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BENNIE MOTEN


Nacido en una familia de músicos, empezó tocando el bombardino a los doce años en la "Lacy Blackburns Juvenile Brass Band" dando conciertos en fiestas y eventos locales. En 1921 formó su propia banda a la que denomino "Kansas City Orchestra" y con la que formaría una de las grandes bigbands de la epoca del swing. Compuesta en un principio por cinco instrumentos: corneta, trombón, clarinete, saxo, piano y batería, la formación fue ampliándose hasta incluir, a finales de los años veinte, todas las secciones de una gran orquesta.

Con la banda, Bennie Moten dio una espectacular gira por todo el Medio Oeste donde su repertorio, además de muy original por los arreglos que creaba el propio pianista, era muy amplio. En septiembre de 1923, y en una de esas giras, la casa discográfica Okeh, pionera en esta técnica, le ofreció efectuar una grabación con la orquesta al completo y el resultado fue un éxito espectacular, ayudando notablemente esa grabación a la propagación de la música de la orquesta. Posteriormente y en una de sus actuaciones en Chicago, la casa RCA-Victor le abrió sus estudios para grabar varias sesiones de música que se consideran históricas en el jazz primitivo y que colocó a la Kansas City Orchestra entre una de las mejores bandas de jazz en la década de los años treinta.

Por el seno de su orquesta pasaron músicos y cantantes extraordinarios que le dieron a la formación un prestigio muy amplio. Así por su banda desfilaron: Jimmie Rushing; el propio Count Basie, o el bajista, Walter Page. Durante los años de la depresión económica de 1929 sobrevivió en alianza con otro músico de Kansas pero cuando ya habían pasado los peores momentos y se disponía a remontar el vuelo con su orquesta, una intervención quirúrgica acabó con su vida en 1935. En su banda tomó el relevo un pianista que luego sería una leyenda del jazz: Count Basie.

JERRY ROLL MORTON

En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe.

Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.

En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.

Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

LEE MORGAN

Pese a la brevedad de su carrera, el extraordinario trompetista, Lee Morgan (1938-1972), pasó con todos los meritos a la historia del jazz como una de las mas importantes voces de la trompeta surgidas en la segunda mitad de los años cincuenta, con el mismo reconocimiento que Donald Byrd, o Freddie Hubbard.

Nacido en Philadelphia, su padre era un buen pianista de gospel. Cuando Morgan cumplió los catorce años, recibió de su padre una trompeta de regalo, un instrumento al que le dedico toda su corta vida. Estudió su técnica en la "Mastbaum Technical School" de su ciudad y con quince años dirigía sus propias bandas para tocar en bailes y en las jam sessions que se organizaban en su ciudad, tocando junto a sus paisanos, Beny Golson o John Coltrane. Sus primeras sesiones de grabación en estudio las realizó sin haber cumplido aun los 18 años junto al gran pianista, Horace Silver y el saxo tenor, Hank Mobley dos grandes figuras de la entonces recientemente surgida escuela de hardbop.

En octubre de 1956, otro de sus ídolos, el trompetista Dizzy Gillespie le contrata para tocar en su bigband donde ya estaba su paisano, Golson. Estuvo con Dizzy hasta 1958 y en septiembre de ese año, es el extraordinario baterista, Art Blakey quien le invita a formar parte de su extraordinaria formación "The Jazz Messenguers". Sale de gira por Europa y Japón donde va alcanzar una fama extraordinaria. Con un estilo muy definido y personal, marcado a partes iguales por el blues y el bebop, aderezado con un elegante toque de lirismo, Lee Morgan, abandona los Messenguers en 1961 y regresa a su ciudad natal donde pasa dos años tocando en reducidos círculos locales.

En 1963 regresa a New York y en diciembre graba para la Blue Note el álbum "The Sidewinder", un tema que al poco de su lanzamiento bate todos los records de venta conocido para los discos de jazz. A esa alturas ya había grabado cerca de una veintena de discos a su nombre fundamentalmente para Blue Note, pero también para Savoy o Roulette. Muy destacable es su grabación en 1957 del álbum "Candy" (Blue Note). Regresa de nuevo con Art Blakey, permaneciendo otros dos años con el baterista y a partir de entonces su carrera se dispara en una vorágine de grabaciones en estudio que atestiguan la calidad de su música. A principios de los setenta, Morgan colabora con el multiinstrumentista, Roland Kirk para apoyar las reivindicaciones de la asociación "Jazz and People Movement", dedicada a luchar por la mejora de las condiciones de trabajo de los músicos de jazz en los Estados Unidos.

El 19 de febrero de 1972, Lee Morgan y su quinteto estaban actuando en el club Slugs en la Calle 3ª, al sureste de Manhattan. Aquella noche se presentó en el local su compañera sentimental de la que se había separado recientemente. Discutieron en la barra del bar acaloradamente entre pases y al poco la mujer se fue airada. No consiguió convencer a Lee Morgan de que volviera con ella. Al rato, Helen More, que así se llamaba aquélla mujer, volvió al local y en pleno escenario cuando Lee Morgan, tocaba su ultimo tema sacó de su bolso un revolver calibre 32 con el que mató al músico de un certero y trágico disparo. Eran las 2:45 de la madrugada y Morgan falleció instantáneamente de un balazo en el corazón.

Lee Morgan, se fue con apenas treinta y cuatro años, pero en ese breve periodo de tiempo, consiguió dejar para la posteridad un enorme y soberbio legado musical repartidos a lo largo de mas de setecientos temas. Toda una proeza que muy pocos consiguen.

JASON MORAN

El pianista tejano, Jason Moran (Houston, 1975), comenzó a estudiar piano a los seis años, pero lo dejó por desinterés. Años mas tarde, cuando escuchó los discos del gran maestro del piano, Thelonius Monk, se reavivó en él nuevamente el interés por el piano, por la música, y por el jazz.

Jason Moran, estudió en el "Instituto Performing and Visuals Arts" de Houston, donde se convirtió en un miembro activo y creativo del programa de jazz del Instituto, donde tocó en su bigband y posteriormente liderando, siendo aun un adolescente, su primer cuarteto de jazz. Su talento e inquietudes, le llevó a New York donde siguió estudiando en la "Manhattan School of Music" donde pudo estudiar junto al pianista, Jaki Byard, durante cuatro fructíferos años. En esa misma época recibió clases de grandes pianistas como, Muhal Richard Abrams o Andrew Hill, músicos muy creativos que fomentaron en él la idea de libertad que toda improvisación conlleva.

En 1997, el batería, Eric Harland, compañero de Moran, lo recomendó al saxofonista, Greg Osby, que estaba intentando reunir un grupo para una gira por Europa. Desde entonces, Greg Osby y Jason Moran, han formado una asociación musical extraordinaria, convirtiéndose en compañeros de giras y grabaciones con extraordinaria y fecunda asiduidad. Fue con Osby, con quien debutó discográficamente hablando, Jason Moran. Fue en 1997 para el sello Blue Note y el álbum titulado "Further Ado", atrajo la atención de los directivos de la compañía y recibió el reconocimiento del publico por lo que poco después, en 1999, Jason Moran, inaugura las grabaciones a su nombre con el extraodinario registro "Soundtrack o Hunman Motion". Aquel disco, premiado por el New York Times, como el mejor álbum de jazz del año, fue el principio de una extraordinaria relación entre Blue Note y Jason Moran, que hasta la presente ha dado cuatro álbumes magnificos, siendo el ultimo de ellos, el titulado "The BandWagon" con el que se presentó en el Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, en julio de 2003

Jason Moran, fue el músico mas joven premiado por el prestigioso jurado del "San Francisco jazz Festival" y su carrera, todavía corta pero hasta el momento extraordinaria, nos invita a pensar que estamos ante un excelente pianista de jazz cuyas fuentes, Thelonious Monk o Herbie Hancok, han sido bien aprendidas.

JAMES MOODY

Nacido un 26 de marzo de 1925, James Moody (saxofonista alto, tenor, cantante y flautista) se dedicó al saxo alto a los 16 años, sumando el tenor un año después. Tocó en la Fuerza Aérea Norteamericana entre 1943 y 1946 e inmediatamente después se unió, en pleno auge del bebop y soplando el tenor, a la banda del maestro de la trompeta, Dizzy Gillespie.

Tuvo oportunidad de grabar su primer disco con algunos de los integrantes de la Big Band de Gillespie, liderando un grupo que buscaba ampliar el sonido del quinteto de Charlie Parker. Eso fue en Octubre de 1984 y el grupo que grabó en el famoso club neoyorquino "Blue Note" se llamó "James Moody and His Modernists". Ese mismo año realizó su primera gira a Europa, afincándose en Paris donde residió hasta 1951. De este período provienen algunas de sus más interesantes grabaciones, entre ellas la composición que le dio la fama "I'm In The Mood For Love" una pieza versionada por Moody y de autoría compartida entre Dorothy Fields (letra) y Jimmy McHugh (música). Fue tanto el éxito que tuvo ésa pieza que de alguna manera lo lastró para el resto de su carrera.

En Europa, tuvo la oportunidad de grabar en Francia y en Suecia, donde hizo escuela con una banda de músicos locales llamada "His Swedish Crowns". De vuelta a los Estados Unidos, en 1952 formó un septeto, que lideró, agregando a su repertorio de instrumentos la flauta desde mediados de esa década, grabando intensivamente para los sellos "Prestige" y "Argos" hasta 1962. En ese año integró brevemente un grupo de tres saxofonistas tenores junto con Gene Ammons y Sonny Stitt. Nuevamente contacto con Dizzy Gillespie, sumándose a su quinteto entre 1963 y 1968. El último año con Dizzy, lo pasó en Europa con la gira que realizó su bigband. Después de dejar a Gillespie y hasta mediados de la década de los setenta, casi desaparece de la escena del jazz, y solo algún trabajo esporádico como solista o en algún que otro show en Las Vegas es lo que le mantiene en el candelero. En 1980, y cuando contaba 55 años, decide retomar su contacto con el jazz, cosa que hizo con acierto, mucho esfuerzo y gran tenacidad.

En la última década del Siglo XX, aparece frecuentemente en conciertos y festivales de jazz por toda Europa. Tuvo oportunidad de volver a tocar con su viejo amigo, Lionel Hampton y sus "Golden Men of Jazz". Su estilo de músico afincado en los terrenos del bebop, se ha ido edulcorando con el tiempo y a ello contribuyó bastante el particular apego al ultimo instrumento que adoptó: la flauta, con la que obtiene un particular y original sonido y convirtiéndose en uno de los grandes virtuosos de ese instrumento en el jazz. De su extensa y selecta discografía, podemos destacar los álbumes: "Moody's Mood for Love" (GRP, 1956) junto al cantante de vocalese, Eddie Jefferson; y el extraordinario "Don't Look Away Not" (Prestige, 1969) con el mismo cantante y Barry Harris al piano.

James Moody, llegó a finales del siglo XX, en plenitud de facultades, y sus discos editados en los últimos años del siglo pasado así lo demuestran.

TETE MONTOLIU

En el hasta hace poco desolador panorama del Jazz en España, la figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu, (1933-1997) ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años. Tete, como todos los aficionados al jazz en España lo conocíamos, nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical: su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz. Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum.

Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés. El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda. También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona, Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona. Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz: los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster y Stan Getz; los trompetistas, Chet Baker o Paquito D'Rivera; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros. A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club, "Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros. Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997).
Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona víctima de un cáncer pulmonar. El jazz en España está en deuda permanente con este gran músico.

WES MONTGOMERY

Sin restarle meritos a toda una serie de grandes guitarristas del jazz como Barney Kessel, Tal Farlow, Kenny Burrell, Jim Hall o Jimmy Rainey, es sin duda, Wes Montgomery, (1923-1968), quien recoge con mas fuerza y propiedad el testigo que dejara en la guitarra de jazz, el gran maestro, Charlie Christian.

Nacido en el seno de una amplia y modesta familia, Wes Montgomery, se trasladó con su padre a Ohio junto a su hermano mayor Monk, cuando el matrimonio se separó. Con diecinueve años compró su primera guitarra y se maravillaba del solo que Charlie Christian había grabado con Benny Goodman titulado "Solo Flight". Dotado de un oído excepcional, tuvo sus primeros trabajos como guitarrista en algunos clubes de Indianápolis como el "440 Club". En mayo de 1948, Lionel Hampton lo incorpora a su banda con quien permaneció durante dos años lo que le valió la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañó a la guitarra a la gran Billie Holiday y pudo grabar sus primeros discos con Hampton y con su vocalista, Sonny Parker.

Padre de familia numerosa, sus obligaciones domesticas le condicionaban a trabajar muchas horas al día para mantener a su familia. Sus hermanos, Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk (contrabajista eléctrico) le prprpusieron formar un grupo para tocar en la Costa Oeste y en 1957 formaron el cuarteto "The Mastersounds" consiguiendo algunos contratos de grabación con el sello "Pacific Jazz". Wes Montgomery, participó en cinco álbumes, el primero de ellos titulado: "The Montgomery Brothers plus Five Others" que fue también la primera grabación del trompetista, Freddie Hubbard.

A pesar de su calidad, el éxito tardó en llegar. Tuvo que intervenir casualmente el saxo alto, Cannonball Adderley, que venía de un concierto en Indianápolis y había escuchado a Wes, tocar en el "Missile Room", un club local, para recomendárselo al director musical de sui compañía de discos. Así empezó una fructífera relación de Wes Montgomery con el sello Riverside que duro cinco años. Dos semana después de firmar, Wes Montgomery grababa en New York su primer disco para Riverside con el organista, Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker, el mismo acompañamiento que tenía en el "Missile Room". En 1960 realiza la grabación del que muchos consideran el mejor disco de su carrera titulado "The Increíble Jazz Guitar". La aparición de aquella grabación entusiasmo a críticos, especialistas y aficionados y las revistas, Down Beat y Metronome le otorgaron los premios anuales al mejor guitarrista de jazz. Con el éxito alcanzado, volvió a tocar con sus hermanos grabando otros tres discos como "The Montgomery Brothers" y otro mas con el pianista ciego, George Shearing. Durante 1961 y 1962 participó en el Festival de Jazz de Monterey y también tocó con el cuarteto de John Coltrane.

Cuando el sello Riverside se colapsó tras la muerte de su presidente, Bill Grauer, Wes ficha por la compañía Verve quien en aquella época era dirigida por Creed Taylor, propietario poco tiempo después del sello CTI. Con Verve consiguió un premio Grammy al álbum "Goin' Out Of My Head" en 1965, un registro demasiado edulcorado, pero antes había dejado grabado en directo en el club neoyorkino "Half Note" un álbum extraordinario titulado: "Smokin' at The Half Note". Ya apenas tuvo tiempo pra grabar su ultimo disco titulado "Road Song" grabado a primeros de mayo de 1968 y que fue publicado tras la muerte del guitarrista, fallecido repentinamente de un ataque al corazón apenas veinte días después, el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años.

En palabras del critico de jazz, Ralph Gleason, "....Wes Montgomery fue lo mejor que le sucedió a la guitarra de jazz desde la muerte de Charlie Christian." Y hoy en pleno Siglo XXI, esa frase conserva plena vigencia

THELONIOUS MONK

Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.

Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.

En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia.

Thelonious Sphere Monk, sigue viviendo en su música.

JANE MONHEIT

La joven cantante, Jane Monheit, (1977), comenzó su carrera profesional a los 17 años cuando estudió en la prestigiosa "Manhattan School of Music", donde fue discípula del prestigioso Peter Eldridge, de "The New York Voices". Concursa muy pronto (en 1998, a los veinte años de edad) al premio del instituto vocal Thelonius Monk, en el que queda en segundo lugar tras el veterano Teri Thornton, después de ser evaluada por un jurado en el que se encontraban Dee Dee Bridgewater, Diana Krall y Dianne Reeves.

Su debut discográfico, con el disco "Never Never Land", (N-Codex, 2000), en el que se hace acompañar de figuras como el pianista, Kenny Barron, el baterista, Lewis Nash, el bajista, Ron Carter, el saxofonista alto, Han Crawford o el guitarrista, Bucky Pizarelli, fue saludado por la crítica internacional como la irrupción de una voz capaz de alcanzar las más altas cimas del canto jazzistico. Las canciones del disco tienen diversas procedencias, en una muestra de la pluralidad de registros que la intérprete es capaz de asumir, desde el añorado, Nat King Cole hasta el propio, Duke Ellington, desde la bossa nova a la canción infantil y con el que la cantante quiere recrear su todavía cercana niñez. Jane Monheit, grabó su segundo álbum, titulado "Come Dream With Me" (N-Codex, 2001) en el que desarrolla muchas de las constantes estilísticas apuntadas en su primer disco. De nuevo su mundo infantil, del que no parece querer desarraigarse, surge en el tema: "Somewhere Over the Rainbow" y la música brasileña con "Waters of March" de Antonio Carlos Jobim.

Su tercer y último disco hasta ahora, "In the Sun" (N2K, 2002)mas endeble conceptualmente que los dos anteriores, deja un paréntesis abierto en su carrera que tendrá que consolidar en el futuro. A pesar de su juventud, ya ha participado en numerosas festivales de jazz en todo el mundo y en nuestro país, fue invitada al Festival de Jazz de Málaga de 2002.

THE MODERN JAZZ QUARTET

Formado inicialmente en 1952 por el vibrafonista, Milt Jackson, el pianista y director musical del mismo, John Lewis, el baterista, Kenny Clarke y el bajista, Ray Brown, el "Modern Jazz Quartet" es uno de los combos de jazz mas populares e influyentes de la historia del jazz moderno.

Todos ellos habían pertenecido a la bigband de Dizzy Gillespie, a mediados de los años cuarenta y se establecieron como grupo por primera vez en el verano de 1951 bajo el nombre de "Milt Jackson Quartet" y solo con ocasión de una sesión de grabación. En 1952, la formación adoptó el nombre con el que pasó a la posteridad en el jazz y al poco, Percy Heath, reemplazó a Ray Brown al contrabajo. En 1954, el grupo ya estaba suficientemente consolidado y empezó a obtener el favor del publico y comenzaron las grabaciones y conciertos con cierta asiduidad. A finales de ese año, Kenny Clarke, fue reemplazado en la batería por Connie Kay, quedando así configurado definitivamente el MJQ.

El "MJQ" como ha llegado a ser conocido universalmente, consiguió alcanzar un equilibrio perfecto entre arreglos e improvisaciones debido al magnifico trabajo en la dirección musical de John Lewis, quien aportó construcciones magníficamente concebidas para que el grupo brillara con ellas. La influencia de la música y la cultura europea en Lewis, dieron al MJQ, una sucesión de formatos muscales que iban desde una suite clásica propia del Siglo XVIII como queda plasmado en su extraordinario álbum "Fontessa", hasta bandas sonoras para filmes como "No Sun In Venice". El MJQ también disfrutaba haciendo música con sus invitados produciendo en los años cincuenta álbumes notables con Sonny Rollins o Jimmie Giuffre, o en los sesenta con Paul Desmond.

Sus grabaciones con orquestas interpretando la música que John Lewis componía, era otra de sus habilidades. The Modern jazz Quartet, tuvo la capacidad y la calidad de ser escuchado en ámbitos no estrictamente jazzisticos, y eran muchos los aficionados a otros estilos de música que se mostraban interesados en su música. La prueba de ello fue cuando el sello discográfico que producía a "The Beattles", (Apple) se intereso en grabar con ellos, hecho no conocido nunca en la historia del jazz.

Hacia 1974, y dado el enorme esfuerzo que todos hacían por mantener fresco musicalmente al grupo, todos los miembros de la banda sintieron la necesidad de separarse, pero desde 1982, el productor del sello discográfico, Pablo Records, los persuadió para que, al menos una vez por año, se unieran de nuevo para realizar una gira, cosa que hicieron ininterrumpidamente hasta finales del pasado siglo.

HANK MOBLEY

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.

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