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GIL EVANS


El arreglista, compositor, y líder de orquesta, Gil Evans, ha sido descrito a menudo como una especie de Svengali orquestal. Alguien que conjura sonidos casi místicos tomado de las grandes formaciones del jazz para proporcionar el fondo musical perfecto a solistas como Miles Davis o a la cantante, Helen Merrill. Evans, fue sin duda un complemento perfecto para esos artistas, pero también se embarcó en una incesante exploración de las posibilidades inherentes al campo de la composición y el arreglo orquestal en el ultimo tramo de su carrera y disfrutó incluso de una variedad de instrumentos electrónicos en su original paleta de sonidos.

Nacido en Toronto de padres australianos, se dedicó en los primeros años de su juventud a viajar por numerosos países hasta que finalmente se estableció en Stockton (California) donde dirigió su propia banda como músico completamente autodidacta entre 1933 y 1938. Posteriormente, Skinnay Ellis, se hizo cargo del grupo y Evans se quedó como arreglista hasta 1941, año en que paso a formar parte de la orquesta de Claude Thornhill donde estuvo hasta 1948, dotando a la banda de un sonido evanescente y "flotante". A partir de su éxito titulado "Snowfall" Gil Evans, adquirió una sólida fama en los arreglos de estándares para orquestas convirtiéndose en una especie de "guru" para las nuevas generaciones de compositores y arreglistas de finales de los cuarenta.

Junto a Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi, Lee Konitz, Miles Davis y otros músicos, lanzaron entre 1948 y 1950 el álbum que revolucionó todos los conceptos musícales de aquella época creando el llamado "estilo cool" y cuyo grupo fue y es conocido para la posteridad como el "Noneto Capitol". De allí salió el álbum "Birth of the Cool", uno de los títulos imprescindibles de la historia del jazz. Tras ese fértil periodo, Gil Evans, desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill, insistió en que fuese él quien se encargara de los arreglos de su álbum para Emarcy "Dream of You" en 1956. Los bellísimos, extraordinarios y exuberantes arreglos que Evans hizo para las canciones clásicas de ese álbum, le llevaron a retomar la colaboración con Miles Davis en el álbum "Miles Ahead" grabado en 1957 para la Columbia y donde Miles bajo la batuta de Evans, se sube a un escenario con cerca de una veintena de músicos, toda una autentica bigband extraordinaria. A ese álbum, le siguieron un extraordinario "Porgy and Bess", en 1958 y el álbum que inició el camino para la fusión entre el flamenco y el jazz "Sketches of Spain". Evans a la conclusión de este triple salto mortal era toda una personalidad influyente en el mundo del jazz.

Tras la colaboración con Miles, Gil Evans produjo en la década de los sesenta sus mejores esfuerzos en solitario con tres discos grabados a su nombre: el primero y mejor de todos, grabado en 1959 para Pacific Jazz y titulado: "Great Jazz Standars" es una obra maestra absoluta, el segundo "Out of the Cool" grabado para Impulse! en 1961, fue el primero, el segundo dos años mas tarde en 1963 bajo el titulo de "The Individualims of Gil Evans" para el sello Verve. En ellos refleja claramente su fascinación por el compositor alemán, Kutrt Weill. También por aquélla época hace algún trabajo arreglando los discos de la cantante, Astrud Gilberto. En 1970, Evans, inicia una nueva etapa de su carrera cuando aparece con su propia bigband en el Village Vanguard de New York aunque la irregularidad predomina en esta ultima fase de su carrera. Vuelve a encontrarse con Helen Merrill, en un trabajo postrero de ambos y su vida terminó el 20 de marzo de 1988.

BILL EVANS


Desde el punto de vista de la técnica pura, Bill Evans, sea posiblemente uno de los dos o tres pianistas mas dotados en la historia del jazz. Su carrera comenzó en 1954, una vez cumplido el servicio militar en orquestas de baile como las de Herbie Fields y Jerry Wald, acompañando a oscuros cantantes o formando parte de la banda de Tony Scott. El guitarrista, Mundell Lowe contribuyó notablemente a relanzar su carrera cuando lo contrató para su grupo tras haberlo escuchado en New Orleáns, donde Evans había cursado estudios superiores de música.

En muy poco tiempo se produjeron asociaciones musicales mucho mas significativas como atestiguan sus discos con Charles Mingus en 1957 (East Costing), con Art Farmer en 1958 (Modern Art), con Lee Konitz en 1959 (Lee Konitz meet Jimmy Giuffre) o con Oliver Nelson en 1960 en el espléndido disco (The Blues and The Abstrach Truth). En 1958 ya había recibido el premio al "pianista revelación" de la revista Down Beat que venía a confirmar esa espléndida carrera. Pero de todas sus colaboraciones como sideman, dos sobresalen de manera muy especial por encima de las demás. La primera fue con el arreglista George Russell, junto a otros músicos renovadores como Art Farmer en la trompeta y Hal Mckusick al saxo alto. "Concerto for Billy The Kid" incluido en "Jazz Workshop" de RCA en 1956 ofrece uno de sus primeros solos importantes, de tanta perfección constructiva que Russell se inspiró en él para crear la no menos llamativa "All about Rosie" el año siguiente.

Su paso por el sexteto de Miles Davis, es igualmente decisivo. Al escucharlo en el grupo de Mingus, Miles quedó tan impresionado que lo contrató a sabiendas del fruto que podía sacar de aquel pianista después de la disolución de su insuperable quinteto de mediados de los cincuenta. Así nació en marzo de 1959 el extraordinario álbum "Kind of Blue" un disco que se ha convertido sin ningún genero de duda en uno de los clásicos de todas la historia del jazz. Pero Evans, se despidió amistosamente de Miles Davis y prosiguió su camino en solitario. En 1959 grabó por primera vez a su nombre bajo el premonitorio titulo de "New Jazz Conceptions", un álbum que dejaba ver lo que vendría después pero que solo vendió ochocientas copias. Su segundo álbum, el también extraordinario "Everybody Digs Bill Evans" si obtuvo el favor del publico, pero su legado para la posteridad jazzistica no llegó hasta que no formó la colaboración musical con el batería Paul Motian y el contrabajista, Scott LaFaro.

En poco menos de dos años (diciembre de 1959-junio de 1961) esta alianza interpares revolucionó el concepto de trío de piano, al proponer el abandono del viejo esquema de acompañantes frente al solista principal y sustituirlo por un dialogo a tres con voces perfectamente complementarias. Con ese trío grabó cuatro discos de una calidad extraordinaria, siendo el mas logrado el famosísimo "Waltz fdor Debby" (Riverside 1961) grabado en en el Village Vanguard de New York. Con la desaparición física de LaFaro, Bill Evans, sufrió un duro golpe y comprobó que reemplazarlo era imposible a pesar de que consiguió junto a Chuck Israels y el batería Larry Bunker, algunos registros de calidad. Entres sus grabaciones destaca el encuentro con el cantante Tony Bennett, en la década de los setenta que depararon dos obras mayores en la historia del jazz vocal y entres sus discos a piano solo, hay que citar ineludiblemente el celebérrimo "Conversations With Myself" y su continuación de 1967; el titulado "Alone" que obtuvo un premio Grammy y el "Alone (Again)"

Cuando Bill Evans, murió el 15 de septiembre de 1980, de una insuficiencia hepática a consecuencia de su adicción a las drogas, tenía cincuenta y un años y llevaba mas de veinte entre la elite de su instrumento. El "poeta del piano" como lo definió el escritor, Gene Less mantuvo incólume su estilo lírico y su sensibilidad hasta sus últimos días.

KEVIN EUBANKS


Kevin Eubanks, nació y creció en Philadelphia en un hogar donde la música era moneda corriente. Su madre era compositora, estaba doctorada en música y el gospel era uno de sus estilos favoritos. Sus tíos por parte de su madre, eran el pianista Ray y el contrabajista Tommy Bryant y su hermano mayor, Robin, destacó en el trombón de jazz. Kevin por contra eligió la guitarra cuando aun era un adolescente y asistió a clase en el colegio Berklee, llegando a dirigir en aquella época una banda de jazz-rock bajo la influencia del sonido que experimentaba, John Mclaughlin con la Mahavishnu Orchestra.

A finales de los años setenta, Eubanks se convirtió en un profundo admirador de Wes Montgomery y tuvo la oportunidad de viajar a Europa en compañía de Chris Hinze en 1978. En 1980 se unió a los Messengers de Art Blakey, donde estuvo hasta 1982 lo que le permitió realizar numerosas giras que le valieron una fuerte reputación entre los admiradores del gran batería. Tras abandonar los Messengers anduvo un tiempo con Sam Rivers y con Mike Gibbs, hasta que consiguió debutar como instrumentista principal en el mercado discográfico con el álbum titulado "Guitarist" para el sello Elecktra/Musician y donde tocaba las guitarras eléctricas y acústica.

A partir de aquél hecho apareció frecuentemente grabando de forma regular al lado de Chico Freeman, Dave Holland o el trombonista, Slide Hampton. Un paso importante en su carrera lo dio al fichar por el sello GRP -IMPULSE! lo que le valió el lanzamiento de una serie de discos de fusión que tuvieron unas ventas bastantes respetables pero que no consiguieron el éxito deseado por su autor. Un nuevo cambio de sello discográfico en los noventa, esta vez al selecto y prestigioso, Blue Note, represento para Eubanks, además de un respiro económico importante, un mejor criterio a la hora de elegir sus grabaciones. Su disco inaugural para Blue Note titulado "Spirit Talk" (1993) fue el revulsivo que necesitaba y hoy, Kevin Eubanks sigue actuando y grabando música en distintos contextos y desarrollando su faceta de compositor, arreglista y guitarrista maduro con la necesaria fluidez para la improvisación.

BOOKER ERVIN


El saxofonista tenor, Booker Ervin, fue poseedor mientras vivió de un tono y un enfoque musical notablemente original lo que le permitió tocar con los mas grandes de su generación, entre ellos el propio, Charles Mingus. Hijo de un trombonista de la era del swing, Ervin comenzó a tocar ese instrumento pero a los veinte años se pasó al saxo tenor tras aficionarse a él mientras prestaba el servicio militar entre 1950 y 1953.

Estudiante de Berklee durante dos años, Ervin grabó por primera vez a mediados de los cincuenta en un ambiente de Rhythm and Blues y así estuvo durante algún tiempo, deambulando por varios Estados Americanos, hasta que decidió establecerse finalmente en New York en 1958. El contrabajista, Charles Mingus, se fijó en el y tuvo trabajo intermitente con él hasta 1963. Fruto de esa colaboración, es la aparición de Booker Ervin en varios discos importantes grabados por Mingus. También le acompañó en gira tanto por Estados Unidos como por Europa y así aparece en el grupo que actuó en 1960 en el Festival de Jazz de Antibes junto a Eric Dolphy y Ted Curson. El estilo directo y su elegancia armónica le reportaron el elogio de la critica de jazz y le proporcionó numerosos contratos. Así primero grabó en solitario con el sello Candid (That's It 1960) y luego con el sello Prestige que entre 1963 y 1969 produjeron con él una serie de álbumes clásicos con grupos pequeños en el que destacaron algunos solistas importantes como: Jaki Byard, Richard Davis o Alan Dawson.

Esa es la formación que aparece en sus álbumes claves grabados bajo el genérico calificativo de "Book". Así fue con "The Freedom Book" (1963), "The Space Book", "The Blues Book" y "The Song Book" todos ellos de 1964. A pesar de su calidad y de su originalidad, el hecho de que su saxo no sonara como el de Coltrane o el de Rollins, dueños y señores del saxo tenor en aquella época, le impidió llegar completamente al público. Tenía escaso carisma y siempre se conformó con poder ofrecer su música a un publico mas restringido. Randy Weston, lo llamó en varias ocasiones para formar parte de su banda pero ni siquiera así su música alcanzó niveles populares. Booker Ervin falleció en 1970 como consecuencia de un fallo renal.

DON ELLIS


Dotado de un expresivo talento, el trompetista Don Ellis, se dio a conocer musicalmente tocando música de bigband y obtuvo una licenciatura de composición en la Universidad de Boston en 1956. Estuvo un año en la banda de Ray McKinley, y cuando se licenció del ejercito en 1958, entro a formar parte del grupo de Charlie Barnet, y mas tarde de la banda de Maynard Ferguson. Llegó a New York con una solida formación y bien rodado con su instrumento en 1961 donde entró a tocar con el sexteto del pianista George Russell, donde coincidió con Eric Dolphy.

Entre los años 1960 y 1962, grabó varios discos con el sello "Candid" y con "Pacific Jazz". En 1963 viajó a Europa y formó el "Hindustany Jazz Sextet" un combo de vida efímera que combinaba la música oriental con algunos tonos de jazz. Incorporó en su trompeta una cuarta válvula - fue l primer musico de jazzque lo hizo- lo que le permitía tocar cuartos de tono en el desarrollo general de una improvisación normal. En 1964 hizo nuevamente un intento también fallido de organizar una nueva bigband. Fue en Los Ángeles en 1964 cuando consiguió que su proyecto musical cuajase contra todas las previsiones y su grupo participó por aquélla época en los mejores festivales de jazz del mundo. Por aquellos años grabó su disco con mas éxito hasta entonces titulado "Electric Bath" para Columbia en 1967.

Don Ellis, fue uno de los mejores músicos de jazz en el periodo final de los años sesenta, grabó un magnifico disco en directo en 1968 para Columbia titulado "Live at Fillmore" que le encumbró definitivamente a la fama. También colabora con el cine donde ganó varios premios por la banda sonora de la película "French Connection" en 1972. Un ataque al corazón en 1975 le obligó a reducir su actividad y tres años mas tarde un nuevo infarto acabó con su vida.

DUKE ELLINGTON


Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

ELIANE ELIAS


Con doce años ya tocaba obras de Art Tatum y Bill Evans. En 1981 se trasladó a New York persiguiendo una ilusión que pronto se hizo realidad. Allí entró a formar parte del grupo "Steps Ahead", con Eddie Gómez, Peter Erskine, Mike Mainieri y Michael Brecker hasta su debut como solista en 1986.

Natural de Sao Paulo (Brasil), nacida en 1960, Eliane Elías, es una pianista versátil, además de compositora y cantante, capaz de enfrentarse por igual al jazz más ortodoxo, a la música clásica o a la música popular sudamericana. Pero sobre todo es una pianista de jazz en el más estricto sentido de palabra, con una gran facilidad improvisadora y una exquisita técnica, plagadas de un enorme contenido emocional y lírico que brilla de forma extraordinaria cuando incorpora a su repertorio temas brasileños -ya con diecisiete años acompañaba a Toquinho y a Vinicius de Moraes en sus recitales-, piezas de Jobim, Iván Lins o Milton Nascimiento, sinuosas líneas cromáticas por las que se desliza con inteligencia y maestría. Sus discos, "Plays Jobim", "Paulistana", "Fantasía" o "Sings Jobim" para el sello Blue Note, son ejemplos ilustrativos al respecto.

Además de su faceta como profesora de piano en el Lincoln Center de Nueva York, como miembro de la Asociación Internacional de Educadores de Jazz, de entre sus últimos trabajos discográficos y colaboraciones, destacan: sus grabaciones con Toots Thielemans en "Brazil Project" o con Joe Henderson en "Double Rainbow". Un estupendo disco, "Solos & Duets", compartido con Herbie Hancock. Su presencia en la película y disco sobre el jazz latino, "Calle 54", de Fernando Trueba y su reciente "Everything i Love", un brillante recorrido musical de trece baladas de amor, en el que vuelve a reunir a dos secciones rítmicas excepcionales: Marc Johnson y Jack DeJohnette, Christian McBride y Carl Allen, con composiciones propias y de clásicos como Porter, Berlin o Gershwin.
ROY ELDRIDGE


El trompetista de jazz, Roy Eldridge, es a menudo considerado como el instrumentista eslabón entre Louis Armstrong, el mejor trompetista de la era del swing y de la historia del jazz, y el genial Dizzy Gillespie, el trompetista mas representativo de todo el jazz moderno. Aunque ésta consideración pueda parecer un desmerecimiento de los propios logros de Roy Eldridge como músico, lo cierto es que estamos ante uno de los grandes maestros del jazz.

Nació en Pittsburgh, aprendió música con su hermano mayor, el saxofonista, Joe Eldridge. Su primer instrumento fue la batería con apenas siete años de edad, pero desde el principio de su carrera profesional en 1927, adoptó la trompeta como su instrumento. Coleman Hawkins, el gran saxofonista tenor fue su primera y gran influencia. En los años veinte estuvo durante un breve periodo de tiempo en la banda de Fletcher Henderson, posteriormente se trasladó a New York para incorporarse a la formación de Teddy Hill en 1933. Un año mas tarde abandonó el grupo de Hill para trabajar con su hermano pero la experiencia fracasó y volvió con el director de orquesta en 1935, fecha en la que grabó sus primeros discos.

Su excitante forma de tocar le valió el reconocimiento de infinidad de músicos que querían a toda costa tenerlo en sus filas. Así, tras la banda de Henderson entre 1936 y 1937, siguió la de Gene Krupa, un batería absolutamente explosivo que le ayudó a consolidarse como la mejor trompeta de jazz en aquellos años. En 1944 firmó con la orquesta de Artie Shaw, un músico que luchó lo indecible por tener en su grupo blanco a músicos negros. Roy Eldridge, fue victima del racismo y tuvo que dejar la banda a pesar de los esfuerzos de su jefe por persuadirle.

En los años cincuenta, fue fichado por la organización de Norman Granz, y como tantos otros músicos formó parte de numerosos proyectos, giras, conciertos y grabaciones en el entorno del JATP. Allí permaneció hasta el final de su carrera siendo el sello Pablo, propiedad de Norman Granz, testigo de su éxito.

HARRY EDISON

Harry "Sweets" Edison, fue uno de los grandes trompetistas de la era del swing. Dotó su estilo con la trompeta de un lenguaje muy característico desde los primeros años de su carrera y desde entonces permaneció fiel a él. De padre negro y madre india, Edison, pasó sus primeros años en Kentucky y en los años veinte entró en contacto con el jazz a través de los discos de Louis Armstrong y de la cantante de blues, Bessie Smith. Regresó a su ciudad nata, Columbus en plena adolescencia y allí tuvo sus primeros escarceos con algunas bandas de música. En 1937 se unió a la banda de Count Basie que se había establecido en New York y en los pupitres de la orquesta se convirtió en una de las piezas importante de aquélla maquina del swing.

Su permanencia con la orquesta de Count Basie, duró hasta 1950 cuando el pianista y líder disolvió su primera bigband. El productor y mecenas del jazz, Norman Granz, lo fichó para sus célebres giras con el JATP y como consecuencia grabó con abundancia para el sello Verve, bien en sesiones lideradas a su nombre o como acompañante de otros músicos. En los años cincuenta su participación era muy solicitada en numerosas colaboraciones en la Costa Oeste de los estados Unidos y en los últimos años de su carrera tenía un gran prestigio lo que le hizo participar en numerosos festivales de jazz por todo el mundo. También se prodigó en esos años en acompañar al saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis y mas recientemente, en 1997, fue el director de un grupo musical formado por Flip Phillips y Harold Land.

JOSHUA EDELMAN


Pianista y compositor afincado en Madrid, Joshua Edelman se adentró en los caminos del jazz en su Manhattan natal para, luego, dirigir su mirada al mundo latino y viajar a esas latitudes impregnándose de su cultura y musicalidad. En 1980 llegó a España invitado como profesor por la Unión Musical de Liria (Valencia). Seis años después fijó su residencia en Madrid, ciudad desde la que ha desarrollado una extensa labor en el terreno del jazz, el Latin jazz y la docencia. A lo largo de estos años ha participado en numerosos, seminarios, producciones y giras internacionales. Gracias al éxito de sus últimos discos Antonio Serrano & Joshua Edelman Trío en el Central (2000), Conexiones (2001) y Fusión de almas (2003), Edelman goza de un reconocido prestigio dentro del panorama musical español circunstancia que le ha valido para llevarse el Premio al Mejor Grupo Español en el III Certamen de Intérpretes del XXV Festival Internacional de Jazz de Granada. Actualmente entre sus proyectos más inmediatos figuran la publicación, bajo el sello de la SGAE, de un trabajo editorial sobre el piano en la música latina, que verá la luz en 2006, y la salida al mercado de su cuarto disco.

Siempre en permanente formación, Edelman ha estudiado, Piano clásico y piano de jazz, Solfeo y armonía en la Manhattan School of Music. Desde 1976 ha tenido la oportunidad de trabajar con numerosos músicos y artistas, entre los que se encuentran: David Schnitter, Chuck Israels, Abdu Salim, Donna Hightower, Ira and Claudia Thomas, Roberto Blades, Juan Pablo Torres, Bebo Valdés, Paquito D´Rivera, Pedro Iturralde, Perico Sambeat, Antonio Serrano, Jorge Pardo, José Antonio Galicia, Javier Colina, y Mario Rossy entre otros. Asimismo su experiencia en el panorama jazzistico es incontestable tras su presencia en numerosos festivales nacionales o internacional de jazz, como los de: Festival Internacional de Jazz de Níjar, Granada; Marbella, Madrid, Gijón, La Habana, México, Puerto de Santa María, Pamplona, etc.

Excelente pedagogo y buen comunicador Edelman suma a su completa formación y experiencia una gran inquietud de renovación que sabe proyectar y transmitir en su faceta docente, como bien conocen los alumnos de la Unión Musical de Liria en Valencia y los Talleres de Músicos de Castellón y Madrid, entre otros. A lo largo de su recorrido profesional ha impartido diferentes seminarios, entre ellos: el Seminario del Taller de Músicos de Madrid, junto al pianista y compositor Barry Harris, en el XI Seminario Internacional de Jazz de Valencia, en la UNED de Melilla, en los Cursos de Verano de San Fernando de Henares, en la Obra Social de Caja Madrid, en la Caja de Ahorros de Valencia, y en el Curso Internacional de Jazz de Oviedo, entre otros.

Ha participado en diferentes tertulias radiofónicas sobre la música y el jazz, en programas de televisión y como pianista y director musical de producciones teatrales y cinematográficas, destacando su participación en TVE, con la Sonora Latina en Euskal Telebista, en el programa "Jazz entre amigos" de TVE, "Madrid Directo", de Tele Madrid , Los conciertos de Radio 3, Las tertulias de Onda 8 en Málaga, en la Cadena SER, con Iñaki Gabilondo, o en el programa: "Mi querido Babel" con Juan Pablo Silvestre en RNE.

BILLY ECKSTINE

William Clarence Eckstine , conocido en el mundo del jazz con el apodo de "Mr. B", fue además de un extraordinario cantante de jazz -algunos quisieron ver en él, al Sinatra negro- el primer gran director de una bigband en la era del bebop. Formado musicalmente en la gran orquesta de Earl Hines, a finales de los años treinta, su enorme voz de barítono no era óbice para que fuera considerado un maestro en las baladas.

Fue un apasionado del bebop, y ya en la orquesta de Earl Hines, hizo grandes esfuerzos para que el maestro del piano contratara a los jóvenes músicos de entonces: Dizzy Gillespie, Charlie Parker o la cantante Sarah Vaughan. La negativa de Earl Hines, a sus deseos fue lo que forzó a que Billy Eckstine, formara junto al saxofonista Bud Johnson, su propia orquesta donde consiguió que fuera una referencia musical importante en el devenir del bebop. Por su banda pasaron todos los grandes del jazz de su época y como director musical de la misma fue osado, aventurero y arriesgado.

Una vez que el bebop se hizo adulto, Eckstine disolvió su banda en 1947 para iniciar una carrera en solitario con el bagaje de haberse transformado en una de las estrellas del jazz. Firmó un contrato con la Metro Goldwyn Mayer donde estuvo cinco años y el nivel de su música fue excelente tanto por su repertorio como por su ejecución. Hay editado recientemente en Cd un álbum doble bajo el sello Verve titulado: "Everything I Have Is Yours" que recoge lo mejor de aquellos años. En 1953 ficha por RCA donde su estancia fue muy fugaz, y la vuelta al jazz se produce con el sello "Mercury" donde en una primera etapa pasó dos años (1957-1959) y grabó tres discos de larga duración del que destaca el titulado "Imagination" con la orquesta de Pete Rugolo en 1958.

La siguiente etapa en solitario de Billy Eckstine, se produce con su paso al sello "Roulette" donde grabó tres espléndidos discos. El primero con la orquesta de Count Basie hecho en clave de blues, el segundo un disco cálido de baladas y standars y el tercero en directo. Este último titulado "No Cover, No Minimun" es su mejor registro en directo de su carrera. Ya en los años sesenta el gusto del publico americano cambió y Billy Eckstine, como tantos otros músicos y cantantes de jazz, se refugió discretamente en el interior de clubes y cabarets de Las Vegas. En 1986 reaparece para el gran publico con la grabación junto al saxofonista Benny Carter, del álbum titulado: "Billy Eckstine sing with Benny Carter" con la colaboración de la vocalista , Helen Merrill. La elasticidad de su canto y el colorido de su voz, ya no era el mismo, pero persistían el resto de cualidades que en su plenitud conquistaron a todo un país.

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