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IÑIGO AZURMENDI

Compositor, contrabajista y profesor, Iñigo Azurmendi estudió en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Formó parte de los grupos Neobop, Mikropunto, Clónicos, Madera y Hot Club de Madrid, entre otros. Más recientemente es el contrabajista del cuarteto de José Luis Gutiérrez, Ahina (trío liderado por el pianista Manuel Martínez Ballarin) y Swing-44 (trío liderado por el guitarrista Santiago Reyes). Ha colaborado con Paquito d’Rivera, Abdu Salim, Jorge Pardo, Amelia Bernet, Pedro Ruy Blas, Alex Coke, John Williams, Chema Saiz, Nirankar Khalsa, Carlos Carli entre otros.

Ha participado en los festivales más importantes de jazz de España acompañando a diversas formaciones. Con el cuarteto del saxofonista José Luis Gutiérrez, ha estado en México (Festival de Jazz Iberoamericano – 2000), en Italia (Festival de Jazz de Milán, Festival de Jazz de Clusone - 2001), etc. Iñigo Azurmendi es un excelente contrabajista dotado de una técnica depuradísima y capacitado para seguir con maestría las evoluciones de cualquier instrumentista.

AZIZA MUSTAFA ZADEH

Aziza Mustafa Zadeh, hija del malogrado pianista Vagif Mustafa Zadeh ( de cuyas obras hay que destacar la obra "Aspiratión" y el cual inventó un tipo de fusión entre la música de jazz y la autóctona de Azerbaiján), nace en 1969, siguiendo los mismos pasos que su padre. Sus apariciones en varios eventos en Europa le llevaron para firmar por el sello Sonny. Con un ataque impetuoso, sobre todo en sus solos explosivos, su intensidad, más que su estilo, recuerda a los primeros pianistas de bebop. Ello se hace especialmente patente cuando canta en scat a gran velocidad consiguiendo una salvaje relación entre el piano y la voz, a menudo sobre métricas ajenas a la tradición occidental, pero comunes en Baku.

Esta nativa de Azerbaiján, es sin duda una de los dos grandes pianistas de jazz del continente asiático (la otra es la gran Toshiko Akiyoshi). Dotada de un gran virtuosismo, su música es emotiva, sentimental y ello sin renunciar a sus raíces, ni a su tierra. Con un talento que conjuga técnica y sensibilidad, Aziza Mustafa presenta en cada uno de sus discos sus propias composiciones, -es una consagrada maestra en la composición- siendo su segundo disco: "Always", con once temas propios el registro mas conocido y premiado en el extranjero. El acompañamiento de dos músicos de primer nivel en el ámbito jazzístico: el bajista John Patitucci y el baterista Dave Weckl, le dan realce a la Session.

Su entrenamiento como pianista clásica en el Conservatorio de Baku, su amor al jazz, su inclinación hacia el cante y los sonidos tradicionales de Azerbaiján, es una magnifica combinación para formar un estilo de música originalísimo y puente entre Oriente y Occidente. Aziza nació criada musicalmente hablando en el mundo del Mugham (se pronuncia MOO-GAM). En Azerbaiján, el Mugham tiene dos significados: uno que se refiere a un sistema modal de la música, y el segundo que se refiere a un trío que realice esta clase de música, conducida por un cantante y acompañada por los músicos. Uno de los fundadores de esta música tradicional e improvisada de Azerbaiján, fue el padre de Aziza: Vagif Mustafa Zadeh. Ésa forma de "jazz asiático" se desarrolló con fuerza a mediados de los años sesenta y setenta, y en 1978, su padre representó a la extinta Unión Soviética en el Festival de Jazz de Mónaco consiguiendo el primer premio y haciendo exclamar al mismísimo Dizzy Gillespie, que la música que había escuchado era lo mas espectacular que había oído y que sería el jazz del fututo.

En 1994, Aziza Mustafa Zadeh, ganó el premio de la Academia de Música, la concesión más prestigiosa de Alemania musicalmente hablando. Si lo que ella toca es realmente jazz, es algo a lo que ella nunca le ha dado importancia. Para ella el jazz, folk y la música clásica son simplemente categorías sin separar. Ella encaja en los tres tipos de música. Lo que ella evita es ser encasillada en una forma. Como Al Di Meola dijo el año pasado: "Aziza es tan brillante como compositora como lo es como pianista".

Nota: Antes de Vagif Mustafa Zadeh la sintetización del Mugham y del jazz, había sido incorporada ya en ópera en los trabajos del compositor azerbaijani, Uzeyir Hajibeyov en los primera década del siglo XX, cuando fue introducido en la música sinfónica occidental por primera vez por el compositor azerbaijani, Fikrat Amirov a mediados de los años cuarenta.
ALBERT AYLER

El saxofonista, Albert Ayler, fue un innovador absoluto del jazz en los primeros años de la década de los sesenta. Su música a veces parecía caótica y desgarrada, pero en el mismo tema, un par de compases después, sonaba sentimental y lírica. Sus comienzos en Cleveland, la ciudad donde nació, fueron extraordinariamente fértiles dado el ambiente musical que reinaba en su casa, ya que su padre era violinista y saxofonista, y su hermano tocaba la trompeta. Estudio música en el Conservatorio de Cleveland, y antes de cumplir los veinte años, ya ejercía de saxofonista en las orquestas locales. En 1958, ingresó en el ejercito y aprovechó aquel tiempo para tocar en algunas bandas militares. Después de licenciarse en 1961, pasó algún tiempo en Suecia y Centroeuropa. En Copenhague, conoció durante el invierno de 1962 a Cecil Taylor y los dos músicos volvieron juntos a New York para seguir tocando juntos.

En la "Gran Manzana", Ayler formó su propio grupo integrado por, Don Cherry, Gary Peacock y Sunny Murray. Con esa formación volvió a Europa en 1964 y el publico del viejo continente aceptó de buen grado ese nuevo sonido del jazz que el saxo de Ayler producía. La controversia aumento entre los "puristas" del jazz, cuando el batería, Sunny Murray, abandonó un compás métrico en su forma de tocar la batería. En 1965 actúa en el Town Hall de New York y el concierto fue grabado en disco consiguiendo un gran éxito de critica y público. Firmó un contrato con el sello, Impulse! y sus dos primeros álbumes titulados: "At Greeenwich Village" y "Love Cry" se convirtieron en discos de cultos para sus seguidores.

Poco después de su vuelta a Estados Unidos después de un nuevo viaje a Europa en 1970, Albert Ayler desapareció de su domicilio de New York. Dos semanas después, su cuerpo fue encontrado sin vida flotando en las aguas del East River.

ROY AYERS

El vibrafonista y cantante, Roy Ayers, comenzó a tocar jazz junto al pianista, Phineas Newborn y Leroy Vinegar entre otros. En 1963, formó un buen cuarteto de jazz junto a Hampton Hawes y años mas tarde, colaboraría con la bigband de Gerald Wilson y el grupo de Herbie Man.

A principios de los años setenta, formó su propio grupo al que llamó: "Roy Ayers Ubiquity" con el que abordaría los mas diversos estilos del jazz, desde los mas ortodoxos hasta el funk mas bailable. Son frecuentes sus colaboraciones con diversos instrumentistas, caso de Stanley Clarke, Branford Marsalis o el grupo de Rap: The Roots. Esa versatilidad y esa capacidad de adaptación nunca iba en detrimento del swing que este excelente músico era capaz de lograr.

SANTIAGO AUSERÓN

Santiago Auserón adopta la imagen de un trovador latino que husmea a ras de tierra, y de un sitio a otro, un sentimiento musical más tribal tratando de hacer la mejor música y la mejor poesía popular posible sin implicaciones comerciales inmediatas. Su encuentro con Cuba genera, además de una meritoria recopilación: "Semilla de Son" (BMG-RCA 1992) en la que Santiago se hace a un lado y deja pasar la luz que emanan figuras soneras como Compay Segundo o el Trío Matamoros, la intención de poner en primer plano un concepto musical -hasta entonces minoritario en España- que conjuga el lirismo popular más aventurero y místico español y las tradiciones rítmicas africanas.

Sus nuevas composiciones ven la luz en la gira que protagoniza junto a Kiko Veneno, gira que arranca en Madrid el 24 de febrero de 1993. Títulos como "Fonda de Dolores", "Perro Flaco" o "El Mestizo" dejan entrever la sonoridad que Santiago Auserón pretende imponer en su nueva propuesta musical. Colabora en la organización de los Encuentros de poetas y soneros cubanos en la Casa de América de Madrid (1993) y los Encuentros del Son y el Flamenco de la Fundación Luis Cernuda de Sevilla (1994 y 1995). Crea la nueva marca de producciones NSL (Nueva Sociedad Lírica. Con ella produce la "Antología de Francisco Repilado"

Escribe conferencias de contenido filosófico y musical para las universidades de Madrid, Granada y Valencia. Participa en el proyecto Homenaje a Federico García Lorca: "De Granada a la Luna" (Sombra Records, 1998), componiendo música e interpretando dos de sus poemas. Entre sus reconocimientos figuran: Mejor Músico del Año 1995 (premio Cambio16) y mejor disco de rock latino en español (Raíces al viento, 1995), según la revista La Banda Elástica de Los Ángeles, USA. Premio MAX de las artes escénicas como mejor composición musical para espectáculo escénico por los temas para Cacao de Dagoll Dagom.

En julio de 2003 arranca su nuevo proyecto y por el cual aparece en esta web: La Fábrica de Tonadas, un encuentro musical desde la perspectiva de la fusión entre el flamenco y el jazz con la participación de Chano Domínguez, Jorge Pardo, Jordi Bonell, Javier Colina y Marc Miralta, figuras de primera fila en el jazz español para interpretar canciones contemporáneas.

FRED ASTAIRE

Aunque su familia era de origen austriaco, Fred Astaire nació y se crió en Estados Unidos. Desde muy pequeño destacó por sus dotes para la danza. Aprendió a bailar siguiendo el ejemplo de su hermana Adele con la que formaría dúo musical. A los once años debutaron juntos en el teatro y su unió se prolongaría hasta que Fred contó con dieciséis años. Juntos realizaron numerosas giras por el país y protagonizaron grandes éxitos como "Over the top". En 1917 ambos conquistaron Broadway participando en las comedias musicales de George Gershwin (motivo por el cual se acercó colateralmente al jazz) y de Jerome Kern. En 1932 su hermana contrajo matrimonio y Fred se quedó sin pareja artística pero pronto encontraría a la que sería su pareja ideal, en una buena amiga, Ginger Rogers.

En 1933 debutó en el cine apareciendo brevemente en "Alma de bailarina" de Robert Z. Leonard aunque su consolidación cinematográfica le llegaría cuando le ofrecieron un papel secundario junto a Ginger Rogers en "Volando hacia Río de Janeiro", producción en la que también participaron Dolores del Río, Gene Raymond y Raoul Roulien. A mediados de los años 30, Astaire y Rogers ya eran una pareja consagrada que logró sus más altas cotas en películas como "Sombrero de copa" (1935), "Sigamos a la flota" (1936) o "Swing time" (1936). A partir de 1939 se produjo un largo paréntesis en el que no trabajaron juntos pero diez años más tarde reaparecieron. Durante los años sesenta cambió el claqué, del que llegó a ser el mejor bailarín del mundo, por las interpretaciones dramáticas revelándose de este modo como un actor versátil, aunque nunca abandonó del todo el musical. En 1968 se despidió del género pero no del cine ya que su última incursión se dio en 1981 en la película de terror: Historia Macabra.

En 1949 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar honorífico por "su virtuosismo y contribución al arte de la comedia musical", galardón que le fue entregado a Ginger Rogers. Casi tres décadas más tarde, en 1974, fue nominado como mejor actor secundario por su papel en "El coloso en llamas". Fred Astaire, estuvo casado dos veces, la primera con Phyllis Baker Potter con la que tuvo dos hijos, Frederick y Ava; su segundo matrimonio lo contrajo en 1980 con Robin Smith, una jockey profesional, 44 años más joven que él. Fue conocido con el sobrenombre: El príncipe de la danza.

IÑAKI ASKUNZE

El saxofonista tenor, Iñaki Askunze nace en San Sebastián en 1963. En 1970 inicia sus estudios de violín que cambiará literalmente por el saxofón en 1980 (con un compañero de conservatorio). En 1988 recibe una beca del Gobierno de Navarra para ampliación de estudios en el extranjero. Se traslada al famoso Berklee College of Music of Boston donde se gradúa con el grado de "Magna Cum Laude" tanto en Interpretación como en Composición.

De esta primera etapa formativa destacan como profesores los navarros Javier Garayalde y Pedro Iturralde y los americanos Joe Viola y Herb Pomeroy. En cuanto a sus influencias destaca John Coltrane y Jan Garbarek. Ha impartido diversos cursos en Santander, Pamplona y Barcelona. Es especialmente importante su labor en el año 1995 en el "Taller de Musics" de Barcelona en cursos de armonía y arreglos. También continúa con su labor pedagógica en Pamplona y a partir de 1999 es profesor de "Introducción al Jazz" en el Conservatorio Pablo Sarasate.

ART ENSEMBLE OF CHICAGO

Formado inicialmente por el saxofonista, Roscoe Mitchell, con ocasión de un concierto celebrado en Chicago en diciembre de 1966, este grupo de músicos innovadores arrancó con el trompetista, Lester Bowie, el bajista, Malachi Favors y el batería, Philip Wilson, además del ya citado, Roscoe. Posteriormente, en 1967, se unió al grupo el saxofonista, Joseph Jarman, y ocasionalmente a lo largo de la vida del mismo, los baterías, Thurman Baker y Robert Crowder y el bajista, Charles Clark.

El "Art Ensemble of Chicago" enfocó su música con un discurso denso, salvaje y con absoluta libertad para la improvisación. Fueron pioneros en introducir en el jazz, instrumentos y sonidos absolutamente heterodoxos como carrillones, cocteleras, reclamos para pájaros, e incluso bocinas de coches. El grupo no tomó su nombre definitivo, hasta el verano de 1969 con motivo de un concierto en Paris - hasta entonces, se llamaban: Art Ensemble- y en el año siguiente, se incorporó definitivamente, el batería, Don Moye.

La figura más popular del grupo fue el trompetista, Lester Bowie -recientemente fallecido- un músico que todo cuanto hizo, fuera y dentro del Art Ensemble, tenía el mismo estilo perfectamente reconocible.

LOUIS ARMSTRONG

Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas neorleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un reformatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros otros instrumentos.

Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith.

Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos. Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.

MIGUEL ANGÁ

Miguel Angá Díaz, ex percusionista del legendario grupo Irakere, de Afro Cuban All Stars, y de Buenavista Social Club, ha colaborado con Steve Coleman, Chick Corea y Roy Hargrove entre otros músicos de jazz, consiguiendo con este ultimo un premio Grammy por su disco "Habana". Hijo de un saxofonista y clarinetista, realiza los estudios de nivel elemental en la escuela provincial de Pinar del Río. A los 10 años, obtiene una beca para trasladarse a la Escuela Nacional de Instructores de Arte, de La Habana, donde se matricula en el nivel medio. En esos años, alterna la asistencia a esta escuela con los cursos que sigue en la Escuela Nacional de Arte, y empieza a trabajar en las bandas sonoras de películas y documentales con José María Vitier.

La primera experiencia profesional en un escenario le llega al ingresar en el grupo Opus 13, dirigido por Joaquín Betancourt. Angá Díaz estará diez años en las filas de este conjunto surgido del famoso treceto de la ENA, y tendrá la ocasión de realizar las primeras giras. En 1987, Chucho Valdés lo invita a unirse a Irakere, grupo con el que trabajará durante 9 años junto a grandes nombres del latín jazz como el propio Valdés, Enrique Pla o Carlos del Puerto. Su estancia en Irakere le abre las puertas de los festivales y de los clubes de jazz más importantes del planeta, y lo llevará a trabajar con estrellas internacionales como Al Di Meola, Chick Corea o Billy Cobham en el Festival de Jazz de Cerdeña. En 1995, Angá Díaz decide instalarse en París, donde inicia su carrera en solitario como músico y como docente, imparte seminarios y clases magistrales y colabora con músicos de extracciones estilísticas tan diferentes como Roy Hargrove, Gonzalo Rubalcaba, Danilo Pérez, Paquito D’Rivera, John Patitucci o Herbie Hancock, entre muchos otros. Durante sus años en París, Miguel Angá, trabaja también con Ry Cooder, Buenavista Social Club, y Joshua Redman y produce algunos proyectos de terceros, como el último disco de Cachaíto López, además de convertirse en artista exclusivo de la discográfica World Circuit.

En el 2003, Angá Díaz decide trasladarse a vivir a Barcelona donde, además de seguir trabajando en proyectos ajenos como el nuevo trío de Omar Sosa, ha puesto en marcha su propio grupo, donde cuenta con la participación de su hermano, Juan Miguel "el Indio" Díaz, del guitarrista Joan Boldú y del bajista Childo Thomas. Artista de una sólida formación en la música tradicional cubana y de un virtuosismo que le ha granjeado el elogio unánime de la prensa especializada y de sus compañeros de profesión, Angá Díaz ha apostado durante todos estos años por explorar la fusión de estilos, acercar la música cubana a otras músicas y por explorar las relaciones de las polirritmias afrocubanas con la tecnología.

Entre los muchos premios que ha cosechado a lo largo de esta dilatada carrera, cabe destacar el premio al mejor instrumentista que le concedió la Asociación Nacional de Escritores y Artistas Cubanos, el premio "Revelación del Año" del Festival Internacional Jazz Plaza de La Habana en 1986, el premio Egrem con que fue galardonado el primer disco que realizó en solitario y que contó con la participación, entre otros, de Tata Güines, el Grammy al mejor disco por Habana, disco del grupo Crisol (donde también intervenía Roy Hargrove) o el Grammy al mejor percusionista que obtuvo en la penúltima edición de dichos premios.

ESTER ANDÚJAR

La cantante, Ester Andújar, nace en Valencia en 1976. En 1995 forma el grupo Black Train donde empieza a componer y a arreglar su propia música influenciada por el jazz y el blues. Con este grupo grabó su primer disco titulado "The call of the train" y en diciembre de este mismo año gana el premio a la "Mejor vocalista" en el certamen del Club de Jazz de Valencia: "Black Note 1995". Ha asistido a seminarios y master-classes con Mike Mossman, Astrid Krone, Carme Canela, Mario Rossi, Kurt Rossenwinkwel, etc...

En 1996 decide dedicarse profesionalmente a la música actuando por toda España con su propio grupo "Ester Andujar Group" o con destacados grupos y solistas como: Dr. Lonnie Smith, Idris Muhamad, Jorge Pardo, Ximo Tebar, Sam Yahel, Carles Benavent, Dennis Rowland, Ramón Cardo, Sedaví Big Band, etc. En 1998 comienza a trabajar con el grupo de Ximo Tébar actuando en los jazz-clubes y festivales más importantes del país como Festival de Jazz de Barcelona, Festival de Jazz de Madrid, Feria de Julio de Valencia, Festival de Jazz de Sevilla, Jamboree Jazz club, Clamores, etc.

En 1999 realiza una gira por España en cuarteto con Ximo Tébar, Julián Vaughn y el organista neoyorquino Sam Yahel, también colabora en la grabación de los nuevos discos de la Nova Dixieland Band y la Sedajazz Latín Jazz Big Band. En el año 2000 realiza una gira por Latinoamérica actuando en los Festivales Internacionales de La Habana (Cuba) y La Plata (Argentina). También en el 2000 es elegida como Presidenta de la Asociación Valenciana de Músicos de Jazz (PROMUSICS). En el año 2001, vuelve a la ciudad de Buenos Aires a realizar una gira de conciertos y a impartir una serie de cursos intensivos de canto interpretativo en la escuela EMU de La Plata.

Gana el Premio "Mejor Voz 2001" otorgado por la Asociación Valenciana de Jazz y Músicas Creativas (PROMÚSICS). En Noviembre de 2001, Branford Marsalis le invita a cantar en su gira por España. En el 2002, asiste al Seminario Internacional de Jazz de Zarautz donde estudia con Bob Stoloff (Berkley School of Music) técnicas de improvisación vocal y participa en las Master Class de Benny Golson, actuando en el concierto de clausura junto a Albert Bover e Iñaki Salvador. En Noviembre de 2002 edita su primer disco como líder titulado "Tristeza de Amar" (Omix Records) producido por Ximo Tébar. En dicha grabación está acompañada por Albert Sanz, Pere Loewe y Esteve Pi y cuenta con las colaboraciones solistas de Joan Soler, Carlos Martín y Ximo Tébar. "Tristeza de Amar" ha sido destacado por la revista: "Todas las Novedades" como uno de los cinco mejores discos del jazz español del 2002, también ha sido Nominado para "Mejor Disco" en la II Edición de los Premios del Jazz Valenciano Promusics 2002. En esta edición de los Premios Promusics ha recibido el Premio MEJOR VOZ 2002.

Actualmente se encuentra trabajando en su segundo disco basado en un repertorio de composiciones propias en castellano fusionando jazz, música brasileña y funk, y comparte sus giras y grabaciones con la docencia impartiendo clases de canto en el Aula de Música Alameda de Valencia y Espai-C.A.R.E. (Centro de Alto Rendimiento Escénico).

MIKEL ANDUEZA

Mikel Andueza finaliza sus estudios en el "Real Conservatorio Superior de Madrid" con matrícula de honor en todos los cursos, "Premio Fin de Grado Profesional" y "Mención Honorífica Premio Fin de Carrera". Posteriormente continúa en el "Berklee College of Music" (Boston, USA) donde se gradúa "Cum Laude" y se le concede el premio "Performance Award" al saxofonista más destacado del año.

Músico ecléctico con más de una treintena de discos grabados, en la música clásica ha colaborado con la "Orquesta de la Radio Televisión Española", "Joven Orquesta Nacional de España", "Orquesta Sinfónica de Euskadi", "Orquesta Sinfónica de Bilbao" y en el terreno teatral, ha realizado colaboraciones con el "Harvard University Theatre" (USA) y con la "Orquesta del Teatre Lliure", en el Teatro Nacional de Cataluña.

En otras músicas, ha colaborado con artistas como Rosa Pasos, Miguel Ríos, Victor Manuel, Lucrecia, Jorge Drexler, Imanol, Amaia Zubiria, o Santiago Segura. En su amplia actividad jazzística ha colaborado con Manhattan Transfer, Deborah Brown, Dusko Goikowich, Tete Montoliu, Bebo Valdés, Phil Woods o Randy Brecker. Ha grabado conciertos como solista para Radio Nacional de España, Televisión Española, Vía Digital y ofreciendo conciertos en numerosos países: EE.UU, Portugal, Alemania, Andorra, Francia o Bélgica.

Mikel ha desarrollado una extensa labor pedagógica en escuelas especializadas en música moderna y jazz como la "Escuela de Música Creativa de Madrid", "Conservatorio Superior de Jazz Pablo Sarasate de Pamplona", "Taller de Músicos de Barcelona", "Aula Moderna del Conservatorio del Liceo de Barcelona" y actualmente combina su labor docente en el Centro Superior de Música del País Vasco, "MUSIKENE", como profesor en la especialidad de saxofón-jazz, con la dirección del "Mikel Andueza Superquintet", de la "Orquesta Didáctica de los Pirineos", o colaborando con diferentes grupos.
THE ANDREWS SISTERS

El trío vocal formado por las Hermanas Andrews (LaVerne Andrews, 1915-1967); Maxene Andrews (1915, 3 de enero) y Patty Andrews (1920, 16 de febrero), de origen familiar greconoruego, debutaron juntas en un espectáculo para niños, y su enorme éxito animó a sus padres a seguir fomentando en ellas el gusanillo de la comedia musical. Ya de adolescentes, las tres hermanas emprendieron una intensa actividad músico-teatral en espectáculos de vodevil, y en otros locales de bajo relieve.

Su oportunidad les llegó de pronto con un tema que vendió para aquella época miles de copias que se titulaba: "Bei Mir Bist Du Schoen" que en 1937 las convirtió en estrellas famosas de la canción para el publico norteamericano. Las Hermanas Andrews, quisieron, sin conseguirlo, imitar la calidad jazzistica de las "Boswell Sisters" un grupo vocal de enorme calidad liderado por Connie Boswell. Su éxito se sustentó en los años previos y posteriores a la II Guerra Mundial donde fueron invitadas varias veces por el Departamento de Estado norteamericano para que fueran al frente a animar a sus tropas.

Dentro del trío, la dirección musical era llevada a cabo por Patty, encargada de los arreglos y de la mayoría de los solos. Las discusiones y desavenencias en el seno del trío eran muy frecuentes y terminaron por disolver el grupo en 1953. Tres años mas tarde hubo un intento de reconciliación pero duró apenas unos meses. Patty Andrews, decidió continuar su carrera en solitario y tras el fallecimiento de La Verne en 1957, definitivamente el grupo pasó a la historia. En su época de mayor esplendor, las Hermanas Andrews aparecieron en varias películas infames producidas por Hollywood con los cómicos, Abbot y Costello. Algunos de sus discos grabados si tienen puntualmente un interés jazzistico como puede ser el el grabado con Woody Herman.

ÁNGEL ANDRÉS

El pianista Ángel Andrés, nace en Córdoba en 1970, ciudad en la que inicia sus estudios musicales a la edad de 7 años, finalizándolos a los 17 con Premio Fin de Carrera. Realiza un postgraduado con el prestigioso concertista Josep María Colom en la Universidad de Alcalá de Henares de Madrid. Posteriormente centra su actividad musical en el jazz trasladándose a Boston. Estudia con el catedrático Ran Blake y participa en los seminarios del "Third Stream" impartidos en la Berklee School of Music así como en el New England Conservatory. Realiza numerosas giras y grabaciones en USA, principalmente en los estados de Massachussets y New York.

Ha colaborado en diferentes proyectos con músicos como Guillermo Mcgill, Javier Colina, Víctor Merlo, Angie Bao y Pablo Martín entre otros. Es compositor y pianista del grupo Jándalo de flamenco-jazz fusión con el que ha realizado numerosos conciertos dentro y fuera de España y con el que ha editado un disco. Representó a España en el I Festival Europeo de Jazz celebrado en la ciudad de Atenas. También participó como pianista y coarreglista del disco Periplo del guitarrista de jazz fusión Chapi Pineda, trabajando junto a Salvador Niebla, Josep Mas Kitflus y Carles Benavent.

Recientemente, ha grabado un disco para la casa Ensayo, del grupo RBA música. Paralelamente a su actividad jazzística mantiene una intensa labor en el terreno clásico. Ha sido maestro repertorista en el Teatro de la Maestranza de Sevilla y en el Teatro Liceu de Barcelona, trabajado con figuras de la talla de Plácido Domingo, José Carreras, Teresa Berganza, y Ferrucio Furlanetto entre otros. Pianista acompañante en los “Cursos de perfeccionamiento Musical” en Oviedo en los que trabaja junto a miembros de las Orquestas Filarmónica de Berlín y Sinfónica de Londres. Ha grabado un disco de contrabajo y piano junto a Lucian Ciorata, primer contrabajista de la Real Orquesta Filarmónica de Sevilla titulado Contrabassísimo.

RAY ANDERSON

El trombonista, Ray Anderson, posee la envergadura suficiente desde el punto de vista estilístico como para ser claramente identificado como un músico criado musicalmente en su ciudad natal: Chicago. Eligió el trombón como instrumento para toda su carrera, a los ocho años y su mentor, el trombonista, George Lewis fue su tutor, compañero, profesor y amigo. Cuando terminó sus estudios, Anderson, se trasladó a California siendo aún un adolescente y en 1972, pisó por primera vez, New York.

Tocó en la ciudad de los rascacielos con Charles Mingus, y en 1977 dio un paso de gigante en su carrera cuando comenzó a trabajar regularmente con Anthony Braxton y Barry Altschul, dos músicos de vanguardia en la escena neoyorquina. Formó su propio grupo y en 1980 viajó a Europa por primera vez al frente del mismo.

En el viejo continente, Anderson arriesgó su credibilidad, apostando por proyectos musicales limítrofes con el rock (Frank Zappa le influyó sobremanera) y creó "Slickaphonics", una orquesta de estilo funk, en la que tocaba una música salvaje, expresionista y basada principalmente en instrumentos acústicos. En la actualidad, Ray Anderson tiene suficiente experiencia y calidad para ser considerado uno de los trombonistas de jazz mas interesantes.

ERNESTINE ANDERSON

Ernestine Anderson, fue una cantante sin suerte. Nacida en 1928, estuvo largo tiempo sin que nadie la contratara y permaneció olvidada en los círculos musicales de los Estados Unidos. En un determinado momento de crisis económica y sin que nadie se acordara de ella para cantar, llegó a trabajar de criada. Pero en 1976 todo cambió. El sello Concord, relanzó su carrera y le suministró selectos acompañantes - la mayoría de las veces, el trío del contrabajista, Ray Brown- que le permitieron recuperar con creces el tiempo perdido.

Dio sus primeros pasos musicales con Russell Jacquet (1943), y posteriormente con Johnny Ottis (1947-1949), antes de trabajar para Lionel Hampton entre 1952 y 1953. Su primer álbum lo grabó en 1956 para el sello Metronome, tras una gira con el trompetista, Rolf Erickson. Fichó para el sello Mercury y allí estuvo cuatro años, entre 1958 y 1962. Aquellos años fueron los mas brillantes de su carrera, y a ello contribuyó de manera decisiva los arreglos de Pete Rugolo y su orquesta. El declive de su carrera comenzó en los años setenta cuando se instalo casi definitivamente en Londres donde pasó unos años en paro hasta el ya comentado resurgir de 1976 con el sello Concord. Allí grabo once álbumes desde 1976 hasta 1990, siendo muy bien valorado el que grabó en directo en el festival Concord de jazz en 1990.

GENE AMMONS

Hijo de Albert Ammons, famoso pianista de Chicago, Eugene Ammons, fue educado desde pequeño por el amor a la música. Estudió en el Instituto Dusable de Chicago con una beca otorgada por la fundación "Captain Walter Dyett".

Ya a los dieciocho años, Gene Ammons, estaba preparado para iniciar su carrera musical de la mano del director de orquesta, King Kolax. Ese paso fue el trampolín para ingresar en la banda del cantante, Billy Eckstine, un autentico vivero para los músicos del bebop, estilo emergente por aquélla época. Influenciado por los dos grandes saxofonistas del momento: Lester Young y Coleman Hawkins. Gene Ammons, sustituyó en 1949 a Stan Getz, en la orquesta del maestro, Woody Herman, lo que contribuyó notablemente, a que la fama de la orquesta le rozara a el.

En 1950, Ammons, formó un grupo con el también saxofonista, Sonny Stitt, contribuyendo a lanzar la moda del "tenor duro". Justo cuando comenzaba a recoger los frutos de su nuevo estilo de tocar, Ammons, fue encarcelado por consumo de drogas durante dos años (1958-1960) y poco después, una segunda condena de siete años (1962-1969), le separó definitivamente de la música. Deteriorado físicamente por el periodo carcelario y el consumo de heroína, una fatal neumonía acabó con su vida en 1974.

CHEFA ALONSO

Chefa Alonso, saxo soprano y composición, comienza su andadura jazzística dentro del septeto "El Combo de Sara", con el que telonea a artistas como Pharoah Sanders, Don Pullen, Art Blakey & The Jazz Messengers, Phil Woods, etc. Más tarde forma su propio dúo "Alonso y Williams", con el guitarrista americano Cy Williams, trabajando ya temas propios y tocando por toda España, Inglaterra y Alemania. Perteneció también al quinteto de Baldo Martínez, con el que graba el CD "No país dos ananos", catalogado como el segundo disco de jazz mejor del año.

Desde 1995 se dedica a la interpretación y enseñanza de la música improvisada y a la composición e interpretación de música para teatro y danza, además de componer para su propio grupo Akafree.
Es cofundadora de "Músicalibre", colectivo con el que organiza anualmente el Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel. Tiene también grupos estables de improvisación como "Blanca Doble", dúo con el poeta leonés Víctor M. Díez, y "Sin Red", propuesta múltiple de poesía, danza y música improvisada, y ha tocado con una gran variedad de músicos del panorama internacional de la música improvisada, como Vanesa Mackness o Phil Wachsman.

Chefa Alonso tiene un amplio prestigio en el circuito jazzistico española, habiendo actuado en los siguientes festivales: Festival Gaudí de música improvisada (León); Música y cotidianeidad sonora (Albí, Francia); Periferias (Huesca); Festival de Creación en tiempo real (Madrid); Festival de Improvisación Hurta Cordel (Madrid); Madrid en danza; Situaciones (Cuenca); Improvisa (Barcelona); El Grec (Barcelona); Viaje a la Polinesia (Barcelona); La Flibuste (Toulouse, Francia); Escucha, Madrid; Música Experimental en Metronom (Barcelona); Iba (Barcelona), etc. Es profesora de saxofón en la Escuela Municipal de Música de Tres Cantos (Madrid), y de improvisación y saxo en el Aula de Músicas de Madrid.

HENRY RED ALLEN

Nacido y criado en New Orleáns, Henry "Red" Allen, aprendió a tocar la trompeta ayudado por su padre, que fue durante varias décadas líder de una orquesta de jazz. En 1927, se marchó de su ciudad natal para unirse en St. Louis, a los famosos "Dixie Syncopators" del celebre, King Oliver. En uno de sus viajes con la orquesta, llegó a New York para participar en su primera grabación con la orquesta del pianista, Clarence Williams.

Cuando regresa a New Orleáns, con una bien ganada fama de trompetista, el director de orquesta, Fate Marable, lo contrata para que toque en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. Su vida le cambió a partir de entonces. Conoce a Louis Armstrong, un músico que influiría decisivamente en su carrera musical; graba cuatro discos para el sello: "Víctor", con la orquesta de Luis Russell. A partir de entonces, Allen, se convirtió en uno de los trompetistas mas solicitados del momento y dirigió o tocó con numerosos grupos y músicos. Por aquel entonces, era incluso mas valorado que otros contemporáneos suyos.

A mediados de los años cincuenta, y ya en pleno apogeo del bebop, actuaba de manera regular en un local de New York llamado "Metropol" al lado de Coleman Hawkins y otros músicos importantes del jazz. Uno de los momentos memorables de su carrera, se produce en 1958, cuando él y su grupo de "All Stars" aparece en el programa televisivo de la BBC americana titulado "Sounds of Jazz". Allí comparte actuación con Billie Holiday, Lester Young, Count Basie y Coleman Hawkins entre otros grandes músicos.

A finales de 1966, Allen empezó a notar señales inequívocas de su larga enfermedad que acabaría con su vida la primavera del año siguiente. Su estilo, original y maduro, y su fraseo, rotundo y lleno de swing, fue recuperado a su muerte por otros músicos que aprendieron de Allen a tocar swing sin fisuras.

HARRY ALLEN

Harry Allen, saxofonista tenor, nació en Washington en 1966. Su infancia la pasó a caballo entre Los Ángeles y Rhode Island y se licenció en Filosofía y Letras, en la Universidad Rutgers en New Jersey.

Su estilo musical, ligero y vertiginoso, ha inspirado comparaciones e influencias del saxofonista, Lester Young. Harry Allen ha participado en festivales, clubes y conciertos de jazz de todo el mundo, y apoloybaco, tuvo la oportunidad de escucharlo en directo en Sevilla, dentro del circuito del "Rising Stars" que patrocina una entidad financiera de nuestra ciudad, concretamente el Área de Cultura de la Caja San Fernando. Fue el jueves 1 de junio del 2000.

Harry Allen, ha tocado con innumerables músicos, en Japón es enormemente popular y tiene por delante un brillante futuro. Su disco "Jazz Im Amerika Haus" grabado en directo en el Concorde Festival de "All Stars" es su mejor registro hasta ahora.

GERI ALLEN

Geri Allen es una de las grandes pianistas de jazz de finales del siglo XX y tiene todo a su favor para ser, en este incipiente Siglo XXI, una de las grandes referencias del jazz. Miembro del colectivo musical "M-Base", en 1994 ingresó en el cuarteto de Ornette Coleman siendo la primera pianista que Ornette, contrató en más de treinta años. Los programadores de Jazz at Lincoln Center le encargaron la obra: "Sister Leola, An American Portrait" todo un compendio musical moderno, brillante y creativo. A pesar de su juventud, posee ya una amplia discografía en Blue Note y Verve, de la que cabe destacar por su extraordinaria calidad, el álbum: "Maroons" (Blue Note, 1992)

Escuchar a esta pianista de jazz es descubrir el verdadero significado del arte en el piano de jazz. Con una capacidad técnica asombrosa, Geri Allen se ha ganado a pulso la consideración de ser una de las grandes pianistas del jazz contemporáneo. Además lo ha hecho en muy poco tiempo. Su impronta ha impactado en este difícil terreno donde las mujeres instrumentistas son una inmensa minoría. A sus cuarenta y pocos años, Geri Allen ya puede presumir de haber tocado con la flor y nata de los músicos en los géneros más diversos y ha mantenido una carrera intachable creciendo cada año. Geri Allen además está en su mejor momento de madurez. En 2003 se presentó en Madrid con el que ahora es su habitual formato de trío, junto a los hermanos Johnson (Billy al bajo y Mark a la batería), y dejó anonadado a un público que llenaba hasta la bandera el recinto. Lo mejor de todo es que ninguno de los tres tuvo que hacer nada fuera de tono o recurrir al guiño populachero: les bastó con tocar jazz de calidad a un altísimo nivel.

Geri Allen, lo mismo asume tocar en formato pequeño con un criterio muy formado de lo que es el trío, o lo hace a piano solo y entonces el lirismo de su música lo impregna todo. Y lo importante es que lo hace acumulando un derroche de swing inagotable.

LOREZ ALEXANDRÍA

Lorez Alexandría, podía haber sido una de las numerosas seguidoras de la gran Dinah Washington. La educación familiar y juvenil en la iglesia y los once años que se pasó en diferentes coros de gospel, así lo hacía suponer. Pero Dolorez Turner - su verdadero nombre- siempre abominó de los marienismos gospel y soul en el jazz. Su feeling es indiscutiblemente negro y la influencia de Sarah Vaughan, terminó de amoldar su expresión gutural hasta pulirla de elementos intrascendentes.

Entre 1957 y 1964, grabó cuatro álbumes para la casa King, otros cuatro para el sello Argo y finalmente dos para el sello, Impulse. Este periodo es su época mas floreciente. Siempre estuvo bien acompañada por el trío del pianista, Ramsey Lewis y músicos de la orbita de Count Basie, como Newman, Foster, Wes y Green. También con el trompetista, Howard Mcghee y el contrabajista, Israel Crosby.

Estuvo retirada de los escenarios durante mas de diez años y volvió en 1977 a los estudios para grabar varios discos con el sello Discovery, dedicados íntegramente a la música de Johnny Mercer acompañada del omnipresente, Houston Pearson, el contrabajista Ray Drummond y el batería Kenny Washington. Lorez Alexandría falleció cuando su estrella volvía a relucir con fuerza producto de su calidad para el canto y la experiencia y madurez adquirida.

MONTY ALEXANDER

Después de haber estudiado en su Jamaica natal bajo la dirección de algunos cualificados profesores, el pianista, Monty Alexander, se trasladó a los Estados Unidos. En Miami donde tocaba durante el transcurso de una gira, fue escuchado por el propietario de un local de jazz de New York, quien se quedó maravillado por el sonido que transmitía el piano de aquel jamaicano.

En New York, y de la mano de este empresario, consiguió su primer contrato importante, con el añadido de que pudo darse a conocer en la escena del jazz neoyorquino, por aquel entonces, a la cabeza de la vanguardia jazzistica norteamericana.

En los años siguientes logró formar un trío propio, y en los años setenta trabajó con el vibrafonista, Milt Jackson y el contrabajista, Ray Brown. Su participación en festivales, conciertos, giras y espectáculos fue en los años ochenta muy intensa y así pudo participar en Monterrey, Montreux, (donde grabó un gran disco en directo) el festival de jazz del sello Concord, etc. Pianista clásico y fruto de la escuela dejada por el maestro, Oscar Peterson o Ahmad Jamal, Monty Alexander tiene en la actualidad un bien merecido prestigio y es sin duda el músico de jazz mas representativo de Jamaica.

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