Chase" y el grabado en directo desde el Tivoli en Copenhague en 1978 "Tivoli One" Steeple Chase. Duke Jordan tuvo el merito enorme de buscar, y encontrar, un lenguaje propio al piano en una epoca en que todos los pianista querían imitar a Bud Powell. Músico original, creativo, siempre dándole la importancia precisa a la melodía y tratando en cada solo de ser distinto e inventar una historia distinta.

CLIFFORD JORDAN


Clifford Jordan estudió piano en su infancia y el saxo tenor, el instrumento con el que se dedicaría profesionalmente al jazz desde 1945 con Walter Dyett, siendo condiscípulo de Johnny Griffin y John Gilmore. En la década de los cuarenta trabajó esporádicamente con Max Roach, Sonny Sttit y algunos grupos de Rhythm & Blues, y en 1957 entró en el quinteto de Horace Silver. Tras 10 meses de permanencia con Horace Silver se trasladó a California, pero volvió a New York para quedarse definitivamente en 1959. En la Gran Manzana formó su propio grupo, un cuarteto con Andrew Hill al piano como figura mas destacada.

En 1960, Max Roach lo llamó para formar parte de su grupo durante una gira por Europa y en 1964 formó parte del clásico sexteto de Charles Mingus con el que también tuvo la oportunidad de desplazarse a Europa. Prácticamente su actividad en los ultimos años de la década de los sesenta estuvo fijada en el viejo continente, y salvo alguna incursión en África y en los países asiáticos no salió de Europa. En 1968 fundó su propio sello discográfico: "Frontier Records" primero y luego: "Strata East". Su actividad como jazzman se desarrolló a lo largo de varios grupos liderados por el y hizo alguna incursión en el cine, como el papel que interpretó en la película: "Lady Day: a Musical Tragedy" donde hizo el papel de Lester Young.

Su discografía y los músicos con los que tocó es muy extensa y grabó fundamentalmente para los sellos: "Blue Note"; "Strata East" y "Steeple Chase". Quizás su mejor registro fuese el primero, grabado en 1957 para la Blue Note y titulado: "Blowing in From Chicago"

SCOTT JOPLIN


Scott Joplin (1868-1917) fue uno de las figuras pioneras de la música afroamericana. Su música ha interesado a infinidad de compositores de diversos estilos y en la fuente de los "rags" han bebido estilos musicales tan distintos como el "Boogie Woogie" o el "stride". El ragtime es la muisca que cronológicamente y genealógicamente precedió al jazz y de hecho es una de las fuentes -no la única, ni la mas importante- del jazz.

De Scott Joplin se conoce que sus primeros pasos musicalmente hablando, fueron en la ciudad de St. Louis cuando alternaba el piano en algunos clubes y tugurios de carretera entre 1885 y 1893. Se traslada a la ciudad de Sedalia en Missouri, una localidad donde la esclavitud de la raza negra fue mas dura y allí en los campos de algodón escribe su primera y exitosa composición titulada "Maple Leaf Rag". Años mas tarde, una versión de ese rag por el rockero, John Stark, vendió mas de setenta y cinco mil copias lo que constituyó un enorme éxito de ventas en el mercado afroamericano.

La mayoría de sus obras, escritas para pianolas, han desaparecido, entre ellas la famosa ópera: "A Guest of Honor", pero las que se conservan detallan con rigor la tradición musical afroamericana. Scott Joplin, ingresó en un hospital a consecuencia de la depresión que sufrió por el fracaso artístico y económico que representó su opera "Treemonisha". Allí contrajo la sífilis y murió en 1917. Nunca supo la influencia que ejerció sobre la música del siglo XX. Una de sus obras mas conocidas y populares lo constituyó el Rag titulado: "The Entertainer" utilizado varias veces en el cine y que fue la banda sonora de la película dirigida en 1974 por el cineasta, George Roy Hill y titulada "The Sting" (El Golpe).

THAD JONES


Thadeus Joseph Jones (1923-1986) conocido en el mundo del jazz con el diminutivo de "Thad" Jones, nació en una familia en la que la música imperaba por todos sus miembros. Quizás estemos junto a la familia Marsalis, con otra saga jazzistica de similar importancia. Ya con dieciséis años trabajó junto a su hermano mayor, el pianista, Hank Jones y el saxofonista, Sonny Stitt. Se incorporó al servicio militar durante tres años entre 1943 y 1946, y cuando se licencio tocó en Detroit entre 1950 y 1953 con el quinteto de Billy Mitchell.

Su calidad como instrumentista -sabía usar además de la trompeta, la corneta, el fliscornio y el trombón de pistones- era pareja a sus extraordinarias dotes de arreglista y director de orquesta. Tras estos primeros escarceos en el jazz, su momento le llegó cuando tuvo la ocasión de trabajar con el grupo del extraordinario contrabajista, Charles Mingus entre 1953 y 1954, y a renglón seguido con la bigband del maestro del piano, Count Basie, con el que estuvo la friolera de nueve años entre 1954 y 1963. Durante toda la década de los sesenta y principios de los años setenta, Thad Jones tuvo una intensa actividad; colideró un quinteto junto al saxofonista, Art Pepper, (1965), trabajó junto al baterista, Mel Lewis en el Village Vanguard en 1966 y posteriormente con este mismo músico crearía la "Mel Lewis Orchestra" que permaneció activa durante gran parte de los años setenta.

En 1978, sufrió una afección en el labio, y no tuvo mas remedio que dejar la actividad musical y cedió la dirección de la orquesta a Mel Lewis. Se marchó a Europa, instalándose en Copenhague (Dinamarca) donde trabajaría como profesor de música y compatibilizaría ese trabajo con el de director de la orquesta de la radio publica danesa. Cuando murió, Count Basie en 1984, los músicos de la orquesta del "Conde" le pidieron que se hiciera cargo de la dirección de la misma, lo que hizo hasta que falleció en 1986.

QUINCY JONES


Quincy Jones, se ha convertido en una de las figuras mas importantes de la música en los últimos tiempos. Su familia se traslada a Seattle cuando contaba con 14 años. En la ciudad toca la trompeta en clubes de soul. Toca en la "Lionel Hampton’s big band" y en la banda de la "Berklee School of Music" en Boston, Massachussets. En 1950 viaja a Nueva York donde se dedica a escribir, arreglar y grabar a bandas que tocan en los clubes de jazz de la ciudad. Allí conoce y se relaciona con Thelonius Monk, Charlie Parker, y Miles Davis. A mediados de la década de los cincuenta, se traslada a Paris y trabaja como director musical de Barclay Records y también como compositor y arreglista.

En 1961 regresa a Nueva York, donde se convierte en vicepresidente de Mercury Records siendo uno de los primeros Afro-americanos con esa posición en la industria del disco. En la compañía produce a artistas como Peggy Lee, Tony Bennett y Sarah Vaughan. En 1963, recibe el primer Grammy por los arreglos de "I Can’t Stop Loving You" grabado por la Count Basie Orchestra. Escribe canciones para películas y series de televisión. En 1965, graba la banda sonora de "The Pawnbroker", dirigida por Sidney Lumet, siendo el primer negro norteamericano en componer para el cine.

Otras películas en las que compuso la música fueron In Cold Blood (1967) y The Color Purple (1985), y For Love of Ivy (1969). Para televisión compuso para series como "Ironside", y "Bill Cosby". Ficha por A&M Records donde grabó en 1961 "Quintessence". Graba "Walking In Space" (1969) y "Smackwater Jack" (1971) .

Ha recibido 22 premios Grammys, en reconocimiento a sus méritos musicales y es el artista que más nominaciones ha recibido para el Grammy. Media docena de Universidades le han otorgado doctorados "honoris causa" y ha recibido muchísimos galardones, como el Premio Emmy por la música del episodio de apertura de 'Roots', siete nominaciones al Oscar, el Premio "Jean Hersholt Humanitarian" de la A.M.P.A.S., el Premio "Trustees" de la N.A.R.A.S.

Francia le otorgó, la Legión de Honor. También ha recibido el Premio de las Artes y Letras del Ministerio francés de Cultura, el codiciado Premio Polar Music de la Real Academia Sueca, y el Premio Rodolfo Valentino de la República Italiana.

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